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AGENDA DE EXPOSICIONES

Obsesión: Desnudos de Klimt, Schiele y Picasso de la Colección Scofield Thayer
Lugar:
The Met Breuer
Dirección:
945 Madison Ave New York, NY 10021, Nueva York, EE.UU.
Fecha:
Desde el 3 de julio hasta el 7 de octubre de 2018


Cartel de la muestraLa exposición presenta una selección de cincuenta y tres obras de The Met's Scofield Thayer Collection, que ofrece una mirada en profundidad a esta importante colección y, también conmemora el centenario de la muerte de Klimt y Schiele. Es la primera vez que este grupo de obras se muestran juntas.
Reconocido esteta y descendiente de una adinerada familia, Scofield Thayer (1889-1982) fue coeditor y editor de la revista literaria Dial desde 1919 hasta 1926. En esta revista de vanguardia introdujo a los estadounidenses a los textos de T.S. Eliot, Ezra Pound, D.H. Lawrence, Arthur Schnitzler, Thomas Mann y Marcel Proust, entre otros. Con frecuencia acompañaba las contribuciones de estos escritores con reproducciones de arte moderno. Thayer reunió su gran colección de unas 600 obras, principalmente obras en papel, con una velocidad asombrosa en Londres, París, Berlín y Viena entre 1921 y 1923. Mientras era paciente de Sigmund Freud en Viena, adquirió un gran grupo de acuarelas y dibujos de Schiele y Klimt, artistas que en ese momento eran desconocidos en América. Cuando se expuso una selección de su colección en la Galería Montross en Nueva York en 1924, cinco años antes de que se inaugurara el Museo de Arte Moderno, consiguió un éxito de público. Sin embargo, no encontró el mismo éxito en su ciudad natal de Thayer, Worcester, Massachusetts, ese mismo año, cuando expuso en el Museo de Arte de Worcester. Indignado, Thayer redactó su testamento en 1925, dejando su colección al Museo Metropolitano de Arte. Se retiró de la vida pública a finales de la década de los 20, y vivió como un recluso en Martha's Vineyard y en Florida hasta su muerte en 1982.


Imagen:
Cartel de la muestra.


Dorothea Lange. Políticas visibles
Lugar:
Galerie nationale du Jeu de Paume
Dirección:
1 Place de la Concorde, 75008 Paris, Francia.
Fecha:
Desde el 16 de octubre de 2018 hasta el 27 de enero de 2019


Dorothea Lange, Madre migrante, Nipomo, California, Barbican Art Gallery, Londres.1936 © Colección Dorothea Lange, Museo de Oakland de California, Ciudad de Oakland. Cortesía de Paul S. TaylorLa exposición de la conocida como la fotógrafa de la Gran Depresión, Dorothea Lange (Nueva Jersey, 1895-San Francisco, 1965), está compuesta por 130 fotografías. En ella también podrá verse sus imágenes de la Segunda Guerra Mundial y de la América de posguerra, incluyendo sus fotografías de japoneses estadounidenses internados durante la Segunda Guerra Mundial, una serie que fue conocida en 2006, y se muestra en París por primera vez.
Se articula en cinco conjuntos distintos. Estos enfatizan la fuerza emocional que emana de estas fotografías, así como el contexto de la práctica documental de la fotógrafa. Más de un centenar de copias antiguas, realizadas entre 1933 y 1957, se destacan por documentos y proyecciones que amplían el alcance de una obra ya familiar para el público a través de imágenes icónicas de la historia de la fotografía, como “White Angel Breadline” (1933) y “Madre migrante” (1936). Las impresiones son principalmente del Museo de Oakland de California, donde se guardan los extensos archivos de Lange, legados por su esposo Paul Schuster Taylor y su familia.
Además de las fotografías, también se expondrán varios objetos que pertenecieron a la fotógrafa, incluyendo hojas de contacto, cuadernos de campo y varias publicaciones, que ubican su trabajo en el contexto de este período problemático. La exposición de Jeu de Paume abre una nueva perspectiva sobre el trabajo de esta reconocida artista estadounidense cuyo legado perdura en la actualidad. Al tiempo que destaca las cualidades artísticas y la fuerza de las convicciones políticas de la fotógrafa, invita al público a redescubrir el trabajo de Dorothea Lange y su importancia central en la historia de la fotografía documental.
La muestra, comisariada por Drew Heath Johnson y Pia Viewing, está producida por el Museo de Oakland de California. La presentación europea fue coproducida por Jeu de Paume, París, y Barbican Art Gallery, Londres.


