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AGENDA DE EXPOSICIONES

Roy Lichtenstein. Posters
Lugar:
Fundación Canal
Dirección:
144-146 New Bond St, Mayfair, London W1S 1SN, Reino Unido.
Fecha:
Desde el 4 de octubre de 2018 hasta el 5 de enero de 2019


I Love Liberty Poster, 1982 © Estate of Roy Lichtenstein, VEGAP, Madrid, 2018La exposición reúne un total de 76 carteles realizados entre 1962 y 1997, del que fue uno de los maestros del Pop Art mundial en un espacio que simula el ambiente urbano, y en el que las obras se encuentran fijadas en rejas y vallas propias de la calle.
El artista norteamericano se inspiró en la sociedad de consumo, la vida cotidiana y la cultura de masas y, para ello, utilizó la publicidad, el cine, los comics y las revistas populares. El precio de estos posters que pueden verse en esta muestra oscila entre los 200 euros hasta los 30.000 euros, siendo los más tempranos los más valiosos.
Gracias a sus carteles, repartidos por las vallas y las paredes de las calles de ciudades como Nueva York o París, fue posible que mucha gente pudiera disfrutar del arte sin tener que acudir a museos o galerías.
Durante el recorrido podemos ver 'Carteles para exposiciones en museos’, la primera parte de la muestra, y en ella se recoge más de una decena de posters diseñados por el artista con motivo de las exposiciones que le dedicaban museos como el Guggenheim de Nueva York o la Tate Gallery de Londres. 'Carteles para exposiciones en galerías de arte' incluye un grupo de posters que Lichtenstein creó para promocionar sus exposiciones en diferentes galerías. Carteles que hizo para dar a conocer diversas causas políticas y sociales entre las que se encuentran, dibujos en contra del Apartheid, apoyando alguna campaña de ONG, o apoyando la candidatura de algún senador. O 'Carteles para acontecimientos culturales', pósters que elaboró para dar a conocer eventos y celebraciones de todo tipo, desde aquellos relacionados con el mundo de la cultura y el espectáculo, hasta diferentes acontecimientos políticos.


Imagen:
I Love Liberty Poster, 1982 © Estate of Roy Lichtenstein, VEGAP, Madrid, 2018.


Bob Dylan. Mondo Scripto
Lugar:
Halcyon Gallery
Dirección:
144-146 New Bond St, Mayfair, London W1S 1SN, Reino Unido.
Fecha:
Desde el 8 de octubre hasta el 30 de noviembre de 2018


Cartel de la muestraEl músico estadounidense Bob Dylan expone su talento para la pintura y la ilustración. Para ello ha reescrito y dibujado sesenta de sus canciones.
La exposición, que supone apenas un 10% de la retrospectiva del músico que verá la luz el año que viene en Shangai (China), recoge 60 canciones escritas a mano por Dylan entre 1962 y 1976.
Al lado de cada una de las letras, plasmadas en tinta negra sobre un folio en blanco, en las que se aprecia el trazado personal de su autor y que en algunos casos han sido modificadas, aparece una ilustración a lápiz. Una pistola humeante sujeta con fuerza por una mano es “Hurricane”; unos hombres encarcelados picando piedra es “Blowing in the Wind” y una solitaria calle empedrada es “Mr.Tambourine Man”; solo son algunos ejemplos de todo lo expuesto.
También pueden verse esculturas y cuadros que muestran la América que tanto inspiró al compositor.
El comisario de la muestra, Tom Piazza, indicó que Mondo Scripto supone una "ventana" a uno de los trabajos "más significativos" de un artista creativo de nuestro tiempo. "La mente inquieta y creativa de Dylan nunca está del todo satisfecha y los que están familiarizados con estas canciones encontrarán sorpresas en muchas palabras nuevas", declaró Piazza.
"Los acoplamientos inesperados de estas obras e imágenes ofrecen una puerta sorprendentemente íntima en cada canción, agregando dimensión, deleite y comprensión de la relación del artista con su propio trabajo", concluyó.


