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AGENDA DE EXPOSICIONES

Francisco de Holanda: Viaje iniciático por la vanguardia del Renacimiento
Lugar:
Sala Mínima del Museo de la BNE
Dirección:
Pº de Recoletos 20-22, 28071 Madrid, España.
Fecha:
Desde el 10 de octubre de 2017 hasta el 14 de enero de 2018


Francisco de Holanda, Creación de Eva en De aetatibus mundi imagines (1545), BNELa muestra trata de rendir homenaje a este autor cuando se cumplen quinientos años de su nacimiento. A través de sus trabajos fundamentales, especialmente su obra maestra, De aetatibus mundi imagines (1545), se revisan conceptos relacionados con su producción artística y literaria, precursora de soluciones que se observan siglos después en artistas como Goya o William Blake.
La exposición, comisariada por Manuel Parada López de Corselas y Enrique Schiaffino, se articula en torno a distintas secciones que revisan las facetas de la obra plástica y literaria de Francisco de Holanda. El De aetatibus mundi imagines es la pieza central y una de las más importantes de la BNE, que ofrece esta ocasión única para disfrutar del original expuesto al público. Es un cuaderno de dibujo literario y pictórico. El autor del manuscrito y pintor de las imágenes fue el mismo Francisco de Holanda, quien lo empezó el año 1545. Tiene en total 89 páginas y en la portada, en letras capitales doradas, hay la inscripción, Gloria tibi / in ómnibus. En abril de 2016, el libro fue seleccionado como una de las quince obras artísticas más importantes de España por el proyecto Europeana.
También se presta atención a la formación del artista con su padre, Antonio de Holanda, célebre cartógrafo y miniaturista, su fortuna historiográfica, su problemática teórica, pasión anticuaria y ambición mística.
Es una figura singular, única en su época, innovadora y vanguardista. Receptáculo de influencias muy variadas, se inscribe por derecho propio en el discurso humanístico y de espiritualidad que atraviesa, como un relato del pensamiento, toda la historia de Occidente.
Además de su labor teórica sobre la cosmovisión cristiana, es uno de los autores más destacados y de proyección internacional de los estudios anticuarios del siglo XVI, así como de la naciente crítica de arte. Refleja su pensamiento en sus escritos, como Da Pintura Antiga (1548), origen del mito historiográfico sobre “las águilas del Renacimiento español”. A él se debe también uno de los álbumes de dibujos más completos sobre la Roma antigua, Os desenhos das antigualhas (1540), resultado de su estancia en Italia y en el que por primera vez se identifica la Domus Aurea de Nerón.


Imagen:
Francisco de Holanda, Creación de Eva en De aetatibus mundi imagines (1545), BNE.


Anni Albers: tocar la vista
Lugar:
Museo Guggenheim Bilbao
Dirección:
Avenida Abandoibarra, 2 48009 Bilbao, España.
Fecha:
Desde el 6 de octubre de 2017 hasta el 14 de enero de 2018


