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AGENDA DE EXPOSICIONES

Jorge Represa. Mi lugar en cualquier lugar
Lugar:
Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente
Dirección:
Plazuela de las Bellas Artes s/n. Segovia, España.
Fecha:
Desde el 27 de junio de 2019 hasta el 12 de enero de 2020


Homeless, East Village, New York City, EE.UU. 2016. Archivo digital. © Jorge RepresaLa muestra reúne un total de 76 fotografías que se articulan a partir de una columna vertebral, una suerte de “Diario Visual”, que comienza en el año 2004 con Valsaín, Segovia, como principal testigo, y que supone un cambio fundamental en su carrera. Durante un año y medio Jorge Represa emprende su viaje, íntimo y personal, hacia un tipo de fotografía que se nutre del “alma” del lugar y del momento vivido. Observa la realidad, la interioriza y la captura en un ejercicio de depuración. Comienza el relato de su propia vida a través de fotografías donde nos muestra a su familia, el paisaje que le rodea, la fauna que la habita. En los últimos años se ha centrado en retratar el esplendor del paisaje de Cantabria a través de unas fotografías sugestivas y líricas en las que la frondosa vegetación o el bravío mar, entran en pugna con el desierto castellano. Estas imágenes no pretenden una descripción real del paisaje, por lo que están ejecutadas en una clave subjetiva que las sitúa en el límite de lo real.
Su formación, autodidacta, se debe al estudio en profundidad de los grandes fotógrafos de la historia como Edward Weston, Weegee, Larry Towell, Cartier Bresson, Winogrand, etc. De ellos aprende el lenguaje fotográfico, los recursos compositivos y, sobre todo, lo que se ha convertido en su principal motor creativo: la búsqueda de la esencia.
Lisette Model decía: “hay que fotografiar con las tripas”, es decir, desde el sentimiento y la pasión, y esto es lo que vemos en las fotografías realizadas por Represa a partir de 2008, cuando comienza a viajar y “retratar” ciudades de una manera poco convencional, alejado de tópicos y típicas imágenes. Se preocupa en buscar la fisonomía escondida, el alma, aquello que late en el interior de grandes y pequeñas urbes y que se proyecta, de forma natural, en sus habitantes. Esta interpretación poética nos permite un análisis descontextualizado de ciudades como Venecia, Roma, Nueva York, Londres, La Habana o Buenos Aires, lo que nos lleva a mostrar las instantáneas de estas ciudades de forma conjunta, como si de una secuencia se tratara, primando el conjunto frente a la individualidad.
A la manera de los fotógrafos de los que aprendió, y con la cámara como único equipaje, deambula por las calles, como un habitante más, intentado pasar desapercibido, sin alterar el orden y el ritmo habitual de las personas que, sin pretenderlo, se convierten en los protagonistas de la escena.
Lo que interesa es buscar la singularidad dentro de la cotidianidad, transforma la realidad en fantasía, y nos revela una refinada imagen construida desde la belleza. Su contemplación no solo enriquece la vista, sino también el pensamiento.
Cerrando la muestra, un guiño a la que fue la actividad habitual del artista entre finales de los 80 y 2004: el retrato de famosos. Mostramos una selección pequeña en la que personajes procedentes del mundo del cine, la música, la danza, o la literatura.

Imagen:
Homeless, East Village, New York City, EE.UU. 2016. Archivo digital. © Jorge Represa.


Picasso. Le Chant des morts y el género de la vánitas
Lugar:
Fundación Picasso, Museo Casa Natal
Dirección:
Plaza de la Merced, 15. Málaga, España.
Fecha:
Desde el 4 de julio hasta el 13 de octubre de 2019


