sumario
staff
contacta
 
           PUBLICIDAD

AGENDA DE EXPOSICIONES

Nathalie Daoust. Korean Dreams
Lugar:
Círculo de Bellas Artes de Madrid, Sala Minerva
Dirección:
c/ Alcalá, 42, 28014 Madrid, España.
Fecha:
Desde el 16 de noviembre de 2017 hasta el 28 de enero de 2018


DAOUST, Nathalie, Three generations of punishment perteneciente al proyecto Korean DreamsLa exposición, Organizada por el Círculo de Bellas Artes en colaboración con la Embajada de Canadá, presenta una serie compleja de fotografías que investiga la vacuidad inquietante de Corea del Norte. Las imágenes revelan un país que parece existir fuera del tiempo, inmerso en un espejismo cuidadosamente coreografiado. Daoust ha pasado gran parte de su carrera explorando el mundo quimérico de la fantasía: los deseos e impulsos ocultos que obligan a la gente a soñar, a ir más allá de los límites de la convención y huir de la realidad. Un impulso escapista entendido en este caso, no como una elección individual, sino como un modo de vida forzado sobre una nación entera.
Fotografiar en Corea del Norte está sometido a una política bastante restrictiva que, en el caso de ser infringida, conlleva fuertes represalias. Únicamente está permitido tomar imágenes en lugares permitidos por el régimen. Nathalie Daoust se atreve a transgredir las normas capturando con su óptica personas, lugares y momentos prohibidos.
La canadiense oscurece deliberadamente sus fotografías, buscando el efecto de cámara oscura con el que quiere imitar la forma en que se transfiere la información en Corea del Norte: las fotografías, como la gente de Corea del Norte, son manipuladas hasta que la verdad subyacente no es más que un borrón. Daoust pretende hacernos desconfiar de las verdades que creemos inmutables simplemente por el hecho de poder contemplarlas. Las imágenes resultantes de su trabajo hablan de la sociedad norcoreana, de la información perdida, la verdad ocultada y la manipulación de la misma.


Imagen:
DAOUST, Nathalie, Three generations of punishment, perteneciente al proyecto Korean Dreams.


Andreu Alfaro. La pasión por el Jazz
Lugar:
Sala de Exposiciones del Cuarto Real de Santo Domingo de Granada
Dirección:
Plaza de los Campos, 6, 18009 Granada, España.
Fecha:
Desde el 2 de noviembre hasta el 10 de diciembre de 2017


ALFARO, Andreu, Jazz-Collage, 1994 @ Col·lecció Andreu AlfaroLa exposición, organizada por el Festival de Jazz, la Fundación Alfaro, el Ayuntamiento de Granada y Contemporánea, reúne una selección de esculturas y dibujos pertenecientes a la serie Jazz (1994), serie en la que el artista valenciano Andreu Alfaro (Valencia, 1929 - Godella, 2013) rinde tributo a esta música de raíz afroamericana y que constituye una de las contribuciones más relevantes a la historia de la relación del jazz con las artes visuales.
Esta muestra está compuesta por una decena de esculturas y sus bocetos preparatorios, así como una veintena de dibujos. También se muestran varios grabados ilustrados por los poemas del escritor Marc Granell, que dieron lugar a una publicación titulada “Jazz”.
Las obras mostradas pocas veces en público, surgieron al calor de la escucha, estas esculturas y dibujos evocan con maestría el ritmo y energía del jazz, el fulgor de los instrumentos, incluidos la voz y el cuerpo, la atmósfera de intimidad y de gozo que concita. Así mismo resumen los rasgos que definen el estilo del creador valenciano: la diversidad de registros, desde la abstracción a la semifiguración, diálogo con la tradición de las Bellas Artes, vinculación con su biografía y su compromiso social, y, especialmente, la interpretación de la escultura como dibujo resuelto en clave tridimensional, como dibujo en el espacio.


Imagen:
ALFARO, Andreu, Jazz-Collage, 1994 @ Col·lecció Andreu Alfaro.