ALBERS, Anni, Estudio para Colgadura no realizada, 1926, 31,1 x 24,7 cm., Gouache con lápiz sobre impresión offset en papel fotográfico, The Josef and Anni Albers Foundation, Bethany Connecticut, Foto: Tim Nighswander/Imaging4Art, © The Josef and Anni Albers Foundation, VEGAP, Bilbao, 2017Se trata de un recorrido detallado por la obra de una figura pionera del arte textil o fiber art, a través de las series más importantes en su obra, desde 1925 hasta finales de los años setenta. Realizada en colaboración con la Fundación Josef y Anni Albers, el itinerario de la muestra constituye una aproximación cronológica a la obra de Albers, a la vez que permite observar las conexiones entre periodos y series de trabajos diversos, dando cuenta de motivos e ideas recurrentes y realizaciones fugaces. La muestra refleja asimismo cómo, en el caso de esta artista, el material y las técnicas de trabajo preceden y guían a la idea y definen un desarrollo en cada caso.
Anni Albers (Berlín, 1899 – Orange, Connecticut, 1994) estuvo marcada por una gran intimidad con los materiales y las técnicas que guiaron su trabajo. Conocida especialmente por su papel pionero en el arte textil o fiber art, por sus innovaciones en el tratamiento de las tramas y por su búsqueda permanente de motivos y funciones del tejido, Albers fue una autora clave en la redefinición de la figura del artista como diseñador.
El suyo fue un arte inspirado por el folclore precolombino y la industria moderna, pero emancipado de las nociones de artesanía y labor de género. Albers estudió en la vanguardista Bauhaus de Weimar, institución donde conocería a su esposo, el pintor Josef Albers, y donde llegaría a dirigir el taller textil en 1931. Tras el cierre de la institución por el partido nazi en 1933, Albers se trasladó junto a su marido a Carolina del Norte, EE.UU., donde ambos fueron contratados como profesores de una escuela libre que se convertiría en referencia de la modernidad artística americana, el Black Mountain College. Desde allí, Anni Albers continuó combinando trabajo pedagógico y experimentación artística, a la vez que produjo algunos de los textos hoy considerados clave en el desarrollo del arte textil contemporáneo.
Anni Albers estudió en la vanguardista Bauhaus de Weimar a partir de 1922, y donde llegaría a dirigir el taller textil en 1931. Tras el cierre de la institución por el partido nazi en 1933, se trasladó a Carolina del Norte, Estados Unidos. Desde allí, Anni Albers continuó combinando el trabajo pedagógico y la experimentación artística, a la vez que produjo algunos de los textos hoy considerados clave en el desarrollo del arte textil contemporáneo. Tras exponer sus colgaduras (“Wall Hangings”) y tejidos pictóricos (“Pictorial Weavings”) en numerosas muestras individuales (incluyendo el MoMA de Nueva York y otros museos norteamericanos entre 1949 y 1953, y el Massachussets Institute of Technology en 1959), Albers comenzó a explorar distintas técnicas de grabado en 1963.
En las múltiples técnicas de impresión gráfica, Albers encontró un nuevo espacio de investigación visual, que a partir de finales de los años sesenta reemplazó por completo a su labor relacionada con el tejer. A través de serigrafías, aguatintas, litografías y ediciones offset, la artista pudo perseguir por otros medios conceptos visuales que estaban ya presentes en muchos de los dibujos preparatorios de piezas textiles anteriores. Así encontró el elemento ideal para probar nuevos patrones compositivos y operar casi infinitas variaciones en ellos.
Durante las décadas siguientes y hasta el final de su carrera, Anni Albers realizó diversas colaboraciones con talleres y compañías de producción textil con las que buscó poner sus diseños al alcance del gran público, mostrando así su compromiso con el ideario perenne de la Bauhaus: entender las prácticas de arte y diseño como un solo campo, y producir prototipos que permitan una difusión igualitaria de las formas artísticas.


Imagen:
ALBERS, Anni, Estudio para Colgadura no realizada, 1926, 31,1 x 24,7 cm., Gouache con lápiz sobre impresión offset en papel fotográfico, The Josef and Anni Albers Foundation, Bethany Connecticut, Foto: Tim Nighswander/Imaging4Art, © The Josef and Anni Albers Foundation, VEGAP, Bilbao, 2017.


Liliana Maresca: El ojo avizor. Obras 1982-1994
Lugar:
Museo de Arte Moderno de Buenos Aires
Dirección:
Av. San Juan 350, C1147AAO CABA, Buenos Aires, Argentina.
Fecha:
Desde el 17 de agosto hasta el 5 de noviembre de 2017


Sin título, de la serie “Liliana Maresca con su obra”. Foto: Marcos López.La exposición de Liliana Maresca (Buenos Aires, 1951-1994) una artista emblemática de la escena de las artes visuales de los años 80 y 90, empieza con dos obras: “Una bufanda para mi ciudad” (1985/2017) que recibe a los visitantes en la rampa del museo, fuera de la sala y la segunda obra, que recibe al espectador es “Mascaritas” (1993/1994), una serie de rostros que Maresca dibuja hacia el final de su trayectoria. Ambas piezas buscan enfatizar el aspecto social y colectivo en la obra de Liliana Maresca.
En la primera sala nos encontramos con las obras “colaborativas” que organiza Maresca entre 1984 y 1986: fotografías y documentación de las obras “Una bufanda para mi ciudad”, “Lavarte” y “Kermesse”. A continuación se exhiben las fotografías que Liliana Maresca realizó en colaboración con Marcos López.Otras de las obras presentes en la exposición son los objetos de la serie “No todo lo que brilla es oro”, la reconstrucción parcial de Recolecta y dos videos que documentan la obra Ouro Boros y la exposición “La Cochambre” comisariada por Jorge Gumier Maier en el Centro Cultural Rojas. Con motivo de esta exposición también fueron reconstruidas las instalaciones “Wotan Vulcano”, “Imagen pública de altas esferas” y “El Dorado”.
La exposición cierra con dos proyectos más en la sala del 1° piso del Moderno: Espacio disponible y Maresca se entrega a todo destino.
A través de esta exposición y de su investigación previa, el Moderno busca profundizar el importante trabajo realizado para la muestra Transmutaciones, primera retrospectiva de Liliana Maresca, exhibida en 2008 en el Museo Castagnino+macro, de Rosario, y en el Centro Cultural Recoleta, de la Ciudad de Buenos Aires. Por ello, en esta ocasión, se reconstruyen por primera vez cinco instalaciones para acercar al público el trabajo de la artista.