Le chant des morts, páginas 2 y 3, 407 x 307 cm., enero de 1946-marzo de 1948, aguafuerte en rojo y litografías en rojo y negro sobre planchas de zinc, 403 x 252 mm. Todas las obras de Pablo Picasso y todas las imágenes, cortesía de la Fundación Museo Casa Natal de MálagaLa muestra propone un recorrido por las ilustraciones realizadas por Picasso para el libro de poemas Le Chant des morts (El Canto de los muertos) de Pierre Reverdy en relación con otras obras antiguas y contemporáneas que ahondan en el concepto tradicional de la vánitas. A lo largo de la historia y en la cultura occidental existe un componente moralista y pesimista que plasmó sus consejos y enseñanzas en el género llamado vanitas adoptando la advertencia bíblica que se resumía en la cita en latín vanitas vanitatum et omnia vanitas (vanidad de vanidades y todo es vanidad).
Esa corriente de pensamiento y creación artística renació en los momentos de mayores calamidades colectivas, como la epidemia de la Peste Negra en la Edad Media; la Guerra de los 30 años, coincidiendo con el Barroco; la Guerra de la Independencia, coincidiendo con los inicios del Romanticismo; o la Segunda Guerra Mundial, coincidiendo con las vanguardias. Es ahí, entonces, cuando el poeta francés Pierre Reverdy escribe entre 1945 y 1948 en la abadía benedictina de Solesmes, a la que se retiró en 1926, 43 poemas lúgubres que buscaban devolver la voz y el alma a los difuntos.
Picasso ilustró aquel libro con 125 litografías en rojo, que a la vez querían ser un alfabeto imaginario y un despliegue de huesos recorriendo las páginas. Esta exposición recorre ese espíritu desde el siglo XV al siglo XXI, con obras de la Biblioteca Nacional de España seleccionadas por el comisario Carlos Alberdi, y de los fondos de la Fundación Picasso Museo Casa Natal, contando con la colaboración de la Obra Social La Caixa.

Algunas de las obras que pueden verse en estas salas son: un aguafuerte español anónimo fechado en 1454 con un título rotundo y revelador, La muerte asaeteando al género humano; Apocalipsis cum figuris y El caballero, la muerte y el diablo, xilografía y buril fechados entre 1511 y 1531de Alberto Durero; Entierro de Cristo de Il Parmigianino, El descendimiento a la luz de la antorcha de Rembrandt; El agarrotado de Goya; El ahorcado de Mariano Fortuny; Poems 7 de Tàpies; Torquemada de Manolo Millares, además de aguafuertes y serigrafías de Brinkmann, José Hernández, Javier de Juan y Miguel Villarino.
Estos trazos, entre letras de un nuevo alfabeto y una suerte de huesos que recorren las páginas del poemario, se muestran en conexión con otra veintena de grabados, seis de ellos del propio Picasso. Burdel. Charlatanas, con loro, Celestina y retrato de Degas, realizado en Mougins en 1971, Jarrón negro con calavera, fechado en 1946, La mesa con pescados, El bogavante, Naturaleza muerta con florero y Figura son sus otros títulos, todos ellos de finales de los años 40.

Imagen:
Le chant des morts, páginas 2 y 3, 407 x 307 cm., enero de 1946-marzo de 1948, aguafuerte en rojo y litografías en rojo y negro sobre planchas de zinc, 403 x 252 mm. Todas las obras de Pablo Picasso y todas las imágenes, cortesía de la Fundación Museo Casa Natal de Málaga.


Max Ernst: Historia natural
Lugar:
Museo Carmen Thyssen Málaga
Dirección:
C/Compañía nº 10. 29008. Málaga, España.
Fecha:
Desde el 14 de junio hasta el 13 de octubre de 2019


