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AGENDA DE EXPOSICIONES

Sunday. Carsten Höller
Lugar:
Museo Tamayo
Dirección:
Av. Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec, Bosque de Chapultepec I Secc, México.
Fecha:
Desde el 29 de marzo hasta el 30 de junio de 2019


Seven Sliding Doors, 2014. Vista de instalación: Burning Down the House, 10va. Bienal de Gwangju , Gwangju, Corea del Sur (2014). Cortesía del artista © Carsten Höller. Foto: Attilio MaranzanoSe trata de la primera exposición monográfica del artista Carsten Ho¨ller (Bruselas, Be´lgica, 1961) en México. Esta muestra tiene como objetivo exhibir los ejes centrales de d el trabajo de este reconocido artista contemporáneo, quien se ha establecido como uno de los más influyentes e innovadores de la escena del arte internacional actual gracias a sus obras interactivas de gran escala y a la producción de piezas de carácter inmersivo que buscan generar una experiencia colectiva entre el público, así como establecer conexiones directas entre las obras y la audiencia. Por su formación científica, el particular trabajo artístico de Ho¨ller tiene evocaciones a las prácticas de experimentar y el museo mismo se convierte siempre en una especie de laboratorio.
Esta muestra conjunta y resume temas que son fundamentales en su trabajo y gira en torno a dos argumentos principales: la toma de decisiones y la percepción a través de la idea de las alucinaciones. Para Carsten Ho¨ller la experiencia como noción general humana se da a partir de la suma de la experimentación y la percepción; con ello cuestiona constantemente la importancia de la noción del espacio y la forma. A partir de esta premisa, la exposición busca jugar con la percepción general que el público tiene del Museo Tamayo, como edificio y como museo, permitiendo al visitante determinar su recorrido por la exposición y por el espacio mismo, sin saber necesariamente hacia dónde se dirige.


Imagen:
Seven Sliding Doors, 2014. Vista de instalación: Burning Down the House, 10va. Bienal de Gwangju , Gwangju, Corea del Sur (2014). Cortesía del artista © Carsten Höller. Foto: Attilio Maranzano.


Man Ray. Objetos de ensueño
Lugar:
Fundación Canal
Dirección:
Calle Mateo Inurria, 2, 28036 Madrid, España.
Fecha:
Desde el 31 de enero hasta el 21 de abril de 2019


Cartel de la muestraLa exposición, está compuesta por obras que proceden de diversas colecciones privadas españolas y europeas, reunidas en exclusiva para esta muestra, y que conjuntamente ofrece un completo recorrido por los pensamientos del maestro del surrealismo, por su extraordinaria creatividad y por los temas que abordó y reflejó en sus trabajos durante su trayectoria profesional.
La muestra incluye 107 piezas, entre fotografías y objetos. Esos objetos que fueron bautizados por el poeta francés Robert Ribemont-Dessaignes como “objetos de ensueño”, porque se sitúan a medio camino entre los recuerdos, los sueños y los deseos. Es precisamente por lo que la muestra lleva este título.
Las seis secciones que la componen dibujan un singular viaje por el mundo onírico del artista. En ellas podemos contemplar, además de sus conocidos “objetos imposibles”, obras tan icónicas como sus famosas rayografías, sus inquietantes maniquíes o las “máquinas poéticas” que reflejan la estrecha relación y complicidad entre el artista y su gran amigo Macel Duchamp.
En las fotografías se puede ver el resultado de las novedosas técnicas que utilizaba y la sencillez gráfica que conseguía en ellas, siempre sin perder ese halo de misterio que le caracterizaba, incluso en las cosas más banales. Esta manera de trabajar en la fotografía la trasladó asimismo a los objetos que intervenía, que tras pasar por sus manos pasaban de ser simples objetos cotidianos a ser elementos simbólicos muy alejados de su función original y que quedaban así elevados a la categoría de obra de arte.


Imagen:
Cartel de la muestra.


