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AGENDA DE EXPOSICIONES

Andy Warhol: De la A a la B y de Regreso
Lugar:
Whitney Museum of American Art
Dirección:
99 Gansevoort Street, New York, NY 10014, EE.UU.
Fecha:
Desde el 12 de noviembre de 2018 hasta el 31 de marzo de 2019


Andy Warhol, Skull, 1976, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York © 2015 De las sopas Campbell a la Coca-Cola, de Marilyn Monroe a Mao Tse-tung, Andrew Warhola, su verdadero nombre, juega con los iconos de su época, mientras documenta incansablemente su propia vida y su trabajo hasta el punto de convertirse él mismo en una marca.
La exposición refleja su gusto por la serigrafía, los colores vivos y sus famosas imágenes repetitivas, pero también muestra que Warhol nunca se dejó atrapar por esta forma de expresión, incluso si le debe su éxito.
Sus filmes, su colaboración con Jean-Michel Basquiat, pero también su incursión en lo abstracto, son la prueba. Así, en 1978, a los 50 años, comenzó la serie abstracta Shadows, deliberadamente despojada de la estética pop.
Bajo la dirección de Donna De Salvo, quien trabajó con el artista durante los últimos meses de su vida, esta exposición ofrece una visión más amplia y compleja de Andy Warhol, diseñada especialmente para un público nuevo. La última retrospectiva en Estados Unidos de este artista fue en 1989 en el MoMA y "cambió drásticamente nuestra visión de Warhol, pero también dejó un montón de preguntas sin respuesta", según la comisaria.
La muestra, compuesta por préstamos de más de 100 instituciones y coleccionistas, intenta seducir tanto a los conocedores del artista como a quienes no conocen tanto al polémico personaje. Para lograrlo, la exposición que ocupa tres pisos del museo repasa toda la carrera de Warhol, desde sus inicios como ilustrador publicitario, hasta su viaje hacia la abstracción.
Gracias a una selección exigente, Andy Warhol - From A to B and Back Again presenta al artista en todas sus dimensiones: dibujante, pintor, fotógrafo, videógrafo, productor de espectáculos, editor (de la revista Interview) y hasta curador de sus propias exposiciones. Y en el centro de todo, la imagen y el poder de representación, una reflexión estructurada por su experiencia en la publicidad durante la década de 1950.
Otra parte importante de la exhibición, que comprende más de 300 obras, está dedicada al video, que Warhol usó para documentales, películas experimentales, programas culturales y piezas publicitarias. Además de esta dimensión multimedia, la exposición evoca un Warhol en movimiento perpetuo, ávido de experiencias, movido por la inspiración de otros y de los que le rodeaban, cuya huella perdura.


Imagen:
Andy Warhol, Skull, 1976, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York © 2015.


Oliver Czarnetta. Pareidolia
Lugar:
Galería Lucía Mendoza
Dirección:
C/ Bárbara de Braganza, 10, Madrid, España.
Fecha:
Desde el 12 de enero hasta el 2 de marzo de 2019


Oliver Czarnetta Obra Intruder II, 2018. La muestra estará compuesta por una selección de obras del artista alemán en las que manifiesta su reflexión sobre el tiempo y la memoria. Estas obras, todas de reciente creación, combinan diferentes técnicas que exploran las posibilidades de la escultura para tratar una de las obsesiones del artista: el paso del tiempo.
Pareidolia, describe un estímulo vago y aleatorio representado habitualmente por una imagen que se percibe de forma reconocible. Al igual que se buscan formas concretas dentro de las siluetas que la naturaleza moldea en los accidentes geográficos, Oliver Czarnetta utiliza esa búsqueda para poner ante el espectador diferentes obras en las que una observación activa resulta definitoria para dotarlas de significado.
El paso del tiempo y su inexorabilidad están presentes en cada una de estas obras. Si en anteriores ocasiones la obra se constituía como una alusión hacia el mito de Lethe, uno de los ríos del Hades que provocaba el olvido completo a aquellos que bebían de sus aguas, en esta ocasión, incorpora otro elemento: el movimiento como otro factor a considerar, al igual que en la corriente de Heráclito. Un tiempo que no pasa a nuestro lado, sino que el propio espectador genera al moverse sobre él. Así, se vuelve a aludir al papel activo del público, que le conduce hacia otra manera de entender el mundo que le rodea y su posición en él.
Las líneas de trabajo del escultor profundizan así en el valor de las emociones y el modo en el que el tiempo influye en la percepción. Sus obras son ejecutadas de forma espontánea, dejando que el azar intervenga en el resultado final.