Max Ernst, Los rayos adolescentes, 1926. Lámina XXIV de la serie Historia natural. Colección José María Jiménez-Alfaro © Max Ernst, VEGAP, Málaga, 2019La muestra está compuesta por las 34 estampas recogidas en el portfolio ‘Historia natural’ de Max Ernst (1926), publicado por la galerista Jeanne Bucher en París. Un ejemplo extraordinario de la técnica del frottage, inventada por Ernst en el verano de 1925 y que en su exploración 'más allá de la pintura', como el propio artista la definió, le permitió componer dibujos de manera azarosa e inesperada al frotar un lápiz sobre un papel dispuesto sobre materiales con texturas diversas. Las imágenes resultantes, fortuitas y sorprendentes, convertían al artista, decía Ernst, ya no en creador, sino en mero observador del resultado obtenido de manera automática, invocando así la forma de creación inconsciente e irracional defendida por el movimiento surrealista.
Con esta exposición, que cuenta con la colaboración de la Fundación Juan March y el patrocinio de Fundación Cajasol, el público tendrá la oportunidad de aproximarse al surrealismo de los años 20 a través de unas obras que, aplicando la citada técnica del frottage sobre diversas superficies (tablones de un suelo de madera, cordeles, malla metálica, papel arrugado, corteza de pan, etc.), muestran imágenes con la falsa apariencia de ilustraciones de un tratado científico. El trabajo de Ernst sobre las sorprendentes texturas obtenidas de manera automática transforma el resultado en objetos, criaturas y paisajes extraños y fantásticos, fruto del subconsciente y no la razón, convirtiendo el libro en un inquietante repertorio de especies surrealistas, en la frontera entre la realidad y la imaginación
Se realizaron trescientos ejemplares de la tirada original, los dibujos originales de Ernst se reprodujeron con un proceso fotomecánico, la fototipia, el más utilizado hasta los años 30 del siglo XX, para su edición en un libro prologado por el escultor Jean Arp.


Imagen:
Max Ernst, Los rayos adolescentes, 1926. Lámina XXIV de la serie Historia natural. Colección José María Jiménez-Alfaro © Max Ernst, VEGAP, Málaga, 2019.


Caminanta. Lourdes Grobet
Lugar:
Museo Universitario del Chopo
Dirección:
C/ Dr. Enrique Gonzalez Martinez 10, Sta María la Ribera, 06400 Ciudad de México, México.
Fecha:
Desde 23 de mayo hasta el 28 de julio de 2019


Lourdes Grobet, "53 cuadras", 1985 detalle de la instalación que incluye  serie de 53 fotografíasLa frecuente deriva de Lourdes Grobet es el tema fundamental de la esta exposición integrada por fotografías, instalaciones, videoinstalaciones, libros de viaje y cine documental, que evidencian la necesaria movilidad de la artista para establecer un diálogo en diferentes direcciones: su propio desplazamiento físico para ejercer el poder de la mirada fotográfica; el correspondiente andar del público en relación con el acto de leer imágenes; el traslado en el lenguaje visual de la obra para desnudar las convenciones solemnes de la práctica fotográfica; la marcha conjunta de autora y público por las poéticas críticas del lenguaje visual; y su contexto como experiencia vital.
En la práctica artística de Grobet hay una conciencia lúdica y un aprendizaje que la han conducido a poner en tela de juicio el canon fotográfico y las artes visuales, distanciándose de normas y planteamientos anquilosados y solemnes. Este caminar por un lenguaje particular, el cual coincide con el tema de la exposición, la ha llevado por sitios que su mirada ha considerado importantes.
Caminanta no es una muestra retrospectiva, sino que está motivada por el rastreo de proyectos o series fotográficas cuya poética relacionada a la deriva hacen del desplazamiento una experiencia vital. Las fotografías que integran la muestra no se refieren a la lucha libre.
Una parte de la muestra es interactiva, los visitantes podrán desplazarse experimentando otros espacios. Los recursos audiovisuales y sonoros que utiliza la artista son parte de un lenguaje personal que ha construido para hablar del devenir del ser humano.


Imagen:
Lourdes Grobet, "53 cuadras", 1985 detalle de la instalación que incluye serie de 53 fotografías.