Imagen:
LANGE, Dorothea, Madre migrante, Nipomo, California, Barbican Art Gallery, Londres. 1936 © Colección Dorothea Lange, Museo de Oakland de California, Ciudad de Oakland. Cortesía de Paul S. Taylor.


El taller del artista
Lugar:
Escuela de Patrimonio Histórico de Nájera
Dirección:
Plaza Santa María, s/n. Nájera, La Rioja, España.
Fecha:
Desde el 6 julio hasta el 31 octubre de 2018


BERUETE,  Aureliano  de  (Madrid,  1845  -  1912)El  pintor  y  su  familia  en  su  estudioFoto:  Mariano  Moreno,  ca.  1901.  Archivo  Moreno  Nº  01307_D  ©  Fototeca  del  Instituto  del  Patrimonio  Cultural  de  España,  Ministerio  de  Educación,  Cultura  y DeporteProducida por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y comisariada por Óscar Muñoz e Isabel Argerich, El taller del artista comprende noventa fotografías que reflejan diversos espacios de creación de pintores y escultores, en un arco cronológico que abarca desde la última década del siglo XIX hasta los años cincuenta del siglo XX. Han sido seleccionadas entre los archivos fotográficos conservados en el Instituto del Patrimonio Cultural de España, especialmente del archivo Moreno, que cuenta con un importante y numeroso fondo dedicado a esta temática.
Las imágenes de la muestra unen su valor documental al estético. Reflejan la maestría técnica de estos fotógrafos en el dominio de la luz y la composición, junto con una sensibilidad capaz de captar la personalidad del pintor o escultor en simbiosis con el interior del estudio o taller en que trabaja.
La exposición se articula en cinco bloques, conforme a un criterio de ordenación que conjuga factores cronológicos, temáticos y estilísticos. El primer ámbito de la exposición refleja el bagaje artístico decimonónico de los autores seleccionados a través de la pintura de historia y de paisaje, de la que fueron exponentes Moreno Carbonero y Beruete; así como la herencia del academicismo y del arte clásico.
Agrupa el segundo bloque, ‘Costumbrismos y Modernismos’, una serie de artistas cuyo mundo creativo se inspira en el folklore, las costumbres, indumentarias y tradiciones de las regiones y pueblos de España; entre ellos, López Mezquita, Sorolla, Chicharro, Pla, Romero de Torres, etc. Artistas que adoptaron un enfoque sobre la realidad nacional que, en algunos aspectos, sintoniza con la obra literaria de la denominada Generación del 98, con cuyos miembros mantuvieron relación a través de tertulias y encuentros.
El apartado ‘Artistas de Sociedad’ se compone de retratistas cuya clientela pertenecía a familias adineradas, burguesas o aristocráticas, a la alta jerarquía funcionarial, eclesial o militar, o a la Casa Real. Algunos de ellos cultivaron el género del retrato al mismo tiempo que, con gran versatilidad, realizaron pinturas de historia y asunto literario o escenas costumbristas, como ocurre con Moreno Carbonero, López Mezquita o Caprotti.
El bloque ‘Aires de renovación’ incluye artistas en quienes se advierte un estilo y una actitud más moderna y desenfadada, ajena tanto a las normas académicas como a la temática castiza. Sus obras viran hacia otros asuntos y estilos más definitorios del siglo XX, llegando en algunos casos, como Maruja Mallo y Jorge Oteiza, a transitar el terreno de la vanguardia.
La exposición concluye con un grupo de imágenes tomadas durante la guerra civil española y la primera década posterior, hasta llegar aproximadamente a la mitad del siglo. Durante la guerra vemos cómo se producía el arte de agitación, en el que la autoría quedaba supeditada al mensaje. Y la realidad paralela, de simulación de ausencia del drama en el estudio de Metallo.
Las fotografías de posguerra nos muestran la vuelta a la ‘normalidad’, alternándose ejemplos del arte oficial y conmemorativo de la dictadura franquista, de la pintura norteafricana, el retrato burgués y militar, el retrato de la alta sociedad y, por último, el incipiente resurgir de una cierta modernidad visible en el estudio de Javier Clavo, con su pintura reminiscente de Picasso o Antoni Clavé.