Imagen:
Sin título, de la serie “Liliana Maresca con su obra”. Foto: Marcos López.


México moderno: arte, comercio e intercambio cultural, 1920-1945
Lugar:
Harry Ransom Center
Dirección:
21st and Guadalupe Streets, Austin, Texas, EE.UU.
Fecha:
Desde el 11 de septiembre de 2017 hasta el 1 de enero de 2018


Cartel de la muestraLa muestra compuesta por unos 250 objetos demuestra la popularidad y el prestigio que tuvo el arte mexicano en Estados Unidos a principios del siglo XX, con trabajos de artistas como Diego Rivera, Frida Kahlo o David Alfaro Siqueiros.
La colección de pinturas, libros, murales, esculturas y fotografías que alberga el prestigioso Centro Harry Ransom de Austin (Texas) relata la importancia de las redes transnacionales entre individuos e instituciones que se dedicaron a "buscar, promover e interpretar" muchas de las grandes obras de arte mexicano que se apreciaron por ser radicalmente innovadoras.
La exposición muestra cómo el arte del 'Momento mexicano' sintetizó, de diferentes maneras, el rico patrimonio artístico de México, desde los antiguos motivos hasta las tradiciones vernáculas, con modernismo de vanguardia.
La popularidad y prestigio del arte mexicano a lo largo de las décadas de 1920 y 1930 fue el resultado directo de un dinámico intercambio entre México y Estados Unidos, en el cual Nueva York, Chicago y Los Ángeles fueron los epicentros de activismo cultural.
La exposición está dividida en dos secciones: una primera enfocada en los artistas que conformaron el movimiento artístico, como fueron los pintores Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Jean Charlot; el diseñador gráfico e historiador de arte Miguel Covarrubias, los fotógrafos Nickolas Muray, Tina Modotti, Edward Weston y Manuel Álvarez Bravo, y el diseñador de joyas William Spratling. Y la segunda en aquellos que se dedicaron a promoverlos como fueron los editores de libros Alfred y Blanche Knopf y la periodista Anita Brenner.


Imagen:
Cartel de la muestra.


Zurbarán: Jacob y sus doce hijos
Lugar:
Museo Meadows de Dallas
Dirección:
5900 Bishop Blvd., Dallas, TX 75205, EE.UU.
Fecha:
Desde el 17 de septiembre de 2017 hasta el 7 de enero de 2018


ZURBARÁN, Francisco (1598-1664) Jacob, c. 1640-45, óleo sobre lienz,. Auckland Castle, County Durham © Auckland Castle Trust/Zurbarán Trust. Photo by Robert LaprelleEn la exposición pueden verse las 13 pinturas en una gran sala en la que se ha reproducido el comedor original del castillo de Auckland, con las mismas paredes verdes y la misma disposición. Junto a las pinturas se exhiben también las principales conclusiones de los análisis que a lo largo de un año se han hecho sobre esta tanda de pinturas. El resultado logrado a base de radiografías de rayos X, reflectografía infrarroja y análisis bajo luz natural y ultravioleta han permitido conocer con exactitud el tipo de lienzo que utilizaba, la tierra arcillosa sevillana de las dobles capas que usaba para preparar la superficie o los múltiples arrepentimientos y cambios de idea que surgían durante la ejecución de la obra.
Francisco de Zurbarán (1598–1664) pintó los 13 cuadros que integran la serie Jacob y sus doce hijos hacia 1640, en su taller sevillano. De grandes dimensiones, 1,98 por 1,02 metros, se narra la historia de las bendiciones que imparte Jacob a cada uno de sus hijos desde el lecho de muerte y predice el destino de sus tribus. No se sabe quien fue el cliente que encargó esta serie al artista extremeño, aunque todo apunta a que el destino era América. Se cree que en el viaje desde Sevilla a través del Atlántico el barco que trasladaba las pinturas fue interceptado por piratas. No se vuelven a tener noticias hasta 1720, en Londres, cuando una familia judía pone a la venta los 13 cuadros. Richard Trevor, obispo de Durham adquiere 12 cuadros, ya que el presupuesto no llegó para adquirir las 13 y los instala en el comedor de Auckland Castle, al noroeste de Inglaterra, para transmitir al mundo un mensaje de la comprensión entre judíos y cristianos en el Reino Unido. La serie al completo es la base de la exposición que se puede ver el Meadows Museum de Dallas.