Francisco de Holanda: Viaje iniciático por la vanguardia del Renacimiento
Lugar:
Sala Mínima del Museo de la BNE
Dirección:
Pº de Recoletos 20-22, 28071 Madrid, España.
Fecha:
Desde el 10 de octubre de 2017 hasta el 14 de enero de 2018


Francisco de Holanda, Creación de Eva en De aetatibus mundi imagines (1545), BNELa muestra trata de rendir homenaje a este autor cuando se cumplen quinientos años de su nacimiento. A través de sus trabajos fundamentales, especialmente su obra maestra, De aetatibus mundi imagines (1545), se revisan conceptos relacionados con su producción artística y literaria, precursora de soluciones que se observan siglos después en artistas como Goya o William Blake.
La exposición, comisariada por Manuel Parada López de Corselas y Enrique Schiaffino, se articula en torno a distintas secciones que revisan las facetas de la obra plástica y literaria de Francisco de Holanda. El De aetatibus mundi imagines es la pieza central y una de las más importantes de la BNE, que ofrece esta ocasión única para disfrutar del original expuesto al público. Es un cuaderno de dibujo literario y pictórico. El autor del manuscrito y pintor de las imágenes fue el mismo Francisco de Holanda, quien lo empezó el año 1545. Tiene en total 89 páginas y en la portada, en letras capitales doradas, hay la inscripción, Gloria tibi / in ómnibus. En abril de 2016, el libro fue seleccionado como una de las quince obras artísticas más importantes de España por el proyecto Europeana.
También se presta atención a la formación del artista con su padre, Antonio de Holanda, célebre cartógrafo y miniaturista, su fortuna historiográfica, su problemática teórica, pasión anticuaria y ambición mística.
Es una figura singular, única en su época, innovadora y vanguardista. Receptáculo de influencias muy variadas, se inscribe por derecho propio en el discurso humanístico y de espiritualidad que atraviesa, como un relato del pensamiento, toda la historia de Occidente.
Además de su labor teórica sobre la cosmovisión cristiana, es uno de los autores más destacados y de proyección internacional de los estudios anticuarios del siglo XVI, así como de la naciente crítica de arte. Refleja su pensamiento en sus escritos, como Da Pintura Antiga (1548), origen del mito historiográfico sobre “las águilas del Renacimiento español”. A él se debe también uno de los álbumes de dibujos más completos sobre la Roma antigua, Os desenhos das antigualhas (1540), resultado de su estancia en Italia y en el que por primera vez se identifica la Domus Aurea de Nerón.


Imagen:
Francisco de Holanda, Creación de Eva en De aetatibus mundi imagines (1545), BNE.


Anni Albers: tocar la vista
Lugar:
Museo Guggenheim Bilbao
Dirección:
Avenida Abandoibarra, 2 48009 Bilbao, España.
Fecha:
Desde el 6 de octubre de 2017 hasta el 14 de enero de 2018