Imagen:
BERUETE, Aureliano de (Madrid, 1845 - 1912) El pintor y su familia en su estudio Foto: Mariano Moreno, ca. 1901. Archivo Moreno Nº 01307_D © Fototeca del Instituto del Patrimonio Cultural de España, Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.


Frida Kahlo: Making Her Self Up
Lugar:
Victoria and Albert Museum
Dirección:
Cromwell Rd, Knightsbridge, London SW7 2RL, Reino Unido.
Fecha:
Desde el 16 junio hasta el 4 noviembre de 2018


Cartel de la muestraCompuesta por más de 200 objetos de la Casa Azul, entre vestidos, joyas, cartas, pinturas, fotos familiares, maquillaje, medicamentos, sus corsés médicos o la pierna protética. Esta muestra explora como nunca antes esa doble dimensión, icónica y doliente, de la artista que se inventó a sí misma, fiel al lema que inspiró su vida y obra: "Yo soy mi propia musa, el tema que conozco mejor".
"Una de cada tres obras de Frida Kahlo fue un autorretrato", recuerda Circe Henestrosa, comisaria de la exposición junto a Claire Wilcox. "Y la imagen que nos dejó fue la que quería que recordáramos, maquillada para la ocasión, vestida de sus mejores galas, librando su pulso oculto contra el dolor e irradiando una extraña belleza interior".
Frida en la frontera mexicano-estadounidense. Frida en la línea del cielo de Manhattan. Frida rodeada de sus queridos monos araña. Frida con el busto desnudo y con una columna que se desmorona en su interior. Frida vestida con un traje de tehuana, con Diego Rivera creciéndole obsesivamente en el entrecejo, años después de su separación...
Las obras de Kahlo se alternan con los objetos que aderezaron su vida, exhibidos casi como exvotos y marcando el camino hacia al altar. El más sorprendente de todos es sin duda la pierna ortopédica que le hicieron a Frida en 1953, cuando tuvieron que amputarle a la altura de la rodilla. La pierna prostética está rematada por una bota de cuero rabiosamente rojo, a modo de impostura. "¿Para qué quiero pies si tengo alas?".
Las obras de Kahlo se intercalan con los objetos que jalonaron su vida, hasta llegar a sus 22 trajes de tehuana, los rebozos, los huipiles y el "resplandor" con el que culmina la exposición, junto a un último autorretrato doliente, fechado en 1948, en el que Frida se imagina a sí misma como una Virgen de las Lágrimas.


Imagen:
Cartel de la muestra.