Picasso y la guerra
Lugar:
Musée de l’Armée
Dirección:
Hôtel national des Invalides 129, rue de Grenelle 75007 Paris, Francia.
Fecha:
Desde 8 de abril hasta el 28 de julio de 2019


Cartel de la muestraLa muestra comisariada por Laëtitia Desserrières, producida por el Musée de l'Armée y el Museo Nacional Picasso-París reúne medio millar de obras que ofrecen, quizá por vez primera, una visión global de las relaciones del genio malagueño y la guerra.
La exposición sigue tanto la progresión cronológica como la crono-temática. Las obras de Picasso y sus archivos personales, en toda su diversidad, interactúan con un conjunto de piezas y documentos contextuales (artículos de prensa, fotografías, objetos) que evocan la realidad y los modos de difusión de los conflictos contemporáneos de su producción.
Explora las diferentes formas en que la guerra nutre e influye en el trabajo de Picasso a lo largo de su carrera artística. Un hito conocido por todos en la producción del artista. “Guernica” abre el camino, a través de una reproducción a escala de la obra y constituye el punto de inflexión, ya que marca el comienzo del compromiso público del artista.
Junto a obras como "Masacre en Corea" (1951) o el retrato que dibujó en 1961 de la activista argelina Djamila Boupacha en plena guerra contra Francia, destacan sus múltiples ilustraciones de palomas, convertidas gracias a él en símbolos de la paz.
Se exponen también algunos de los dibujos que Picasso dejó a los 14 años en los márgenes de sus libros en clase, con soldaditos y caballos de uso militar.
La exhibición recoge también postales de apoyo a sus amigos soldados, incluido el casco con el que hirieron de muerte a Apollinaire en la trinchera, y agrupa las evidencias de la conciencia política que Picasso parecía mantener de los conflictos que lo rodeaban, como la Guerra de los Balcanes, cuyas noticias en los periódicos conformaron varios de sus "collages" en 1912.
En 1944 se adhirió al Partido Comunista, convencido de que había sido este quien con más méritos combatió el fascismo en la Segunda Guerra Mundial. A partir de entonces, numerosas asociaciones y movimientos pacifistas reclamaron su presencia en congresos y conferencias, que en muchos casos iban acompañadas de carteles y postales creados por él. Es por ello por lo que su arte quedó asociado a las principales campañas por la paz de la segunda mitad del siglo XX.
Cierra la retrospectiva un lienzo de 1972, meses antes de su muerte, en la que los expertos creen ver un niño que recibe el testigo de Picasso, autorretratado como mosquetero, figura inspirada por Velázquez y Rembrandt con la que él solía pintarse.


Imagen:
Cartel de la muestra.


Prada Poole: La arquitectura perecedera de las pompas de jabón
Lugar:
Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC)
Dirección:
Camino de los Descubrimientos, s/n. Sevilla, España.
Fecha:
Desde el 29 de marzo hasta el 1 de septiembre de 2019


nterior de la Pista de Patinaje sobre Hielo de Sevilla (Hielotrón), 1975La muestra, comisariada por Antonio Cobo y coproducida por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) y el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), exhibe el trabajo del arquitecto José Miguel de Prada Poole, ganador del Premio Nacional de Arquitectura en 1975. Cree que la arquitectura debe tener fecha de caducidad. Defiende lo efímero, lo perecedero, "lo que no deja huella". Fue protagonista de dos de los acontecimientos artísticos más importantes del arte español de la segunda mitad del siglo XX: el Centro de Cálculo y los Encuentros de Pamplona.
La exposición presenta los grandes temas de la obra del arquitecto a través de los proyectos neumáticos que configuran el periodo (1968-1973), entre los que se incluye el “Hielotrón “(la pista de patinaje sobre hielo de Sevilla), mientras que el resto de materias y proyectos se irán vinculando a estos, abarcando un periodo más amplio, desde sus primeros proyectos académicos (1962) hasta algunas de sus propuestas más recientes como el proyecto para la 3D City de 2005.


Imagen:
Interior de la Pista de Patinaje sobre Hielo de Sevilla (Hielotrón), 1975.

 



...y además



Dibujos de Alenza: escenas, costumbres y peligros de Madrid
Desde el 10 de mayo hasta el 11 de agosto de 2019
https://www.museolazarogaldiano.es


Max de Esteban. 20 Red Lights
Desde el 28 de junio hasta el 29 de septiembre de 2019
http://cgac.xunta.gal


Nancy Spero: Paper Mirror
Desde el 31 de marzo hasta el 23 de junio de 2019
https://www.moma.org



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