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AGENDA DE EXPOSICIONES

Un arte propio: Convergencias entre México y Colombia
Lugar:
Museo de Arte Miguel Urrutia de Bogotá (MAMU)
Dirección:
Calle 11 #4-21, La Candelaria, Bogotá, Cundinamarca, Colombia.
Fecha:
Desde el 7 de diciembre de 2018 hasta el 18 de febrero de 2019


Manuel Rodríguez Lozano (México), El rebozo blanco, 1943. Colección FEMSA.La muestra reúne 90 piezas de la Colección de Arte del Banco de la República y la Colección FEMSA a través de las cuales se ilustra algunas corrientes artísticas, como el muralismo, cuya influencia se extendió a lo largo de toda América Latina.
La relación cultural entre México y Colombia se recuerda sobre todo por la decisión de colombianos como Gabriel García Márquez, Fernando Vallejo o Álvaro Mutis de vivir en ese país. Pero la exposición enseña que estos países están unidos por otras razones.
La exposición incluye obras de los mexicanos Diego Rivera, Frida Kahlo, Remedios Varo, Rufino Tamayo y Dr. Atl (Gerardo Murillo), entre otros. Y de los colombianos Pedro Nel Gómez, Débora Arango, Rómulo Roso, Andrés de Santa María y Fernando Botero, por mencionar algunos. En total, habrá 45 piezas de artistas colombianos y 45 de mexicanos.
La idea es mostrar un panorama de manifestaciones artísticas paralelas, así que las obras de ambos países se ubican en el mismo espacio, sin restricciones geográficas. Por ejemplo, la pieza Mi vestido cuelga aquí, de Kahlo, está junto a una obra de Débora Arango. Según Cristian Padilla Peñuela, uno de los comisarios, la ubicación permite un diálogo de dos de las artistas más transgresoras y críticas de la región.
El paralelo entre el arte de ambos países se evidencia especialmente con los cinco núcleos temáticos en los que se dividen las obras. Cada uno representa algún punto de encuentro, ya sea temático, o de estilo, entre las obras. El primero es “La experiencia europea”, que recoge piezas de ambos países muy marcadas aún por tendencias internacionales.
El segundo núcleo, “Hacia un arte propio: el hombre y la tierra”, muestra artistas que retomaron sus raíces y construyeron una nueva forma de expresión artística, propia de Latinoamérica.
“Onírico e irónico: del surrealismo a un realismo mágico” explora la manera en la que la realidad se unió con la ficción en ambos países. Aquí se incluyen obras de Remedios Varo o Leonora Carrington. Aunque nacieron en Europa, llegaron a México y se quedaron. El resultado fue una influencia del surrealismo europeo con las tendencias latinoamericanas. Y, finalmente, está el núcleo “Hacia la abstracción de un arte propio y Una nueva figuración: el cuerpo transgredido”, mucho más enfocado en el arte contemporáneo.


Imagen:
Manuel Rodríguez Lozano (México), El rebozo blanco, 1943. Colección FEMSA..


GRUPO 13. Publicidad entre el arte y el diseño
Lugar:
Museo Nacional de Artes Decorativas
Dirección:
C/ Montalbán nº 12, 28014, Madrid, España.
Fecha:
Desde el 21 de noviembre de 2018 hasta el 31 de marzo de 2019


Anuncio de fijador-brillantina Patrico © CuestaMirar hacia la publicidad de la década de los años 60 en España implica hablar del Grupo 13. Fue en 1961, cuando un grupo de jóvenes diseñadores gráficos, unidos en Madrid bajo la denominación de Grupo 13, actuaron de un modo nada convencional con la intención de transgredir el lenguaje publicitario. Estos crearon muchas de las imágenes que nos acompañaron a través de los medios de comunicación de la época, en múltiples ámbitos del consumo en la vida cotidiana.
El Grupo 13 recibió la influencia del realismo norteamericano, del expresionismo subjetivista, del humorismo francés, del racionalismo estricto y matemático o de la combinación oportunista de todos ellos.
En un principio eran nueve, los miembros fundadores en 1961, pero serían 10 dibujantes y dos más años después. Su objetivo en aquel momento era la dignificación de la publicidad en la España post-autárquica desde la obligada neutralidad política.
Esta muestra, comisariada por Javier González Solas, nos ofrece una visión actual de este colectivo que nos permite comprender, desde la perspectiva del presente, el relevante valor de su aportación como mediadores entre el sector publicitario, el diseño de la comunicación y la creatividad artística. Nos hace un recorrido por la producción de todos los miembros que formaron parte de este fenómeno de la comunicación en España.