Imagen:
Cartel de la muestra.


De Van Gogh a Picasso. El legado Thannhauser
Lugar:
Museo Guggenheim de Bilbao
Dirección:
Avenida Abandoibarra, 2 48009 Bilbao, España.
Fecha:
Desde el 21 de septiembre de 2018 hasta el 24 de marzo de 2019


Pablo Picasso, La mujer del pelo amarillo (Femme aux cheveux jaunes), París, diciembre de 1931, óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm., Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Thannhauser, Donación, Justin K. Thannhauser 78.2514.59, © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2018, Foto: © Solomon R. Guggenheim Foundation, Nueva York (SRGF)Esta muestra, llevada a cabo con el apoyo de la Fundación BBVA, y Comisariada por Megan Fontanella, supone la primera ocasión en la que una parte significativa de la célebre Colección Thannhauser se muestra fuera de Nueva York desde que ingresara en el Solomon R. Guggenheim Museum hace más de cincuenta años, y pone de relieve el legado de la familia Thannhauser y su papel en el fomento del arte de su época.
Se trata de casi cincuenta obras de grandes figuras del Impresionismo y del Posimpresionismo, así como de los primeros maestros modernos, como Paul Cézanne, Edgar Degas, Édouard Manet, Pablo Picasso y Vincent van Gogh.
Las obras de la Colección Thannhauser se centran en autores de la vanguardia que buscaron liberar el arte de los géneros y medios académicos de finales del siglo XIX. Estos autores exploraron los efectos cambiantes de los fenómenos naturales y cómo representar el espectáculo de la ciudad en transformación a comienzos del siglo XX, empleando recursos estilísticos, como la pincelada suelta, y prácticas innovadoras, como la fragmentación del plano pictórico.
Además de pinturas, esculturas y obras sobre papel, la muestra incluye material de archivo, como libros de inventario de la galería de Thannhauser o fotografías históricas, con el fin de documentar en profundidad el compromiso de esta familia con algunos de los artistas, coleccionistas y marchantes de su tiempo.


Imagen:
Pablo Picasso, La mujer del pelo amarillo (Femme aux cheveux jaunes), París, diciembre de 1931, óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm., Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Thannhauser, Donación, Justin K. Thannhauser 78.2514.59, © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2018, Foto: © Solomon R. Guggenheim Foundation, Nueva York (SRGF).


Luigi Ghirri. El mapa y el territorio
Lugar:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Dirección:
Edificio Sabatini, 3ª Planta, España.
Fecha:
Desde el 26 de septiembre de 2018 hasta el 7 de enero de 2019


Luigi Ghirri. Módena, 1972. ©Eredi di Luigi ghirriLa exposición, comisariada por James Lingwood, pretende capturar la fascinación que sentía el artista italiano Luigi Ghirri (Scandiano, Italia, 1943-1992), uno de los fotógrafos italianos más apreciados de todos los tiempos, por las distintas formas de concebir el mundo que tienen las distintas sociedades.
La muestra, organizada por el Museo Reina Sofía en colaboración con el Museum Folkwang de Essen y la galería Jeu de Paume de París, supone el primer estudio significativo de las fotografías de Luigi Ghirri presentadas fuera de Italia. E ella se examina la producción de una década fundamental en la investigación fotográfica del artista: los años setenta. Durante ese período, Ghirri creó un corpus de imágenes en color "sin paralelo en la Europa de la época", según Lingwood, y en el que ya se pueden captar las señales peculiares de un estilo conceptual destinado a ser reconocible y apreciado.
Dos de los momentos más significativos de su carrera ocurrieron, además, en ese mismo marco temporal: la publicación de Kodachrome, en 1978, uno de los libros fotográficos representativos de toda la década, y la gran exposición Vera Fotografia, que se llevó a cabo en Parma en 1979.
A Ghirri le fascinaban las representaciones del mundo, en forma de reproducciones, fotografías, carteles, maquetas y mapas, y la forma en que estas representaciones estaban incrustadas en el mundo, los signos dentro de la ciudad o el paisaje. El mapa y el territorio retoma la cartografía poética de la exposición de Ghirri de 1979, que incluía proyectos tan bien enmarcados como Atlante (1973), con fotografías de páginas de un atlas, o grupos más amplios como Diaframma 11, 1/125, luce naturale (1970-79), observando la forma en que las personas fotografían y son fotografiadas; y el paisaje de los signos en la Italia provincial en Italia Ailati y Vedute (1970-79).