Imagen:
ZURBARÁN, Francisco (1598-1664) Jacob, c. 1640-45, óleo sobre lienz,. Auckland Castle, County Durham © Auckland Castle Trust/Zurbarán Trust. Photo by Robert Laprelle.


Rodin en el Met
Lugar:
The Met Fifth Avenue
Dirección:
1000 Fifth Avenue. Nueva York, EE.UU.
Fecha:
Desde el 16 de septiembre de 2017 hasta el 15 de enero de 2018


RODIN, Auguste, Orpheus and Eurydice, mármol,1893, Metropolitan Museum Of Art At New York, MetSe trata de una gran muestra que explora la trayectoria de Auguste Rodin a través de medio centenar de esculturas en mármol, bronce, yeso y terracota.
Más de cien años de adquisiciones y donaciones pueden verse en el Met, se exhibirán en la recién reformada Galería de Escultura Gerald Cantor.
Esculturas icónicas como El Pensador, La mano de Dios o La Tempestad dialogan con la obra de algunos de los contemporáneos más admirados por el escultor, entre ellos sus amigos Claude Monet y Pierre Puvis de Chavannes.
A su vez, en la galería adyacente (la 809), se mostrará una selección de dibujos, grabados, cartas y libros ilustrados, así como fotografías del maestro.
Esta presentación pone a juicio de los visitantes la evolución del dibujo de Rodin y demuestra el papel esencial del dibujo en su trabajo. También aborda el compromiso de Rodin con fotógrafos, especialmente Edward Steichen (1879-1973), quien sirvió como intermediario clave en llevar los dibujos de Rodin a Nueva York.


Imagen:
RODIN, Auguste, Orpheus and Eurydice, mármol,1893, Metropolitan Museum Of Art At New York, Met.


Nicholas Nixon
Lugar:
Fundación MAPFRE Recoletos
Dirección:
Bárbara de Braganza, 13. 28004 Madrid, España.
Fecha:
Desde el 14 de septiembre de 2017 hasta el 1 de enero de 2018


NIXON, Nicholas, Clementine y Bebe, Cambridge 1986, copia en gelatina de plata, contacto, ©Nicholas Nixon. Cortesía Fraenkel Gallery, San FranciscoSe trata de la mayor retrospectiva dedicada hasta la fecha a la obra de Nicholas Nixon, (Detroit, Míchigan, 1947), con una selección de más de doscientas fotografías. El recorrido abarca desde las primeras vistas de ciudades de los años 70, hasta la reconocida serie de Las hermanas Brown.
Centrado sobre todo en el retrato, Nicholas Nixon ocupa un lugar destacado y singular en la historia de la fotografía de las últimas décadas. Su trabajo expone la tensión permanente entre el contenido y las emociones que subyacen en sus imágenes. Con una técnica muy depurada y una cuidada composición, sus fotografías nos muestran la realidad cotidiana del autor. En ellas se nos presentan temas y aspectos de la vida que, por su cercanía y humanidad en el tratamiento, hacen que el espectador participe de ellos y se sienta también identificado.
A lo largo de sus casi cincuenta años de trayectoria, Nixon siempre ha trabajado en series. Algunas de ellas como Las hermanas Brown o sus retratos familiares, se extienden a lo largo de su carrera. Su modo de trabajar requiere de gran cantidad de tiempo: tanto por la intimidad y confianza que exige de quien es fotografiado, tanto como por la técnica que utiliza (cámara de gran formato). La relación que debe establecer con los sujetos retratados y los temas en los que fija su atención exigen de nuevo, de mucho tiempo para lograr su objetivo: los ancianos, los enfermos, la intimidad de las parejas o la familia.


Imagen:
NIXON, Nicholas, Clementine y Bebe, Cambridge 1986, copia en gelatina de plata, contacto, ©Nicholas Nixon. Cortesía Fraenkel Gallery, San Francisco.