Equipo 57
Lugar:
Galería Michel Mejuto
Dirección:
Juan de Ajuriaguerra, 18. 48009 Bilbao, España.
Fecha:
Desde el 7 de febrero hasta el 29 de marzo de 2019


Equipo 57, Composición, gouache sobre papel, 70 x 50 cm., firmado y fechado en 1961.Esta exposición está dedicada a Equipo 57, la agrupación artística pionera del arte geométrico, que tuvo una gran repercusión internacional. Se constituye en el año 1957, y nace como un lugar común de creación y experimentación artística, en el que colaboran un amplio número de artistas.
De todos ellos, por su continuidad y su implicación en proyecto, han quedado como miembros fundamentales los artistas Agustín Ibarrola, Ángel Duarte, Pepe Duarte, Juan Serrano y Juan Cuenca.
La muestra está compuesta por 23 obras entre las que figuran óleos gouaches y esculturas, y que constituyen un completo recorrido de la trayectoria artística de Equipo 57, cuya obra reflexiona sobre las interacciones entre línea, color y cinética dentro del espacio del cuadro.
Del total de obras expuestas, todas ellas procedentes de colecciones privadas, 13 están a la venta, pero no así las 10 restantes, que han sido cedidas por sus propietarios "para conseguir armar una exposición en la cual se viera todo el desarrollo estético de Equipo 57 desde sus inicios hasta sus obras conclusivas". Según ha explicado el galerista, el precio de salida de estas obras es de 12.000 euros.


Imagen:
Equipo 57, Composición, gouache sobre papel, 70 x 50 cm., firmado y fechado en 1961.


Miki Leal. Mariposas y cocodrilos. Ensayo para una pieza camp
Lugar:
CAB de Burgos
Dirección:
c/ Saldaña s/n • 09003 Burgos, España.
Fecha:
Del 8 de febrero al 26 de mayo de 2019


Miki Leal, Dandy´en RomaEl proyecto expositivo que Miki Leal (Sevilla, 1974) presenta, revisita y reúne sus últimos trabajos a partir de la lectura, en clave pictórica, de la ciudad de Roma y de su pasado clásico.
Leal reflexiona sobre el propio acto de pintar, sobre la disputa entre actos y gestos, sobre el combate entre la representación de la cultura y sus símbolos con frecuencia velados, solo accesibles para unos cuantos iniciados. Un pugilato que el artista acota en un terreno de juego cerrado, de normas precisas y movimientos calculados, un “sport”, como refería la literatura de principios del siglo XX, deudor del dandismo en los duelos que se libran a cada lado de la pista. El tenis como metáfora vital y como recurso formal.
El título de la exposición alude al tenis y a sus variantes estilísticas, tal y como fuera definido por el influyente crítico de cine francés Serge Daney. Daney, que simultaneaba su pasión cinéfila con escritos y crítica del tenis, trazó una sutil metáfora de la creación, del arte y del juego en su obra L’amateur de tennis. Solo hay dos formas de encarar la partida (y la vida, y el arte): desde la red (las mariposas) o desde el fondo (los cocodrilos).


Imagen:
Miki Leal, Dandy´en Roma.


Frida Kahlo: Las apariencias pueden engañar
Lugar:
Brooklyn Museum
Dirección:
200 Eastern Parkway, Brooklyn, NY 11238 EE.UU.
Fecha:
Desde el 8 de febrero hasta el 12 de mayo de 2019


Corsé de escayola decorado por Frida Kahlo, Museo Frida Kahlo©La exposición, que incluye una selección de prendas de Tehuana y joyas con las que la pintora mexicana construyó su personalidad pública, es la muestra más grande dedicada a Frida en los últimos diez años en Estados Unidos.
Ropa, joyería contemporánea y pre-colonial, y algunos de los muchos corsés y prótesis pintados a mano que la artista usó durante su vida, y que se habían almacenado en la Casa Azul, la residencia de Kahlo y Rivera en la Ciudad de México, se pueden admirar en el museo neoyorquino.
En total son diez pinturas las protagonistas, entre ellas "Autorretrato con collar" (1933), "Autorretrato con trenza" (1941) o"Diego en mi mente" (1943). Además, de fotografías personales de la colección Jacques y Natasha Gelman. Asimismo, pueden verseretratos de su infancia hechos por su padre, el reconocido fotógrafo de la revolución Guillermo Kahlo.
La exposición incluye, además objetos de arte de Mesoamérica que yacen en el recinto de Brooklyn. De ese modo, se abordará la identidad cultural como base de la obra de la artista. Es decir, la influencia en su producción a partir del entorno, la historia, sus relaciones e incluso su discapacidad.


Imagen:
Corsé de escayola decorado por Frida Kahlo, Museo Frida Kahlo©.