Imagen:
Oliver Czarnetta Obra Intruder II, 2018.


Un arte propio: Convergencias entre México y Colombia
Lugar:
Museo de Arte Miguel Urrutia de Bogotá (MAMU)
Dirección:
Calle 11 #4-21, La Candelaria, Bogotá, Cundinamarca, Colombia.
Fecha:
Desde el 7 de diciembre de 2018 hasta el 18 de febrero de 2019


Manuel Rodríguez Lozano (México), El rebozo blanco, 1943. Colección FEMSA.La muestra reúne 90 piezas de la Colección de Arte del Banco de la República y la Colección FEMSA a través de las cuales se ilustra algunas corrientes artísticas, como el muralismo, cuya influencia se extendió a lo largo de toda América Latina.
La relación cultural entre México y Colombia se recuerda sobre todo por la decisión de colombianos como Gabriel García Márquez, Fernando Vallejo o Álvaro Mutis de vivir en ese país. Pero la exposición enseña que estos países están unidos por otras razones.
La exposición incluye obras de los mexicanos Diego Rivera, Frida Kahlo, Remedios Varo, Rufino Tamayo y Dr. Atl (Gerardo Murillo), entre otros. Y de los colombianos Pedro Nel Gómez, Débora Arango, Rómulo Roso, Andrés de Santa María y Fernando Botero, por mencionar algunos. En total, habrá 45 piezas de artistas colombianos y 45 de mexicanos.
La idea es mostrar un panorama de manifestaciones artísticas paralelas, así que las obras de ambos países se ubican en el mismo espacio, sin restricciones geográficas. Por ejemplo, la pieza Mi vestido cuelga aquí, de Kahlo, está junto a una obra de Débora Arango. Según Cristian Padilla Peñuela, uno de los comisarios, la ubicación permite un diálogo de dos de las artistas más transgresoras y críticas de la región.
El paralelo entre el arte de ambos países se evidencia especialmente con los cinco núcleos temáticos en los que se dividen las obras. Cada uno representa algún punto de encuentro, ya sea temático, o de estilo, entre las obras. El primero es “La experiencia europea”, que recoge piezas de ambos países muy marcadas aún por tendencias internacionales.
El segundo núcleo, “Hacia un arte propio: el hombre y la tierra”, muestra artistas que retomaron sus raíces y construyeron una nueva forma de expresión artística, propia de Latinoamérica.
“Onírico e irónico: del surrealismo a un realismo mágico” explora la manera en la que la realidad se unió con la ficción en ambos países. Aquí se incluyen obras de Remedios Varo o Leonora Carrington. Aunque nacieron en Europa, llegaron a México y se quedaron. El resultado fue una influencia del surrealismo europeo con las tendencias latinoamericanas. Y, finalmente, está el núcleo “Hacia la abstracción de un arte propio y Una nueva figuración: el cuerpo transgredido”, mucho más enfocado en el arte contemporáneo.


Imagen:
Manuel Rodríguez Lozano (México), El rebozo blanco, 1943. Colección FEMSA.


GRUPO 13. Publicidad entre el arte y el diseño
Lugar:
Museo Nacional de Artes Decorativas
Dirección:
C/ Montalbán nº 12, 28014, Madrid, España.
Fecha:
Desde el 21 de noviembre de 2018 hasta el 31 de marzo de 2019


Anuncio de fijador-brillantina Patrico © CuestaMirar hacia la publicidad de la década de los años 60 en España implica hablar del Grupo 13. Fue en 1961, cuando un grupo de jóvenes diseñadores gráficos, unidos en Madrid bajo la denominación de Grupo 13, actuaron de un modo nada convencional con la intención de transgredir el lenguaje publicitario. Estos crearon muchas de las imágenes que nos acompañaron a través de los medios de comunicación de la época, en múltiples ámbitos del consumo en la vida cotidiana.
El Grupo 13 recibió la influencia del realismo norteamericano, del expresionismo subjetivista, del humorismo francés, del racionalismo estricto y matemático o de la combinación oportunista de todos ellos.
En un principio eran nueve, los miembros fundadores en 1961, pero serían 10 dibujantes y dos más años después. Su objetivo en aquel momento era la dignificación de la publicidad en la España post-autárquica desde la obligada neutralidad política.
Esta muestra, comisariada por Javier González Solas, nos ofrece una visión actual de este colectivo que nos permite comprender, desde la perspectiva del presente, el relevante valor de su aportación como mediadores entre el sector publicitario, el diseño de la comunicación y la creatividad artística. Nos hace un recorrido por la producción de todos los miembros que formaron parte de este fenómeno de la comunicación en España.