Imagen:
Anuncio de fijador-brillantina Patrico © Cuesta.


Murillo. IV Centenario
Lugar:
Museo de Bellas Artes de Sevilla (MBASE)
Dirección:
Plaza del Museo, 9, Sevilla, España.
Fecha:
Desde el 29 de noviembre de 2018 hasta el 17 de marzo de 2019


Bartomoné Esteban Murillo, Cuatro figuras en un escalón, 1655 h., óleo sobre lienzo, 110 x 143 cm., Kimbell Art MuseumSe trata de la primera muestra antológica dedicada al pintor sevillano Bartolomé Esteban Murillo en su ciudad natal. De esta manera Sevilla se ha sumado a la fiesta de la celebración de los 400 años del nacimiento del artista.
Comisariada por Ignacio Cano y Valme Muñoz, directora de la pinacoteca, la exposición está integrada por 55 lienzos, entre ellos tres del propio museo y otros procedentes de países como Inglaterra, Francia, Alemania, México o EEUU, prestados por colecciones privadas e instituciones, españolas y extranjeras, como la Tate Gallery de Londres, el Museo del Prado, el Louvre de París y el MET de Nueva York. Estas piezas se suman a las 17 de la exposición de los Capuchinos que aún puede verse en la Sala V del Museo, por lo que serán en total 72 obras.
La muestra establece una relación con otros espacios de la ciudad que albergan obras del maestro. El proyecto ofrece un discurso estructurado en torno a su diversidad temática, de lo popular a lo religioso, a fin de superar prejuicios como el de Murillo como pintor de Inmaculadas y descubrir al artista que introduce un tratamiento insólito de los temas tradicionales, simplificando las iconografías y ofreciendo una versión más intuitiva.


Imagen:
Bartomoné Esteban Murillo, Cuatro figuras en un escalón, 1655 h., óleo sobre lienzo, 110 x 143 cm., Kimbell Art Museum.


De Chillida a Guillén. Esta es la mano de tu amigo
Lugar:
Patio Herreriano
Dirección:
Calle Jorge Guillén, 6, 47003 Valladolid, España.
Fecha:
Desde el 6 de noviembre de 2018 hasta el 3 de marzo de 2019


Cartel de la muestraLa exposición recoge medio centenar de dibujos y esculturas de manos realizados por Chillida desde 1948. Los dibujos de manos le acompañaron a lo largo de toda su vida, fueron la primera intuición del escultor hacia el verdadero camino del arte, desde el momento en que descubrió que lo esencial en el dibujo no era la representación de la mano en sí misma, si no que la línea era la excusa para observar el espacio, la materia, los pliegues, el límite e incluso el concepto de concavidad, como la vida que Guillén cantó en los poemas con que se identificó el artista. La muestra se acompaña de material documental y de la serie de xilografías 'Más allá'.
Chillida conoció a Jorge Guillén en Harvard en 1971 cuando fue invitado como profesor para impartir clases durante un semestre. Allí nació una especial amistad entre escultor y poeta que dio sus frutos inicialmente bajo la publicación de un libro de artista. Más tarde las formas trascendieron los límites bidimensionales del papel para desarrollarse en una serie de esculturas tituladas Lo profundo es el aire.


Imagen:
Cartel de la muestra.


Roy Lichtenstein. Posters
Lugar:
Fundación Canal
Dirección:
144-146 New Bond St, Mayfair, London W1S 1SN, Reino Unido.
Fecha:
Desde el 4 de octubre de 2018 hasta el 5 de enero de 2019