Andy Warhol: De la A a la B y de Regreso
Lugar:
Whitney Museum of American Art
Dirección:
99 Gansevoort Street, New York, NY 10014, EE.UU.
Fecha:
Desde el 12 de noviembre de 2018 hasta el 31 de marzo de 2019


Andy Warhol, Skull, 1976, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York © 2015 De las sopas Campbell a la Coca-Cola, de Marilyn Monroe a Mao Tse-tung, Andrew Warhola, su verdadero nombre, juega con los iconos de su época, mientras documenta incansablemente su propia vida y su trabajo hasta el punto de convertirse él mismo en una marca.
La exposición refleja su gusto por la serigrafía, los colores vivos y sus famosas imágenes repetitivas, pero también muestra que Warhol nunca se dejó atrapar por esta forma de expresión, incluso si le debe su éxito.
Sus filmes, su colaboración con Jean-Michel Basquiat, pero también su incursión en lo abstracto, son la prueba. Así, en 1978, a los 50 años, comenzó la serie abstracta Shadows, deliberadamente despojada de la estética pop.
Bajo la dirección de Donna De Salvo, quien trabajó con el artista durante los últimos meses de su vida, esta exposición ofrece una visión más amplia y compleja de Andy Warhol, diseñada especialmente para un público nuevo. La última retrospectiva en Estados Unidos de este artista fue en 1989 en el MoMA y "cambió drásticamente nuestra visión de Warhol, pero también dejó un montón de preguntas sin respuesta", según la comisaria.
La muestra, compuesta por préstamos de más de 100 instituciones y coleccionistas, intenta seducir tanto a los conocedores del artista como a quienes no conocen tanto al polémico personaje. Para lograrlo, la exposición que ocupa tres pisos del museo repasa toda la carrera de Warhol, desde sus inicios como ilustrador publicitario, hasta su viaje hacia la abstracción.
Gracias a una selección exigente, Andy Warhol - From A to B and Back Again presenta al artista en todas sus dimensiones: dibujante, pintor, fotógrafo, videógrafo, productor de espectáculos, editor (de la revista Interview) y hasta curador de sus propias exposiciones. Y en el centro de todo, la imagen y el poder de representación, una reflexión estructurada por su experiencia en la publicidad durante la década de 1950.
Otra parte importante de la exhibición, que comprende más de 300 obras, está dedicada al video, que Warhol usó para documentales, películas experimentales, programas culturales y piezas publicitarias. Además de esta dimensión multimedia, la exposición evoca un Warhol en movimiento perpetuo, ávido de experiencias, movido por la inspiración de otros y de los que le rodeaban, cuya huella perdura.


Imagen:
Andy Warhol, Skull, 1976, The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Artists Rights Society (ARS), New York © 2015.


GRUPO 13. Publicidad entre el arte y el diseño
Lugar:
Museo Nacional de Artes Decorativas
Dirección:
C/ Montalbán nº 12, 28014, Madrid, España.
Fecha:
Desde el 21 de noviembre de 2018 hasta el 31 de marzo de 2019


Anuncio de fijador-brillantina Patrico © CuestaMirar hacia la publicidad de la década de los años 60 en España implica hablar del Grupo 13. Fue en 1961, cuando un grupo de jóvenes diseñadores gráficos, unidos en Madrid bajo la denominación de Grupo 13, actuaron de un modo nada convencional con la intención de transgredir el lenguaje publicitario. Estos crearon muchas de las imágenes que nos acompañaron a través de los medios de comunicación de la época, en múltiples ámbitos del consumo en la vida cotidiana.
El Grupo 13 recibió la influencia del realismo norteamericano, del expresionismo subjetivista, del humorismo francés, del racionalismo estricto y matemático o de la combinación oportunista de todos ellos.
En un principio eran nueve, los miembros fundadores en 1961, pero serían 10 dibujantes y dos más años después. Su objetivo en aquel momento era la dignificación de la publicidad en la España post-autárquica desde la obligada neutralidad política.
Esta muestra, comisariada por Javier González Solas, nos ofrece una visión actual de este colectivo que nos permite comprender, desde la perspectiva del presente, el relevante valor de su aportación como mediadores entre el sector publicitario, el diseño de la comunicación y la creatividad artística. Nos hace un recorrido por la producción de todos los miembros que formaron parte de este fenómeno de la comunicación en España.


Imagen:
Anuncio de fijador-brillantina Patrico © Cuesta.