ALBERS, Anni, Estudio para Colgadura no realizada, 1926, 31,1 x 24,7 cm., Gouache con lápiz sobre impresión offset en papel fotográfico, The Josef and Anni Albers Foundation, Bethany Connecticut, Foto: Tim Nighswander/Imaging4Art, © The Josef and Anni Albers Foundation, VEGAP, Bilbao, 2017Se trata de un recorrido detallado por la obra de una figura pionera del arte textil o fiber art, a través de las series más importantes en su obra, desde 1925 hasta finales de los años setenta. Realizada en colaboración con la Fundación Josef y Anni Albers, el itinerario de la muestra constituye una aproximación cronológica a la obra de Albers, a la vez que permite observar las conexiones entre periodos y series de trabajos diversos, dando cuenta de motivos e ideas recurrentes y realizaciones fugaces. La muestra refleja asimismo cómo, en el caso de esta artista, el material y las técnicas de trabajo preceden y guían a la idea y definen un desarrollo en cada caso.
Anni Albers (Berlín, 1899 – Orange, Connecticut, 1994) estuvo marcada por una gran intimidad con los materiales y las técnicas que guiaron su trabajo. Conocida especialmente por su papel pionero en el arte textil o fiber art, por sus innovaciones en el tratamiento de las tramas y por su búsqueda permanente de motivos y funciones del tejido, Albers fue una autora clave en la redefinición de la figura del artista como diseñador.
El suyo fue un arte inspirado por el folclore precolombino y la industria moderna, pero emancipado de las nociones de artesanía y labor de género. Albers estudió en la vanguardista Bauhaus de Weimar, institución donde conocería a su esposo, el pintor Josef Albers, y donde llegaría a dirigir el taller textil en 1931. Tras el cierre de la institución por el partido nazi en 1933, Albers se trasladó junto a su marido a Carolina del Norte, EE.UU., donde ambos fueron contratados como profesores de una escuela libre que se convertiría en referencia de la modernidad artística americana, el Black Mountain College. Desde allí, Anni Albers continuó combinando trabajo pedagógico y experimentación artística, a la vez que produjo algunos de los textos hoy considerados clave en el desarrollo del arte textil contemporáneo.
Anni Albers estudió en la vanguardista Bauhaus de Weimar a partir de 1922, y donde llegaría a dirigir el taller textil en 1931. Tras el cierre de la institución por el partido nazi en 1933, se trasladó a Carolina del Norte, Estados Unidos. Desde allí, Anni Albers continuó combinando el trabajo pedagógico y la experimentación artística, a la vez que produjo algunos de los textos hoy considerados clave en el desarrollo del arte textil contemporáneo. Tras exponer sus colgaduras (“Wall Hangings”) y tejidos pictóricos (“Pictorial Weavings”) en numerosas muestras individuales (incluyendo el MoMA de Nueva York y otros museos norteamericanos entre 1949 y 1953, y el Massachussets Institute of Technology en 1959), Albers comenzó a explorar distintas técnicas de grabado en 1963.
En las múltiples técnicas de impresión gráfica, Albers encontró un nuevo espacio de investigación visual, que a partir de finales de los años sesenta reemplazó por completo a su labor relacionada con el tejer. A través de serigrafías, aguatintas, litografías y ediciones offset, la artista pudo perseguir por otros medios conceptos visuales que estaban ya presentes en muchos de los dibujos preparatorios de piezas textiles anteriores. Así encontró el elemento ideal para probar nuevos patrones compositivos y operar casi infinitas variaciones en ellos.
Durante las décadas siguientes y hasta el final de su carrera, Anni Albers realizó diversas colaboraciones con talleres y compañías de producción textil con las que buscó poner sus diseños al alcance del gran público, mostrando así su compromiso con el ideario perenne de la Bauhaus: entender las prácticas de arte y diseño como un solo campo, y producir prototipos que permitan una difusión igualitaria de las formas artísticas.


Imagen:
ALBERS, Anni, Estudio para Colgadura no realizada, 1926, 31,1 x 24,7 cm., Gouache con lápiz sobre impresión offset en papel fotográfico, The Josef and Anni Albers Foundation, Bethany Connecticut, Foto: Tim Nighswander/Imaging4Art, © The Josef and Anni Albers Foundation, VEGAP, Bilbao, 2017.


México moderno: arte, comercio e intercambio cultural, 1920-1945
Lugar:
Harry Ransom Center
Dirección:
21st and Guadalupe Streets, Austin, Texas, EE.UU.
Fecha:
Desde el 11 de septiembre de 2017 hasta el 1 de enero de 2018