Imagen:
Anuncio de fijador-brillantina Patrico © Cuesta.


Murillo. IV Centenario
Lugar:
Museo de Bellas Artes de Sevilla (MBASE)
Dirección:
Plaza del Museo, 9, Sevilla, España.
Fecha:
Desde el 29 de noviembre de 2018 hasta el 17 de marzo de 2019


Bartomoné Esteban Murillo, Cuatro figuras en un escalón, 1655 h., óleo sobre lienzo, 110 x 143 cm., Kimbell Art MuseumSe trata de la primera muestra antológica dedicada al pintor sevillano Bartolomé Esteban Murillo en su ciudad natal. De esta manera Sevilla se ha sumado a la fiesta de la celebración de los 400 años del nacimiento del artista.
Comisariada por Ignacio Cano y Valme Muñoz, directora de la pinacoteca, la exposición está integrada por 55 lienzos, entre ellos tres del propio museo y otros procedentes de países como Inglaterra, Francia, Alemania, México o EEUU, prestados por colecciones privadas e instituciones, españolas y extranjeras, como la Tate Gallery de Londres, el Museo del Prado, el Louvre de París y el MET de Nueva York. Estas piezas se suman a las 17 de la exposición de los Capuchinos que aún puede verse en la Sala V del Museo, por lo que serán en total 72 obras.
La muestra establece una relación con otros espacios de la ciudad que albergan obras del maestro. El proyecto ofrece un discurso estructurado en torno a su diversidad temática, de lo popular a lo religioso, a fin de superar prejuicios como el de Murillo como pintor de Inmaculadas y descubrir al artista que introduce un tratamiento insólito de los temas tradicionales, simplificando las iconografías y ofreciendo una versión más intuitiva.


Imagen:
Bartomoné Esteban Murillo, Cuatro figuras en un escalón, 1655 h., óleo sobre lienzo, 110 x 143 cm., Kimbell Art Museum.


De Chillida a Guillén. Esta es la mano de tu amigo
Lugar:
Patio Herreriano
Dirección:
Calle Jorge Guillén, 6, 47003 Valladolid, España.
Fecha:
Desde el 6 de noviembre de 2018 hasta el 3 de marzo de 2019


Cartel de la muestraLa exposición recoge medio centenar de dibujos y esculturas de manos realizados por Chillida desde 1948. Los dibujos de manos le acompañaron a lo largo de toda su vida, fueron la primera intuición del escultor hacia el verdadero camino del arte, desde el momento en que descubrió que lo esencial en el dibujo no era la representación de la mano en sí misma, si no que la línea era la excusa para observar el espacio, la materia, los pliegues, el límite e incluso el concepto de concavidad, como la vida que Guillén cantó en los poemas con que se identificó el artista. La muestra se acompaña de material documental y de la serie de xilografías 'Más allá'.
Chillida conoció a Jorge Guillén en Harvard en 1971 cuando fue invitado como profesor para impartir clases durante un semestre. Allí nació una especial amistad entre escultor y poeta que dio sus frutos inicialmente bajo la publicación de un libro de artista. Más tarde las formas trascendieron los límites bidimensionales del papel para desarrollarse en una serie de esculturas tituladas Lo profundo es el aire.


Imagen:
Cartel de la muestra.


De Van Gogh a Picasso. El legado Thannhauser
Lugar:
Museo Guggenheim de Bilbao
Dirección:
Avenida Abandoibarra, 2 48009 Bilbao, España.
Fecha:
Desde el 21 de septiembre de 2018 hasta el 24 de marzo de 2019


