AGENDA
DE EXPOSICIONES
Equilibrio
múltiple. Eduardo Terrazas. Obras y proyectos (1968-2023)
Lugar:
Museo del Palacio de Bellas Artes
Dirección: Av. Juárez S/N,
Centro Histórico de la Cdad. de México, Centro, Cuauhtémoc,
México.
Fecha: Desde el 8 de junio hasta el 8 de
octubre de 2023
La
muestra reúne 144 piezas del artista mexicano Eduardo Terrazas
(Guadalajara, 1936). Se trata de una retrospectiva que incluye obras
desde los años sesenta hasta la actualidad. La exposición,
comisariada por Daniel Garza Usabiaga, está dividida en cuatro
núcleos temáticos, en los que se pueden ver intervenciones
urbanas, pintura y piezas bidimensionales producidas con hebra de lana.
La primera sección, “Entornos urbanos”, muestra obras
no pictóricas como proyectos de diseño urbano, ensambles
de objetos, fotografías y una escultura neumática-inflable.
“Tablas”, la segunda sección retoma el título
de la primera exposición de Terrazas en el Palacio de Bellas
Artes en 1972. La tercera sección, “Posibilidades de una
estructura”, centra su atención en su serie homónima,
la más extensa y ambiciosa de su trayectoria. Desde el comienzo
de los años setenta, Terrazas buscó un diseño sintético
e icónico para desarrollar una serie de obras que tituló
Posibilidades de una estructura. En la última sección,
“Todo depende de todos”, se presentan proyectos pictóricos
y no pictóricos, donde la práctica artística se
involucra con el campo de la economía y la estadística.
Las obras provienen de distintos acervos públicos y privados,
entre los que destacan el Museo de Arte Carrillo Gil, Museo de Arte
Moderno y Museo Tamayo, del Inbal; Museo Jumex; Museo Amparo; Museo
Universitario de Arte Contemporáneo, UNAM; Colección Femsa;
Fundación Espinosa Rú García; Galería Proyectos
Monclova; Estudio Eduardo Terrazas y más de 12 colecciones privadas.
Imagen:
Equilibrio múltiple. Eduardo Terrazas. Obras y proyectos (1968-2023).
Doris
Salcedo: "Palimpsesto"
Lugar:
Fundación Beyeler
Dirección: Baselstrasse 101, 4125
Basel, Suiza.
Fecha: Desde el 9 de octubre de 2022 hasta
el 17 de septiembre de 2023
Se
trata de una instalación a gran escala de la artista colombiana
de renombre internacional Doris Salcedo. Nacida en Bogotá en
1958, con sus objetos, esculturas y grandes intervenciones site-specific,
Salcedo aborda el ciclo siempre repetido de violencia, indignación,
recuerdo y olvido. Palimpsesto está dedicado a los refugiados
y migrantes que durante los últimos veinte años han muerto
intentando realizar peligrosos viajes por el Mediterráneo o el
Atlántico en busca de una vida mejor en Europa.
El título del proyecto expositivo deriva de la antigua palabra
griega Palimpsesto , que hace referencia a las páginas manuscritas
que fueron reutilizadas varias veces a lo largo de la antigüedad
y la Edad Media. Las huellas de las oraciones originales permanecieron
parcialmente visibles bajo la nueva escritura, lo que hizo posible la
transmisión de los textos antiguos en primer lugar. Palimpsesto
de Doris Salcedoes una instalación transitable de losas porosas
de color arena. La obra consta de dos ciclos superpuestos de nombres:
los nombres de quienes murieron durante un movimiento migratorio anterior
a 2010 se destacan en arena fina de colores contrastantes incrustados
en las losas de piedra; los nombres de los fallecidos entre 2011 y 2016
aparecen superpuestos como gotas de agua que se combinan para formar
letras antes de volver a filtrarse, en un ciclo constante de inscripción
y borrado. En la Fondation Beyeler, Palimpsest está instalado
en la galería más grande del museo. Se compone de 66 losas
de piedra colocadas en una superficie de unos 400 metros cuadrados,
en las que los visitantes pueden leer 171 de los 300 nombres en total.
Imagen:
Doris salcedo. Palimpsest.
Un
acto de ver que se despliega. Colección Susana y Ricardo Steinbruch
Lugar:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Dirección: Calle Santa Isabel, 52,
28012 Madrid, España.
Fecha: Desde el 11 de noviembre de 2022
hasta el 2 de octubre de 2023
La
exposición propone una aproximación a la Colección
Susana y Ricardo Steinbruch. Esta colección constituye un importante
acervo de diferentes temporalidades y geografías centrado, sobre
todo, en la contemporaneidad latinoamericana –especialmente brasileña–
y en las prácticas artísticas que tuvieron lugar en Europa
del Este durante la segunda mitad del siglo XX.