Murillo. IV Centenario
Lugar:
Museo de Bellas Artes de Sevilla (MBASE)
Dirección:
Plaza del Museo, 9, Sevilla, España.
Fecha:
Desde el 29 de noviembre de 2018 hasta el 17 de marzo de 2019


Bartomoné Esteban Murillo, Cuatro figuras en un escalón, 1655 h., óleo sobre lienzo, 110 x 143 cm., Kimbell Art MuseumSe trata de la primera muestra antológica dedicada al pintor sevillano Bartolomé Esteban Murillo en su ciudad natal. De esta manera Sevilla se ha sumado a la fiesta de la celebración de los 400 años del nacimiento del artista.
Comisariada por Ignacio Cano y Valme Muñoz, directora de la pinacoteca, la exposición está integrada por 55 lienzos, entre ellos tres del propio museo y otros procedentes de países como Inglaterra, Francia, Alemania, México o EEUU, prestados por colecciones privadas e instituciones, españolas y extranjeras, como la Tate Gallery de Londres, el Museo del Prado, el Louvre de París y el MET de Nueva York. Estas piezas se suman a las 17 de la exposición de los Capuchinos que aún puede verse en la Sala V del Museo, por lo que serán en total 72 obras.
La muestra establece una relación con otros espacios de la ciudad que albergan obras del maestro. El proyecto ofrece un discurso estructurado en torno a su diversidad temática, de lo popular a lo religioso, a fin de superar prejuicios como el de Murillo como pintor de Inmaculadas y descubrir al artista que introduce un tratamiento insólito de los temas tradicionales, simplificando las iconografías y ofreciendo una versión más intuitiva.


Imagen:
Bartomoné Esteban Murillo, Cuatro figuras en un escalón, 1655 h., óleo sobre lienzo, 110 x 143 cm., Kimbell Art Museum.


De Van Gogh a Picasso. El legado Thannhauser
Lugar:
Museo Guggenheim de Bilbao
Dirección:
Avenida Abandoibarra, 2 48009 Bilbao, España.
Fecha:
Desde el 21 de septiembre de 2018 hasta el 24 de marzo de 2019


Pablo Picasso, La mujer del pelo amarillo (Femme aux cheveux jaunes), París, diciembre de 1931, óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm., Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Thannhauser, Donación, Justin K. Thannhauser 78.2514.59, © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2018, Foto: © Solomon R. Guggenheim Foundation, Nueva York (SRGF)Esta muestra, llevada a cabo con el apoyo de la Fundación BBVA, y Comisariada por Megan Fontanella, supone la primera ocasión en la que una parte significativa de la célebre Colección Thannhauser se muestra fuera de Nueva York desde que ingresara en el Solomon R. Guggenheim Museum hace más de cincuenta años, y pone de relieve el legado de la familia Thannhauser y su papel en el fomento del arte de su época.
Se trata de casi cincuenta obras de grandes figuras del Impresionismo y del Posimpresionismo, así como de los primeros maestros modernos, como Paul Cézanne, Edgar Degas, Édouard Manet, Pablo Picasso y Vincent van Gogh.
Las obras de la Colección Thannhauser se centran en autores de la vanguardia que buscaron liberar el arte de los géneros y medios académicos de finales del siglo XIX. Estos autores exploraron los efectos cambiantes de los fenómenos naturales y cómo representar el espectáculo de la ciudad en transformación a comienzos del siglo XX, empleando recursos estilísticos, como la pincelada suelta, y prácticas innovadoras, como la fragmentación del plano pictórico.
Además de pinturas, esculturas y obras sobre papel, la muestra incluye material de archivo, como libros de inventario de la galería de Thannhauser o fotografías históricas, con el fin de documentar en profundidad el compromiso de esta familia con algunos de los artistas, coleccionistas y marchantes de su tiempo.


Imagen:
Pablo Picasso, La mujer del pelo amarillo (Femme aux cheveux jaunes), París, diciembre de 1931, óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm., Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Thannhauser, Donación, Justin K. Thannhauser 78.2514.59, © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2018, Foto: © Solomon R. Guggenheim Foundation, Nueva York (SRGF).

 



...y además


Fotografías de Alberto Martí
Desde el 9 de febrero hasta el 5 de mayo de 2019
https://www.spainculture.us


Joan Miró. Nacimiento del Mundo
Desde el 24 de febrero hasta el 15 de junio de 2019
https://www.moma.org


Hilma af Klint: Paintings for the Future
Desde el 12 de octubre de 2018 hasta el 23 de abril de 2019
https://www.guggenheim.org


Nancy Spero: Paper Mirror
Desde el 31 de marzo hasta el 23 de junio de 2019
https://www.moma.org



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