Hijo del Laocoonte. Alonso Berruguete y la Antigüedad pagana
Lugar:
Museo Nacional de Escultura
Dirección:
C/ Cadenas de San Gregorio - 47011 Valladolid, España.
Fecha:
Desde el 5 de julio hasta el 5 de noviembre de 2017


Alonso Berruguete, Patriarca, 1526-1532, madera policromada, Museo Nacional de Escultura, Valladolid, EspañaEsta exposición explora el “alma pagana” de Alonso Berruguete (1490-1561), su personal amalgama entre el arte cristiano y la sensualidad de la estatuaria clásica.
Siendo joven, entre 1506 y 1518, el primer escultor del Renacimiento español realizó una larga y fructífera estancia en Italia. Convivió, en Florencia y en Roma, con Miguel Ángel, Rafael o Bramante y se contagió de su euforia por los ideales antiguos y de su manera de ver el arte, participando de ese feliz diálogo entre mitos paganos y devociones cristianas que nutrió el Humanismo europeo.
Sarcófagos, ruinas y estatuas encendieron su fantasía. Y, en especial, el poderoso grupo del Laocoonte. La exasperación psíquica, la danza de los cuerpos en el espacio o el virtuosismo anatómico del mármol helenístico inspirarán sus patriarcas bíblicos o sus escenas de lamento ante el sepulcro.
La muestra, por tanto, pretende reflexionar sobre la figura de uno de los artistas esenciales del Renacimiento español en su papel como puente con las novedades que se estaban fraguando en Italia, en la época en que Miguel Ángel había esculpido su David y afrontaba la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, y cuando acababa de ser descubierto el célebre grupo del Laocoonte.
La exposición reúne alrededor de setenta obras, entre esculturas, pinturas, dibujos y grabados de grandes maestros, muchos de ellos representados en las colecciones del Museo, y otras procedentes de grandes colecciones y museos nacionales y extranjeros (Museo Arqueológico Nacional, Museo Nacional del Prado, Galeria Uffizi en Florencia, etc.), que ayudarán a construir su universo de formas e influencias.
Las obras de Berruguete que se exhiben confirman la imagen del palentino como ejemplo de hombre del Renacimiento. Reconocido fundamentalmente por su faceta escultórica, Berruguete es el artista total que también pinta, dibuja y utiliza recursos arquitectónicos en sus trabajos.


Imagen:
Alonso Berruguete, Patriarca, 1526-1532, madera policromada, Museo Nacional de Escultura, Valladolid, España.


Lo concreto. Fotografía arquitectónica y abstracta de Cristina Kahlo
Lugar:
Museo Diego Rivera y Frida Kahlo
Dirección:
c/ Diego Rivera s/n, Álvaro Obregón, San Angel Inn, 01060 Ciudad de México, México.
Fecha:
Desde el 27 de julio hasta el 29 de octubre de 2017


Cartel de la muestraLa exhibición muestra una síntesis del trabajo de la fotógrafa desde 1996 hasta la fecha. Está compuesta por 89 piezas donde la autora geometriza los espacios que la han cautivado, con el objetivo de mostrar su visión de la fotografía arquitectónica.
Se pueden ver fragmentos de espacios emblemáticos o conocidos, como la Casa Luis Barragán, en la exposición también se pueden ver fotografías de espacios desconocidos, de los cuales puede haber interés por sus formas o en la manera en la que llega o incide la luz en el espacio, aunque como ha dicho la artista: “La arquitectura fue un pretexto para crear imágenes. Para nada pretendo documentar un espacio, por eso cualquier lugar me funciona, desde el espacio más emblemático o el común”.
La gran mayoría de sus obras corresponden a objetos, elementos, formas y composiciones que se consideran dentro del “abstraccionismo fotográfico” con la finalidad de exponer fragmentos no reconocibles a primera vista, que incitan al público a reinterpretar las imágenes.
En los cinco núcleos se pueden apreciar fotografías de México, Estados Unidos, Italia, Alemania, Inglaterra, Suiza, Turquía, Francia y China que resaltan la fotografía de arquitectura y abstracta.
En sus inicios como fotógrafa, Kahlo realizó una amplia documentación fotográfica sobre la discapacidad infantil como el autismo, síndrome de down y parálisis cerebral. Entre sus principales trabajos, se encuentran las imágenes sobre el Centro de Capacitación Musical Mixe en Oaxaca capturadas en 2006.
En los últimos años, la artista se ha interesado por la geometría, los conceptos de viaje y desplazamiento geométrico en exposiciones como Laboratorio de Ficciones (2011) y La Mirada del Viajero (2015).

Imagen:
Cartel de la muestra.



...y además


André Derain 1904 - 1914. La décennie radicale
Desde el 4 de octubre de 2017 hasta el 29 de enero de 2018
https://www.centrepompidou.fr


3 Casas Extraordinarias. Kiyoto Ota
Desde el 7 de deagosto hasta el 3 de diciembre de 2017
http://www.chopo.unam.mx


Concha Jerez. Interferencias
Desde el 5 de octubre de 2017 hasta el 7 de enero de 2018
http://www.caam.net

Fragmentos: algumas obras na Coleção de Serralves
Desde el 30 de junio hasta el 2 de octubre de 2017
https://www.serralves.pt

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