Las piezas seleccionadas para la exposición se articulan en torno
a la teoría de los gestos, acuñada por el pensador checobrasileño
Vilém Flusser. Para él, estos rituales de la percepción
–que pueden parecer mínimos y no responder a una causalidad
determinada– no solo posibilitan nuestro propio reconocimiento
estético y afectivo, sino que también están en
la base de una cartografía de relaciones y cruces que une artistas
en apariencia dispares.
Así, de manera dialógica y lejos de una visión
lineal, se propone un recorrido que comienza con un proyecto específico
de Fernanda Gomes y que transita desde los movimientos antiarte de la
antigua Yugoslavia, al neoconcretismo o las respuestas artísticas
que suscitaron en los citados contextos los acontecimientos políticos
de las décadas de 1960 y 1970. De la misma forma, también
se dedica un ámbito a Mira Schendel y se exploran otro tipo de
uniones, como las que atraviesan la idea de territorio o se instalan
en la experimentación con y desde el lenguaje.
Imagen:
Vista de la exposición Un acto de ver que se despliega. Colección
Susana y Ricardo Steinbruch,.
Obras
maestras españolas de la Frick Collection
Lugar:
Museo Nacional del Prado
Dirección: Paseo del Prado s/n. Madrid,
España.
Fecha: Desde el 7 de marzo hasta el 2 de
julio de 2023
La
exposición compuesta por nueve lienzos de Velázquez, el
Greco, Murillo y Goya, comisariada por Javier Portús, jefe de
Conservación de Pintura Española hasta 1800 en el Prado,
ha sido posible gracias a las obras de renovación que están
teniendo lugar en la sede de The Frick Collection de Nueva York, lo
que ha permitido que algunas de sus pinturas visiten otras instituciones
museísticas internacionales. En concreto se trata de tres cuadros
del Greco, cuatro de Goya, uno de Velázquez y otro de Murillo,
la gran mayoría de los cuales no han podido verse en España
desde hace más de un siglo. Todas ellas son obras que permiten
establecer relaciones estrechas con algunas piezas importantes de los
fondos del Prado y convertir esta muestra en una ocasión única.
Entre ellas figuran obras realmente singulares dentro del catálogo
de sus autores: ‘Vincenzo Anastagi ‘es el único retrato
del Greco que representa al modelo de tamaño natural, de cuerpo
entero y de pie; ‘Felipe IV en Frag’a se distingue de entre
los retratos de este rey por Velázquez por su espléndida
combinación cromática de plata y carmín, y en ‘La
fragua’ un Goya de edad ya avanzada da pruebas de su voluntad
y capacidad para hacer de una escena cotidiana un cuadro monumental,
en el que el cromatismo queda reducido al máximo y el espacio
lo crean los cuerpos y movimientos de los herreros.
La identidad de los artistas y la calidad de las obras invitaban a «naturalizar»
estas en la colección del Prado, propiciando un diálogo
con cuadros de estos mismos autores. Para ello se han reunido en la
misma sala cinco pinturas directamente relacionadas con otras tantas
de la Frick. Así, junto a ‘San Jerónimo’ del
Greco se ha dispuesto ‘ Retrato de médico’, que es
su contrapartida en términos de retrato civil y de gama cromática
gris; mientras que junto a ‘La expulsión de los mercaderes’,
de este mismo pintor, se sitúa ‘La Anunciación’
del Prado, pues ambas muestran un uso equiparable de los recursos arquitectónicos
para resolver la fuga espacial, permitiendo a ambas escenas «respirar».
En el caso de Velázquez, el ‘Felipe IV en Fraga’
fue realizado en la misma época, el mismo lugar y con la misma
tela que ‘El primo’. Verlos juntos permite no solo comprobar
cómo Velázquez supo jugar como nadie con los tonos encarnados,
sino también ver hasta qué punto a través de la
pose, la expresión facial o incluso la factura pictórica
se hacían distinciones entre un monarca y su bufón. De
su contemporáneo Murillo llega un ‘Autorretrato’
inscrito en un marco ovalado y pétreo, según una tipología
muy característica del pintor, y que es común a ‘Nicolás
Omazur’, del Prado, junto con el que se expone. También
se muestran conjuntamente el ‘Retrato de mujer’ (¿María
Martínez de Puga?) firmado por Goya en 1824, y el retrato de
‘Juan Bautista Muguiro’ que este mismo artista realizó
en 1827, lo que permite entender el elevado grado de calidad que mantuvo
el pintor en sus últimos retratos, y la originalidad del planteamiento
pictórico que los singularizan.
Imagen:
El Greco, Vincenzo Anastagi, Óleo sobre lienzo, 188
x 126,7 cm., ca. 1575, The Frick Collection, New York. Foto © Michael
Bodycomb.
Maria
Bartuszová
Lugar:
Tate Modern
Dirección: Bankside, London SE1 9TG,
Reino Unido.