Cartel de la muestraLa muestra compuesta por unos 250 objetos demuestra la popularidad y el prestigio que tuvo el arte mexicano en Estados Unidos a principios del siglo XX, con trabajos de artistas como Diego Rivera, Frida Kahlo o David Alfaro Siqueiros.
La colección de pinturas, libros, murales, esculturas y fotografías que alberga el prestigioso Centro Harry Ransom de Austin (Texas) relata la importancia de las redes transnacionales entre individuos e instituciones que se dedicaron a "buscar, promover e interpretar" muchas de las grandes obras de arte mexicano que se apreciaron por ser radicalmente innovadoras.
La exposición muestra cómo el arte del 'Momento mexicano' sintetizó, de diferentes maneras, el rico patrimonio artístico de México, desde los antiguos motivos hasta las tradiciones vernáculas, con modernismo de vanguardia.
La popularidad y prestigio del arte mexicano a lo largo de las décadas de 1920 y 1930 fue el resultado directo de un dinámico intercambio entre México y Estados Unidos, en el cual Nueva York, Chicago y Los Ángeles fueron los epicentros de activismo cultural.
La exposición está dividida en dos secciones: una primera enfocada en los artistas que conformaron el movimiento artístico, como fueron los pintores Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Jean Charlot; el diseñador gráfico e historiador de arte Miguel Covarrubias, los fotógrafos Nickolas Muray, Tina Modotti, Edward Weston y Manuel Álvarez Bravo, y el diseñador de joyas William Spratling. Y la segunda en aquellos que se dedicaron a promoverlos como fueron los editores de libros Alfred y Blanche Knopf y la periodista Anita Brenner.


Imagen:
Cartel de la muestra.


Zurbarán: Jacob y sus doce hijos
Lugar:
Museo Meadows de Dallas
Dirección:
5900 Bishop Blvd., Dallas, TX 75205, EE.UU.
Fecha:
Desde el 17 de septiembre de 2017 hasta el 7 de enero de 2018


ZURBARÁN, Francisco (1598-1664) Jacob, c. 1640-45, óleo sobre lienz,. Auckland Castle, County Durham © Auckland Castle Trust/Zurbarán Trust. Photo by Robert LaprelleEn la exposición pueden verse las 13 pinturas en una gran sala en la que se ha reproducido el comedor original del castillo de Auckland, con las mismas paredes verdes y la misma disposición. Junto a las pinturas se exhiben también las principales conclusiones de los análisis que a lo largo de un año se han hecho sobre esta tanda de pinturas. El resultado logrado a base de radiografías de rayos X, reflectografía infrarroja y análisis bajo luz natural y ultravioleta han permitido conocer con exactitud el tipo de lienzo que utilizaba, la tierra arcillosa sevillana de las dobles capas que usaba para preparar la superficie o los múltiples arrepentimientos y cambios de idea que surgían durante la ejecución de la obra.
Francisco de Zurbarán (1598–1664) pintó los 13 cuadros que integran la serie Jacob y sus doce hijos hacia 1640, en su taller sevillano. De grandes dimensiones, 1,98 por 1,02 metros, se narra la historia de las bendiciones que imparte Jacob a cada uno de sus hijos desde el lecho de muerte y predice el destino de sus tribus. No se sabe quien fue el cliente que encargó esta serie al artista extremeño, aunque todo apunta a que el destino era América. Se cree que en el viaje desde Sevilla a través del Atlántico el barco que trasladaba las pinturas fue interceptado por piratas. No se vuelven a tener noticias hasta 1720, en Londres, cuando una familia judía pone a la venta los 13 cuadros. Richard Trevor, obispo de Durham adquiere 12 cuadros, ya que el presupuesto no llegó para adquirir las 13 y los instala en el comedor de Auckland Castle, al noroeste de Inglaterra, para transmitir al mundo un mensaje de la comprensión entre judíos y cristianos en el Reino Unido. La serie al completo es la base de la exposición que se puede ver el Meadows Museum de Dallas.


Imagen:
ZURBARÁN, Francisco (1598-1664) Jacob, c. 1640-45, óleo sobre lienz,. Auckland Castle, County Durham © Auckland Castle Trust/Zurbarán Trust. Photo by Robert Laprelle.