Imagen:
Luigi Ghirri. Módena, 1972. ©Eredi di Luigi ghirri.


Dorothea Lange. Políticas visibles
Lugar:
Galerie nationale du Jeu de Paume
Dirección:
1 Place de la Concorde, 75008 Paris, Francia.
Fecha:
Desde el 16 de octubre de 2018 hasta el 27 de enero de 2019


Dorothea Lange, Madre migrante, Nipomo, California, Barbican Art Gallery, Londres.1936 © Colección Dorothea Lange, Museo de Oakland de California, Ciudad de Oakland. Cortesía de Paul S. TaylorLa exposición de la conocida como la fotógrafa de la Gran Depresión, Dorothea Lange (Nueva Jersey, 1895-San Francisco, 1965), está compuesta por 130 fotografías. En ella también podrá verse sus imágenes de la Segunda Guerra Mundial y de la América de posguerra, incluyendo sus fotografías de japoneses estadounidenses internados durante la Segunda Guerra Mundial, una serie que fue conocida en 2006, y se muestra en París por primera vez.
Se articula en cinco conjuntos distintos. Estos enfatizan la fuerza emocional que emana de estas fotografías, así como el contexto de la práctica documental de la fotógrafa. Más de un centenar de copias antiguas, realizadas entre 1933 y 1957, se destacan por documentos y proyecciones que amplían el alcance de una obra ya familiar para el público a través de imágenes icónicas de la historia de la fotografía, como “White Angel Breadline” (1933) y “Madre migrante” (1936). Las impresiones son principalmente del Museo de Oakland de California, donde se guardan los extensos archivos de Lange, legados por su esposo Paul Schuster Taylor y su familia.
Además de las fotografías, también se expondrán varios objetos que pertenecieron a la fotógrafa, incluyendo hojas de contacto, cuadernos de campo y varias publicaciones, que ubican su trabajo en el contexto de este período problemático. La exposición de Jeu de Paume abre una nueva perspectiva sobre el trabajo de esta reconocida artista estadounidense cuyo legado perdura en la actualidad. Al tiempo que destaca las cualidades artísticas y la fuerza de las convicciones políticas de la fotógrafa, invita al público a redescubrir el trabajo de Dorothea Lange y su importancia central en la historia de la fotografía documental.
La muestra, comisariada por Drew Heath Johnson y Pia Viewing, está producida por el Museo de Oakland de California. La presentación europea fue coproducida por Jeu de Paume, París, y Barbican Art Gallery, Londres.


Imagen:
LANGE, Dorothea, Madre migrante, Nipomo, California, Barbican Art Gallery, Londres. 1936 © Colección Dorothea Lange, Museo de Oakland de California, Ciudad de Oakland. Cortesía de Paul S. Taylor.


El taller del artista
Lugar:
Escuela de Patrimonio Histórico de Nájera
Dirección:
Plaza Santa María, s/n. Nájera, La Rioja, España.
Fecha:
Desde el 6 julio hasta el 31 octubre de 2018