Fecha: Desde el 11 febrero hasta el 25 junio
de 2023
La
muestra reúne muchas obras que rara vez se han exhibido antes
en el Reino Unido, en ella se observan las esculturas abstractas de
la artista eslovaca nacida en Praga Maria Bartuszová.
Bartuszová trabajó durante tres décadas en Košice,
la segunda ciudad más grande de Eslovaquia. Creó alrededor
de 500 esculturas, desde pequeñas formas orgánicas hasta
encargos para espacios públicos y obras en el paisaje, a pesar
de las restricciones en su vida artística durante este período.
La exposición comienza en la década de 1960, cuando Bartuszová
experimentó con su propio método distintivo de vaciar
yeso a mano. Inspirada por jugar con su pequeña hija, creó
formas abstractas vertiendo yeso en globos de goma; su material característico
era el yeso blanco, lo que le daba a las esculturas una calidad frágil.
Dio forma a las esculturas empujándolas, jalándolas o
sumergiéndolas en agua, creando formas únicas y distintas.
Algunos sugieren gotas de lluvia, semillas o huevos, otros el cuerpo
humano. Posteriormente, dejaba reventar los globos, creando delicadas
obras similares a capullos o nidos.
En la década de 1980, Bartuszová fotografió con
frecuencia sus obras al aire libre para enfatizar sus estrechos vínculos
con la naturaleza. La exposición también incluirá
una selección de estas impactantes imágenes.
Imagen:
Maria Bartuszová, Sin título 1985, Tate, presentado por
el patrimonio de Maria Bartuszová y Alison Jacques, Londres,
2018 © The Archive of Maria Bartuszová, Košice. Cortesía
de The Estate of Maria Bartuszová, Košice y Alison Jacques,
Londres.
Richard
Avedon: MURALES
Lugar:
MET Museum
Dirección: 1000 Quinta Avenida, Nueva
York, NY 10028. EE.UU.
Fecha: Desde el 19 de enero hasta el 1 de
octubre de 2023
La
exposición, que ha sido posible gracias a Joyce Frank Menschel,
rastrea el enfoque evolutivo de Richard Avedon hacia el retrato grupal,
a través del cual transformó las convenciones del género.
En 1969, Richard Avedon se encontraba en una encrucijada. Después
de una pausa de cinco años, el fotógrafo comenzó
a hacer retratos nuevamente, esta vez con una nueva cámara y
un nuevo sentido de la escala. Al cambiar su Rolleiflex de mano por
un dispositivo más grande montado en un trípode, reinventó
la dinámica de su estudio. En lugar de bailar alrededor de sus
sujetos detrás de un visor, como lo había hecho en sus
animadas fotografías de moda, ahora podía pararse junto
a una cámara estacionaria y mirarlos de frente. Enfrentando a
grupos de los artistas, activistas y políticos más destacados
de la época, realizó enormes retratos fotográficos,
acordes con su enorme influencia cultural. En el centenario del nacimiento
del fotógrafo Richard Avedon: MURALESreunirá tres de estas
obras monumentales, algunas de hasta 35 pies de ancho. Para Avedon,
los murales ampliaron las posibilidades artísticas de la fotografía,
reorientando radicalmente a los espectadores y sujetos en una visión
subsumida y más grande que la vida.
Los murales son retratos de sociedad. En ellos, Avedon reúne
a gigantes de finales del siglo XX —miembros de la Fábrica
de Andy Warhol, arquitectos de la guerra de Vietnam y manifestantes
contra esa guerra— que juntos dieron forma a una era extraordinariamente
turbulenta de la vida estadounidense. Presentados en una galería,
sus enormes retratos escenificarán una conversación improbable
entre campos históricamente opuestos, así como espectadores
contemporáneos. Las innovaciones formales del alto estilo de
Avedon, de cuerpos severamente iluminados en un implacable entorno blanco,
se realizan mejor en estas obras, donde los sujetos se empujan y abarrotan
el marco, y los vacíos brillantes entre ellos crepitan con tensión.
Imagen:
Marquesina: Richard Avedon (estadounidense, 1923–2004). Andy Warhol
y miembros de The Factory, Nueva York, 30 de octubre de 1969. Impresión
en gelatina de plata, 8 × 10 pulg. (20,3 × 25,4 cm). Colección
de la Fundación Richard Avedon © Fundación Richard
Avedon.
...y además
Margarita Azurdia. Margarita Rita Rica Dinamita
Desde el 24 de noviembre de 2022 hasta el 17 de abril de 2023
https://www.museoreinasofia.es
Gala Porras-Kim. Vistas más allá de la tumba
Desde el 09 de marzo hasta el 03 de septiembre de 2023
http://www.caac.es
Manolo Quejido. Distancia sin medida
Desde el 21 de octubre de 2022 hasta el 16 de mayo de 2023
https://www.museoreinasofia.es
Álbum
de Nueva York de Berenice Abbott, 1929
Desde el 2 demarzo hasta el 4 de septiembre de 2023
https://www.metmuseum.org