Olam Haba the world to come
Lugar:
Centro Sefarad-Israel
Dirección:
Calle Mayor, 69, Madrid, España.
Fecha:
Desde el 13 de julio hasta el 18 de octubre de 2018


Cartel de la muestraEsta muestra guiará al visitante por un recorrido a través de las corrientes de la identidad cultural judía actual en Londres. Más de cincuenta fotografías, videoinstalaciones, dibujos y esculturas componen la exposición, que lleva por título Olam Haba, cuyo significado es “el mundo por venir”.
Durante el recorrido, su creador Daniel Solomons analiza aspectos tales como la desaparición de comunidades enteras de judíos en la capital londinense, el esfuerzo por la integración y supervivencia de muchas otras, o la ausencia y presencia de diferentes identidades como consecuencia de ambos fenómenos.
La muestra se completa con dos documentales en los que se narran dos casos reales de judíos que abandonaron comunidades ultra ortodoxas con el objetivo de buscar su propia identidad judía. El primer caso es el de Emily, una mujer que abandona la comunidad jaredí, y el segundo de un rabino gay que deja la comunidad ultraortodoxa de Lubavitch.
Esa tradición milenaria de respeto por la vida, por la mente, de infinito respeto por el libro, por el texto y por las artes. Un pueblo tan pequeño en número, que ha estado a punto de desaparecer varias veces a lo largo de la historia, este pueblo, tan odiado, tan temido, tan perseguido, todavía está aquí. La identidad étnica e histórica de los judíos ha perdurado durante más de 5.000 años…y eso, es mucho tiempo.


Imagen:
Cartel de la muestra.


La estampa ilustrada en Málaga. La obra del grabador F. de la Torre
Lugar:
Museo del Patrimonio Municipal (MUPAM)
Dirección:
Paseo Reding, 1 Málaga, España.
Fecha:
Desde el 8 de junio hasta el 30 de septiembre de 2018


Cartel de la muestraLa muestra reúne por primera vez cuarenta estampas, la práctica totalidad de las obras conocidas de Francisco de la Torre, un dibujante y grabador malagueño de finales del XVIII.
Pone en valor la figura de este artista que practicó la técnica calcográfica. Su obra, hasta ahora desconocida, tuvo una vocación práctica y utilitaria.
A través de estas imágenes, donde pueden verse diversas perspectivas, puede, no sólo admirase sus creaciones por su valor estético y artístico. Si no que además es posible hacerse una idea de la Málaga de finales del siglo XVIII, una ciudad dinámica, en crecimiento e inmersa en iniciativas reformistas de todo tipo.
Esta exposición ha sido posible gracias a la colaboración de archivos y coleccionistas que han prestado piezas desde diferentes lugares lo que demuestra el éxito y la difusión de la obra de este artista que llegó a cruzar el Atlántico hasta la entonces América española.


Imagen:
Cartel de la muestra.


Ignacio Zuloaga. Carácter y emoción
Lugar:
Centro Cultural Bancaja
Dirección:
Plaza de Tetuán, 23, Valencia, España.
Fecha:
Desde el 13 de abril hasta el 26 de agosto de 2018


Ignacio Zuloaga, Retrato de la Señora de Garay (Esther Rodríguez Bauzá), óleo sobre lienzo, 158 x 190 cm.Una exposición, comisariada por Sofía Barrón y Carlos Alonso, en la que puede verse a un Ignacio Zuloaga (1870 - 1945) "muy desconocido", con obras inéditas de colecciones privadas que hasta ahora no se habían expuesto, y que muestran la evolución de un pintor para el que el arte era "emoción por encima de todo".
A través de 66 lienzos, una veintena de ellos inéditos, y gracias a la colaboración de 29 prestadores, podemos ver la trayectoria de este pintor clave de finales del siglo XIX y principios del XX, desde que con 18 años llegara a París para formarse hasta su fallecimiento en 1945.
El Zuloaga más icónico, con su pintura de fuerza, de luz disociada y fondos de tormenta, se muestra en esta exposición junto al pintor más íntimo y más sutil, que retrató a su familia y a sus amigos de la Generación del 98, como Manuel de Falla, Azorín o José Ortega y Gasset.
Escenas de la España negra reflejadas por un pintor que era defensor de los gitanos y hablaba caló, al que le gustaban el flamenco y los toros y llegó a torear como semiprofesional, se unen a obras que reflejan su admiración por Velázquez, Goya o El Greco, y también a retratos oficiales de burgueses y aristócratas.
Entre las obras inéditas, figura un retrato de Azorín pensando en España, que desde que lo pintó Zuloaga en 1941 no se ha había expuesto; el de Leonor Servera, esposa de Juan March, perteneciente a la Fundación March; o los retratos de la Señora de Areilza o de la señora de Garay.