BERUETE,  Aureliano  de  (Madrid,  1845  -  1912)El  pintor  y  su  familia  en  su  estudioFoto:  Mariano  Moreno,  ca.  1901.  Archivo  Moreno  Nº  01307_D  ©  Fototeca  del  Instituto  del  Patrimonio  Cultural  de  España,  Ministerio  de  Educación,  Cultura  y DeporteProducida por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y comisariada por Óscar Muñoz e Isabel Argerich, El taller del artista comprende noventa fotografías que reflejan diversos espacios de creación de pintores y escultores, en un arco cronológico que abarca desde la última década del siglo XIX hasta los años cincuenta del siglo XX. Han sido seleccionadas entre los archivos fotográficos conservados en el Instituto del Patrimonio Cultural de España, especialmente del archivo Moreno, que cuenta con un importante y numeroso fondo dedicado a esta temática.
Las imágenes de la muestra unen su valor documental al estético. Reflejan la maestría técnica de estos fotógrafos en el dominio de la luz y la composición, junto con una sensibilidad capaz de captar la personalidad del pintor o escultor en simbiosis con el interior del estudio o taller en que trabaja.
La exposición se articula en cinco bloques, conforme a un criterio de ordenación que conjuga factores cronológicos, temáticos y estilísticos. El primer ámbito de la exposición refleja el bagaje artístico decimonónico de los autores seleccionados a través de la pintura de historia y de paisaje, de la que fueron exponentes Moreno Carbonero y Beruete; así como la herencia del academicismo y del arte clásico.
Agrupa el segundo bloque, ‘Costumbrismos y Modernismos’, una serie de artistas cuyo mundo creativo se inspira en el folklore, las costumbres, indumentarias y tradiciones de las regiones y pueblos de España; entre ellos, López Mezquita, Sorolla, Chicharro, Pla, Romero de Torres, etc. Artistas que adoptaron un enfoque sobre la realidad nacional que, en algunos aspectos, sintoniza con la obra literaria de la denominada Generación del 98, con cuyos miembros mantuvieron relación a través de tertulias y encuentros.
El apartado ‘Artistas de Sociedad’ se compone de retratistas cuya clientela pertenecía a familias adineradas, burguesas o aristocráticas, a la alta jerarquía funcionarial, eclesial o militar, o a la Casa Real. Algunos de ellos cultivaron el género del retrato al mismo tiempo que, con gran versatilidad, realizaron pinturas de historia y asunto literario o escenas costumbristas, como ocurre con Moreno Carbonero, López Mezquita o Caprotti.
El bloque ‘Aires de renovación’ incluye artistas en quienes se advierte un estilo y una actitud más moderna y desenfadada, ajena tanto a las normas académicas como a la temática castiza. Sus obras viran hacia otros asuntos y estilos más definitorios del siglo XX, llegando en algunos casos, como Maruja Mallo y Jorge Oteiza, a transitar el terreno de la vanguardia.
La exposición concluye con un grupo de imágenes tomadas durante la guerra civil española y la primera década posterior, hasta llegar aproximadamente a la mitad del siglo. Durante la guerra vemos cómo se producía el arte de agitación, en el que la autoría quedaba supeditada al mensaje. Y la realidad paralela, de simulación de ausencia del drama en el estudio de Metallo.
Las fotografías de posguerra nos muestran la vuelta a la ‘normalidad’, alternándose ejemplos del arte oficial y conmemorativo de la dictadura franquista, de la pintura norteafricana, el retrato burgués y militar, el retrato de la alta sociedad y, por último, el incipiente resurgir de una cierta modernidad visible en el estudio de Javier Clavo, con su pintura reminiscente de Picasso o Antoni Clavé.


Imagen:
BERUETE, Aureliano de (Madrid, 1845 - 1912) El pintor y su familia en su estudio Foto: Mariano Moreno, ca. 1901. Archivo Moreno Nº 01307_D © Fototeca del Instituto del Patrimonio Cultural de España, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.