Rodin en el Met
Lugar:
The Met Fifth Avenue
Dirección:
1000 Fifth Avenue. Nueva York, EE.UU.
Fecha:
Desde el 16 de septiembre de 2017 hasta el 15 de enero de 2018


RODIN, Auguste, Orpheus and Eurydice, mármol,1893, Metropolitan Museum Of Art At New York, MetSe trata de una gran muestra que explora la trayectoria de Auguste Rodin a través de medio centenar de esculturas en mármol, bronce, yeso y terracota.
Más de cien años de adquisiciones y donaciones pueden verse en el Met, se exhibirán en la recién reformada Galería de Escultura Gerald Cantor.
Esculturas icónicas como El Pensador, La mano de Dios o La Tempestad dialogan con la obra de algunos de los contemporáneos más admirados por el escultor, entre ellos sus amigos Claude Monet y Pierre Puvis de Chavannes.
A su vez, en la galería adyacente (la 809), se mostrará una selección de dibujos, grabados, cartas y libros ilustrados, así como fotografías del maestro.
Esta presentación pone a juicio de los visitantes la evolución del dibujo de Rodin y demuestra el papel esencial del dibujo en su trabajo. También aborda el compromiso de Rodin con fotógrafos, especialmente Edward Steichen (1879-1973), quien sirvió como intermediario clave en llevar los dibujos de Rodin a Nueva York.


Imagen:
RODIN, Auguste, Orpheus and Eurydice, mármol,1893, Metropolitan Museum Of Art At New York, Met.


Nicholas Nixon
Lugar:
Fundación MAPFRE Recoletos
Dirección:
Bárbara de Braganza, 13. 28004 Madrid, España.
Fecha:
Desde el 14 de septiembre de 2017 hasta el 1 de enero de 2018


NIXON, Nicholas, Clementine y Bebe, Cambridge 1986, copia en gelatina de plata, contacto, ©Nicholas Nixon. Cortesía Fraenkel Gallery, San FranciscoSe trata de la mayor retrospectiva dedicada hasta la fecha a la obra de Nicholas Nixon, (Detroit, Míchigan, 1947), con una selección de más de doscientas fotografías. El recorrido abarca desde las primeras vistas de ciudades de los años 70, hasta la reconocida serie de Las hermanas Brown.
Centrado sobre todo en el retrato, Nicholas Nixon ocupa un lugar destacado y singular en la historia de la fotografía de las últimas décadas. Su trabajo expone la tensión permanente entre el contenido y las emociones que subyacen en sus imágenes. Con una técnica muy depurada y una cuidada composición, sus fotografías nos muestran la realidad cotidiana del autor. En ellas se nos presentan temas y aspectos de la vida que, por su cercanía y humanidad en el tratamiento, hacen que el espectador participe de ellos y se sienta también identificado.
A lo largo de sus casi cincuenta años de trayectoria, Nixon siempre ha trabajado en series. Algunas de ellas como Las hermanas Brown o sus retratos familiares, se extienden a lo largo de su carrera. Su modo de trabajar requiere de gran cantidad de tiempo: tanto por la intimidad y confianza que exige de quien es fotografiado, tanto como por la técnica que utiliza (cámara de gran formato). La relación que debe establecer con los sujetos retratados y los temas en los que fija su atención exigen de nuevo, de mucho tiempo para lograr su objetivo: los ancianos, los enfermos, la intimidad de las parejas o la familia.


Imagen:
NIXON, Nicholas, Clementine y Bebe, Cambridge 1986, copia en gelatina de plata, contacto, ©Nicholas Nixon. Cortesía Fraenkel Gallery, San Francisco.



...y además


André Derain 1904 - 1914. La décennie radicale
Desde el 4 de octubre de 2017 hasta el 29 de enero de 2018
https://www.centrepompidou.fr


3 Casas Extraordinarias. Kiyoto Ota
Desde el 7 de deagosto hasta el 3 de diciembre de 2017
http://www.chopo.unam.mx


Concha Jerez. Interferencias
Desde el 5 de octubre de 2017 hasta el 7 de enero de 2018
http://www.caam.net

Fragmentos: algumas obras na Coleção de Serralves
Desde el 30 de junio hasta el 2 de octubre de 2017
https://www.serralves.pt

| agenda de exposiciones | novedades bibliográficas | últimas noticias | notas de prensa |