Imagen:
Ignacio Zuloaga, Retrato de la Señora de Garay (Esther Rodríguez Bauzá), óleo sobre lienzo, 158 x 190 cm.


Cosmos
Lugar:
Biblioteca Nacional de España (BNE)
Dirección:
Pº de Recoletos 20-22 28071 Madrid, España.
Fecha:
Desde el 19 de marzo hasta el 9 de septiembre de 2018


Protección metálica de la cabeza del caballo Sforza en Codex Madrid II de Leonardo da Vinci XV-XVI, MSS/8936, BNECon una visión sobre el contenido del Universo y los sistemas científicos elaborados a lo largo de la historia para conocerlo y comprenderlo se presenta la exposición comisariada por Don José Manuel Sánchez Ron. La muestra está compuesta por más de 200 piezas entre manuscritos, incunables, primeras ediciones, cuadros, tapices, mapas, maquetas, esferas y todo tipo de objetos e instrumentos tecnológicos. Entre las que figuran las obras más destacadas de la historia de la ciencia (Euclides, Arquímedes, Ptolomeo, Copérnico, Vesalio, Kepler, Galileo, Newton, Lyell, Darwin, Maxwell…), en su mayoría, primeras ediciones.
Caben destacar los Cuadernos de Leonardo, los cuadros del Museo del Prado, el gran tapiz, “Hércules sostiene la esfera terrestre”, manufactura bruselense, de Patrimonio Nacional, la fenomenal maqueta del Telescopio Herschel que Carlos III encargó para el Observatorio Astronómico de Madrid, el “Arca matemática”, un arcón de instrumentos matemáticos de Carlos II (1675), dos esferas armilares, una geocéntrica y otra heliocéntrica, las maquetas de barcos del Museo Naval y las de aviones del Museo de Aeronáutica y Astronáutica, el modelo (de gran dimensión) de la máquina de vapor "Lady Pamela", los bellísimos mapas antiguos o los ejemplares botánicos y zoológicos del Jardín Botánico y el Museo de Ciencias Naturales.
“Cosmos” trata de presentar la Naturaleza a través de cuatro grandes apartados: “Universo”, “Tierra”, “Vida: Flora y fauna” (incluyendo “Homínidos y homo sapiens”) junto a los productos más distinguidos de la acción humana para comprender y dominar esa Naturaleza, “Ciencia y Tecnología”, con el claro propósito de educar en el conocimiento científico de la Naturaleza, del Cosmos.


Imagen:
Protección metálica de la cabeza del caballo Sforza en Codex Madrid II de Leonardo da Vinci XV-XVI, MSS/8936, BNE.



...y además


Constantin Brancusi Sculpture
Desde el 22 de julio de 2018 hasta el 18 de febrero de 2019
https:/www.moma.org


On the Ropes: Vintage Boxing Cards from the Jefferson R. Burdick Collection
Desde el 2 de julio hasta el 21 de octubre de 2018
https://www.metmuseum.org


Miguel Fleta. El hombre y el mito
Desde el 16 de mayo hasta el 14 de octubre de 2018
http://www.iaacc.es


Leonora Carrington. Cuentos mágicos
Desde el 21 de abril hasta el 23 de septiembre 2018
http://www.museoartemoderno.com

El Gran Río. Resistencia, rebeldía, rebelión, revolución
Desde el 26 de febrero hasta el 26 de agosto de 2018
https://www.circulobellasartes.com

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