Frida Kahlo: Making Her Self Up
Lugar:
Victoria and Albert Museum
Dirección:
Cromwell Rd, Knightsbridge, London SW7 2RL, Reino Unido.
Fecha:
Desde el 16 junio hasta el 4 noviembre de 2018


Cartel de la muestraCompuesta por más de 200 objetos de la Casa Azul, entre vestidos, joyas, cartas, pinturas, fotos familiares, maquillaje, medicamentos, sus corsés médicos o la pierna protética. Esta muestra explora como nunca antes esa doble dimensión, icónica y doliente, de la artista que se inventó a sí misma, fiel al lema que inspiró su vida y obra: "Yo soy mi propia musa, el tema que conozco mejor".
"Una de cada tres obras de Frida Kahlo fue un autorretrato", recuerda Circe Henestrosa, comisaria de la exposición junto a Claire Wilcox. "Y la imagen que nos dejó fue la que quería que recordáramos, maquillada para la ocasión, vestida de sus mejores galas, librando su pulso oculto contra el dolor e irradiando una extraña belleza interior".
Frida en la frontera mexicano-estadounidense. Frida en la línea del cielo de Manhattan. Frida rodeada de sus queridos monos araña. Frida con el busto desnudo y con una columna que se desmorona en su interior. Frida vestida con un traje de tehuana, con Diego Rivera creciéndole obsesivamente en el entrecejo, años después de su separación...
Las obras de Kahlo se alternan con los objetos que aderezaron su vida, exhibidos casi como exvotos y marcando el camino hacia al altar. El más sorprendente de todos es sin duda la pierna ortopédica que le hicieron a Frida en 1953, cuando tuvieron que amputarle a la altura de la rodilla. La pierna prostética está rematada por una bota de cuero rabiosamente rojo, a modo de impostura. "¿Para qué quiero pies si tengo alas?".
Las obras de Kahlo se intercalan con los objetos que jalonaron su vida, hasta llegar a sus 22 trajes de tehuana, los rebozos, los huipiles y el "resplandor" con el que culmina la exposición, junto a un último autorretrato doliente, fechado en 1948, en el que Frida se imagina a sí misma como una Virgen de las Lágrimas.


Imagen:
Cartel de la muestra.


Olam Haba the world to come
Lugar:
Centro Sefarad-Israel
Dirección:
Calle Mayor, 69, Madrid, España.
Fecha:
Desde el 13 de julio hasta el 18 de octubre de 2018


Cartel de la muestraEsta muestra guiará al visitante por un recorrido a través de las corrientes de la identidad cultural judía actual en Londres. Más de cincuenta fotografías, videoinstalaciones, dibujos y esculturas componen la exposición, que lleva por título Olam Haba, cuyo significado es “el mundo por venir”.
Durante el recorrido, su creador Daniel Solomons analiza aspectos tales como la desaparición de comunidades enteras de judíos en la capital londinense, el esfuerzo por la integración y supervivencia de muchas otras, o la ausencia y presencia de diferentes identidades como consecuencia de ambos fenómenos.
La muestra se completa con dos documentales en los que se narran dos casos reales de judíos que abandonaron comunidades ultra ortodoxas con el objetivo de buscar su propia identidad judía. El primer caso es el de Emily, una mujer que abandona la comunidad jaredí, y el segundo de un rabino gay que deja la comunidad ultraortodoxa de Lubavitch.
Esa tradición milenaria de respeto por la vida, por la mente, de infinito respeto por el libro, por el texto y por las artes. Un pueblo tan pequeño en número, que ha estado a punto de desaparecer varias veces a lo largo de la historia, este pueblo, tan odiado, tan temido, tan perseguido, todavía está aquí. La identidad étnica e histórica de los judíos ha perdurado durante más de 5.000 años…y eso, es mucho tiempo.


Imagen:
Cartel de la muestra.



...y además


Constantin Brancusi Sculpture
Desde el 22 de julio de 2018 hasta el 18 de febrero de 2019
https:/www.moma.org


On the Ropes: Vintage Boxing Cards from the Jefferson R. Burdick Collection
Desde el 2 de julio hasta el 21 de octubre de 2018
https://www.metmuseum.org


Chagall, Lissitzky, Malevich: The Russian Avant-Garde in Vitebsk, 1918-1922
Desde el 14 de septiembre de 2018 hasta el 6 de enero de 2019
https://thejewishmuseum.org


Rob Wynne: FLOAT
Desde el 6 de junio de 2018 hasta el 3 de marzo de 2019
https://www.brooklynmuseum.org



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