Pablo Picasso, La mujer del pelo amarillo (Femme aux cheveux jaunes), París, diciembre de 1931, óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm., Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Thannhauser, Donación, Justin K. Thannhauser 78.2514.59, © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2018, Foto: © Solomon R. Guggenheim Foundation, Nueva York (SRGF)Esta muestra, llevada a cabo con el apoyo de la Fundación BBVA, y Comisariada por Megan Fontanella, supone la primera ocasión en la que una parte significativa de la célebre Colección Thannhauser se muestra fuera de Nueva York desde que ingresara en el Solomon R. Guggenheim Museum hace más de cincuenta años, y pone de relieve el legado de la familia Thannhauser y su papel en el fomento del arte de su época.
Se trata de casi cincuenta obras de grandes figuras del Impresionismo y del Posimpresionismo, así como de los primeros maestros modernos, como Paul Cézanne, Edgar Degas, Édouard Manet, Pablo Picasso y Vincent van Gogh.
Las obras de la Colección Thannhauser se centran en autores de la vanguardia que buscaron liberar el arte de los géneros y medios académicos de finales del siglo XIX. Estos autores exploraron los efectos cambiantes de los fenómenos naturales y cómo representar el espectáculo de la ciudad en transformación a comienzos del siglo XX, empleando recursos estilísticos, como la pincelada suelta, y prácticas innovadoras, como la fragmentación del plano pictórico.
Además de pinturas, esculturas y obras sobre papel, la muestra incluye material de archivo, como libros de inventario de la galería de Thannhauser o fotografías históricas, con el fin de documentar en profundidad el compromiso de esta familia con algunos de los artistas, coleccionistas y marchantes de su tiempo.


Imagen:
Pablo Picasso, La mujer del pelo amarillo (Femme aux cheveux jaunes), París, diciembre de 1931, óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm., Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Thannhauser, Donación, Justin K. Thannhauser 78.2514.59, © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2018, Foto: © Solomon R. Guggenheim Foundation, Nueva York (SRGF).


Dorothea Lange. Políticas visibles
Lugar:
Galerie nationale du Jeu de Paume
Dirección:
1 Place de la Concorde, 75008 Paris, Francia.
Fecha:
Desde el 16 de octubre de 2018 hasta el 27 de enero de 2019


Dorothea Lange, Madre migrante, Nipomo, California, Barbican Art Gallery, Londres.1936 © Colección Dorothea Lange, Museo de Oakland de California, Ciudad de Oakland. Cortesía de Paul S. TaylorLa exposición de la conocida como la fotógrafa de la Gran Depresión, Dorothea Lange (Nueva Jersey, 1895-San Francisco, 1965), está compuesta por 130 fotografías. En ella también podrá verse sus imágenes de la Segunda Guerra Mundial y de la América de posguerra, incluyendo sus fotografías de japoneses estadounidenses internados durante la Segunda Guerra Mundial, una serie que fue conocida en 2006, y se muestra en París por primera vez.
Se articula en cinco conjuntos distintos. Estos enfatizan la fuerza emocional que emana de estas fotografías, así como el contexto de la práctica documental de la fotógrafa. Más de un centenar de copias antiguas, realizadas entre 1933 y 1957, se destacan por documentos y proyecciones que amplían el alcance de una obra ya familiar para el público a través de imágenes icónicas de la historia de la fotografía, como “White Angel Breadline” (1933) y “Madre migrante” (1936). Las impresiones son principalmente del Museo de Oakland de California, donde se guardan los extensos archivos de Lange, legados por su esposo Paul Schuster Taylor y su familia.
Además de las fotografías, también se expondrán varios objetos que pertenecieron a la fotógrafa, incluyendo hojas de contacto, cuadernos de campo y varias publicaciones, que ubican su trabajo en el contexto de este período problemático. La exposición de Jeu de Paume abre una nueva perspectiva sobre el trabajo de esta reconocida artista estadounidense cuyo legado perdura en la actualidad. Al tiempo que destaca las cualidades artísticas y la fuerza de las convicciones políticas de la fotógrafa, invita al público a redescubrir el trabajo de Dorothea Lange y su importancia central en la historia de la fotografía documental.
La muestra, comisariada por Drew Heath Johnson y Pia Viewing, está producida por el Museo de Oakland de California. La presentación europea fue coproducida por Jeu de Paume, París, y Barbican Art Gallery, Londres.


Imagen:
LANGE, Dorothea, Madre migrante, Nipomo, California, Barbican Art Gallery, Londres. 1936 © Colección Dorothea Lange, Museo de Oakland de California, Ciudad de Oakland. Cortesía de Paul S. Taylor.

 



...y además


Constantin Brancusi Sculpture
Desde el 22 de julio de 2018 hasta el 18 de febrero de 2019
https:/www.moma.org


Lee Miller y el surrealismo en Gran Bretaña
Desde el 31 de octubre de 2018 hasta el 20 de enero de 2019
https://www.fmirobcn.org


Hilma af Klint: Paintings for the Future
Desde el 12 de octubre de 2018 hasta el 23 de abril de 2019
https://www.guggenheim.org


Rob Wynne: FLOAT
Desde el 6 de junio de 2018 hasta el 3 de marzo de 2019
https://www.brooklynmuseum.org



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