I Love Liberty Poster, 1982 © Estate of Roy Lichtenstein, VEGAP, Madrid, 2018La exposición reúne un total de 76 carteles realizados entre 1962 y 1997, del que fue uno de los maestros del Pop Art mundial en un espacio que simula el ambiente urbano, y en el que las obras se encuentran fijadas en rejas y vallas propias de la calle.
El artista norteamericano se inspiró en la sociedad de consumo, la vida cotidiana y la cultura de masas y, para ello, utilizó la publicidad, el cine, los comics y las revistas populares. El precio de estos posters que pueden verse en esta muestra oscila entre los 200 euros hasta los 30.000 euros, siendo los más tempranos los más valiosos.
Gracias a sus carteles, repartidos por las vallas y las paredes de las calles de ciudades como Nueva York o París, fue posible que mucha gente pudiera disfrutar del arte sin tener que acudir a museos o galerías.
Durante el recorrido podemos ver 'Carteles para exposiciones en museos’, la primera parte de la muestra, y en ella se recoge más de una decena de posters diseñados por el artista con motivo de las exposiciones que le dedicaban museos como el Guggenheim de Nueva York o la Tate Gallery de Londres. 'Carteles para exposiciones en galerías de arte' incluye un grupo de posters que Lichtenstein creó para promocionar sus exposiciones en diferentes galerías. Carteles que hizo para dar a conocer diversas causas políticas y sociales entre las que se encuentran, dibujos en contra del Apartheid, apoyando alguna campaña de ONG, o apoyando la candidatura de algún senador. O 'Carteles para acontecimientos culturales', pósters que elaboró para dar a conocer eventos y celebraciones de todo tipo, desde aquellos relacionados con el mundo de la cultura y el espectáculo, hasta diferentes acontecimientos políticos.


Imagen:
I Love Liberty Poster, 1982 © Estate of Roy Lichtenstein, VEGAP, Madrid, 2018.


De Van Gogh a Picasso. El legado Thannhauser
Lugar:
Museo Guggenheim de Bilbao
Dirección:
Avenida Abandoibarra, 2 48009 Bilbao, España.
Fecha:
Desde el 21 de septiembre de 2018 hasta el 24 de marzo de 2019


Pablo Picasso, La mujer del pelo amarillo (Femme aux cheveux jaunes), París, diciembre de 1931, óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm., Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Thannhauser, Donación, Justin K. Thannhauser 78.2514.59, © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2018, Foto: © Solomon R. Guggenheim Foundation, Nueva York (SRGF)Esta muestra, llevada a cabo con el apoyo de la Fundación BBVA, y Comisariada por Megan Fontanella, supone la primera ocasión en la que una parte significativa de la célebre Colección Thannhauser se muestra fuera de Nueva York desde que ingresara en el Solomon R. Guggenheim Museum hace más de cincuenta años, y pone de relieve el legado de la familia Thannhauser y su papel en el fomento del arte de su época.
Se trata de casi cincuenta obras de grandes figuras del Impresionismo y del Posimpresionismo, así como de los primeros maestros modernos, como Paul Cézanne, Edgar Degas, Édouard Manet, Pablo Picasso y Vincent van Gogh.
Las obras de la Colección Thannhauser se centran en autores de la vanguardia que buscaron liberar el arte de los géneros y medios académicos de finales del siglo XIX. Estos autores exploraron los efectos cambiantes de los fenómenos naturales y cómo representar el espectáculo de la ciudad en transformación a comienzos del siglo XX, empleando recursos estilísticos, como la pincelada suelta, y prácticas innovadoras, como la fragmentación del plano pictórico.
Además de pinturas, esculturas y obras sobre papel, la muestra incluye material de archivo, como libros de inventario de la galería de Thannhauser o fotografías históricas, con el fin de documentar en profundidad el compromiso de esta familia con algunos de los artistas, coleccionistas y marchantes de su tiempo.


Imagen:
Pablo Picasso, La mujer del pelo amarillo (Femme aux cheveux jaunes), París, diciembre de 1931, óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm., Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Thannhauser, Donación, Justin K. Thannhauser 78.2514.59, © Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2018, Foto: © Solomon R. Guggenheim Foundation, Nueva York (SRGF).


Luigi Ghirri. El mapa y el territorio
Lugar:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Dirección:
Edificio Sabatini, 3ª Planta, España.
Fecha:
Desde el 26 de septiembre de 2018 hasta el 7 de enero de 2019


Luigi Ghirri. Módena, 1972. ©Eredi di Luigi ghirriLa exposición, comisariada por James Lingwood, pretende capturar la fascinación que sentía el artista italiano Luigi Ghirri (Scandiano, Italia, 1943-1992), uno de los fotógrafos italianos más apreciados de todos los tiempos, por las distintas formas de concebir el mundo que tienen las distintas sociedades.
La muestra, organizada por el Museo Reina Sofía en colaboración con el Museum Folkwang de Essen y la galería Jeu de Paume de París, supone el primer estudio significativo de las fotografías de Luigi Ghirri presentadas fuera de Italia. E ella se examina la producción de una década fundamental en la investigación fotográfica del artista: los años setenta. Durante ese período, Ghirri creó un corpus de imágenes en color "sin paralelo en la Europa de la época", según Lingwood, y en el que ya se pueden captar las señales peculiares de un estilo conceptual destinado a ser reconocible y apreciado.
Dos de los momentos más significativos de su carrera ocurrieron, además, en ese mismo marco temporal: la publicación de Kodachrome, en 1978, uno de los libros fotográficos representativos de toda la década, y la gran exposición Vera Fotografia, que se llevó a cabo en Parma en 1979.
A Ghirri le fascinaban las representaciones del mundo, en forma de reproducciones, fotografías, carteles, maquetas y mapas, y la forma en que estas representaciones estaban incrustadas en el mundo, los signos dentro de la ciudad o el paisaje. El mapa y el territorio retoma la cartografía poética de la exposición de Ghirri de 1979, que incluía proyectos tan bien enmarcados como Atlante (1973), con fotografías de páginas de un atlas, o grupos más amplios como Diaframma 11, 1/125, luce naturale (1970-79), observando la forma en que las personas fotografían y son fotografiadas; y el paisaje de los signos en la Italia provincial en Italia Ailati y Vedute (1970-79).


Imagen:
Luigi Ghirri. Módena, 1972. ©Eredi di Luigi ghirri.


Dorothea Lange. Políticas visibles
Lugar:
Galerie nationale du Jeu de Paume
Dirección:
1 Place de la Concorde, 75008 Paris, Francia.
Fecha:
Desde el 16 de octubre de 2018 hasta el 27 de enero de 2019


Dorothea Lange, Madre migrante, Nipomo, California, Barbican Art Gallery, Londres.1936 © Colección Dorothea Lange, Museo de Oakland de California, Ciudad de Oakland. Cortesía de Paul S. TaylorLa exposición de la conocida como la fotógrafa de la Gran Depresión, Dorothea Lange (Nueva Jersey, 1895-San Francisco, 1965), está compuesta por 130 fotografías. En ella también podrá verse sus imágenes de la Segunda Guerra Mundial y de la América de posguerra, incluyendo sus fotografías de japoneses estadounidenses internados durante la Segunda Guerra Mundial, una serie que fue conocida en 2006, y se muestra en París por primera vez.
Se articula en cinco conjuntos distintos. Estos enfatizan la fuerza emocional que emana de estas fotografías, así como el contexto de la práctica documental de la fotógrafa. Más de un centenar de copias antiguas, realizadas entre 1933 y 1957, se destacan por documentos y proyecciones que amplían el alcance de una obra ya familiar para el público a través de imágenes icónicas de la historia de la fotografía, como “White Angel Breadline” (1933) y “Madre migrante” (1936). Las impresiones son principalmente del Museo de Oakland de California, donde se guardan los extensos archivos de Lange, legados por su esposo Paul Schuster Taylor y su familia.
Además de las fotografías, también se expondrán varios objetos que pertenecieron a la fotógrafa, incluyendo hojas de contacto, cuadernos de campo y varias publicaciones, que ubican su trabajo en el contexto de este período problemático. La exposición de Jeu de Paume abre una nueva perspectiva sobre el trabajo de esta reconocida artista estadounidense cuyo legado perdura en la actualidad. Al tiempo que destaca las cualidades artísticas y la fuerza de las convicciones políticas de la fotógrafa, invita al público a redescubrir el trabajo de Dorothea Lange y su importancia central en la historia de la fotografía documental.
La muestra, comisariada por Drew Heath Johnson y Pia Viewing, está producida por el Museo de Oakland de California. La presentación europea fue coproducida por Jeu de Paume, París, y Barbican Art Gallery, Londres.


Imagen:
LANGE, Dorothea, Madre migrante, Nipomo, California, Barbican Art Gallery, Londres. 1936 © Colección Dorothea Lange, Museo de Oakland de California, Ciudad de Oakland. Cortesía de Paul S. Taylor.

 



...y además


Constantin Brancusi Sculpture
Desde el 22 de julio de 2018 hasta el 18 de febrero de 2019
https:/www.moma.org


Lee Miller y el surrealismo en Gran Bretaña
Desde el 31 de octubre de 2018 hasta el 20 de enero de 2019
https://www.fmirobcn.org


Chagall, Lissitzky, Malevich: The Russian Avant-Garde in Vitebsk, 1918-1922
Desde el 14 de septiembre de 2018 hasta el 6 de enero de 2019
https://thejewishmuseum.org


Rob Wynne: FLOAT
Desde el 6 de junio de 2018 hasta el 3 de marzo de 2019
https://www.brooklynmuseum.org



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