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AGENDA DE EXPOSICIONES

Caminanta. Lourdes Grobet
Lugar:
Museo Universitario del Chopo
Dirección:
C/ Dr. Enrique Gonzalez Martinez 10, Sta María la Ribera, 06400 Ciudad de México, México.
Fecha:
Desde 23 de mayo hasta el 28 de julio de 2019


Lourdes Grobet, "53 cuadras", 1985 detalle de la instalación que incluye  serie de 53 fotografíasLa frecuente deriva de Lourdes Grobet es el tema fundamental de la esta exposición integrada por fotografías, instalaciones, videoinstalaciones, libros de viaje y cine documental, que evidencian la necesaria movilidad de la artista para establecer un diálogo en diferentes direcciones: su propio desplazamiento físico para ejercer el poder de la mirada fotográfica; el correspondiente andar del público en relación con el acto de leer imágenes; el traslado en el lenguaje visual de la obra para desnudar las convenciones solemnes de la práctica fotográfica; la marcha conjunta de autora y público por las poéticas críticas del lenguaje visual; y su contexto como experiencia vital.
En la práctica artística de Grobet hay una conciencia lúdica y un aprendizaje que la han conducido a poner en tela de juicio el canon fotográfico y las artes visuales, distanciándose de normas y planteamientos anquilosados y solemnes. Este caminar por un lenguaje particular, el cual coincide con el tema de la exposición, la ha llevado por sitios que su mirada ha considerado importantes.
Caminanta no es una muestra retrospectiva, sino que está motivada por el rastreo de proyectos o series fotográficas cuya poética relacionada a la deriva hacen del desplazamiento una experiencia vital. Las fotografías que integran la muestra no se refieren a la lucha libre.
Una parte de la muestra es interactiva, los visitantes podrán desplazarse experimentando otros espacios. Los recursos audiovisuales y sonoros que utiliza la artista son parte de un lenguaje personal que ha construido para hablar del devenir del ser humano.


Imagen:
Lourdes Grobet, "53 cuadras", 1985 detalle de la instalación que incluye serie de 53 fotografías.


Picasso y la guerra
Lugar:
Musée de l’Armée
Dirección:
Hôtel national des Invalides 129, rue de Grenelle 75007 Paris, Francia.
Fecha:
Desde 8 de abril hasta el 28 de julio de 2019


Cartel de la muestraLa muestra comisariada por Laëtitia Desserrières, producida por el Musée de l'Armée y el Museo Nacional Picasso-París reúne medio millar de obras que ofrecen, quizá por vez primera, una visión global de las relaciones del genio malagueño y la guerra.
La exposición sigue tanto la progresión cronológica como la crono-temática. Las obras de Picasso y sus archivos personales, en toda su diversidad, interactúan con un conjunto de piezas y documentos contextuales (artículos de prensa, fotografías, objetos) que evocan la realidad y los modos de difusión de los conflictos contemporáneos de su producción.
Explora las diferentes formas en que la guerra nutre e influye en el trabajo de Picasso a lo largo de su carrera artística. Un hito conocido por todos en la producción del artista. “Guernica” abre el camino, a través de una reproducción a escala de la obra y constituye el punto de inflexión, ya que marca el comienzo del compromiso público del artista.
Junto a obras como "Masacre en Corea" (1951) o el retrato que dibujó en 1961 de la activista argelina Djamila Boupacha en plena guerra contra Francia, destacan sus múltiples ilustraciones de palomas, convertidas gracias a él en símbolos de la paz.
Se exponen también algunos de los dibujos que Picasso dejó a los 14 años en los márgenes de sus libros en clase, con soldaditos y caballos de uso militar.
La exhibición recoge también postales de apoyo a sus amigos soldados, incluido el casco con el que hirieron de muerte a Apollinaire en la trinchera, y agrupa las evidencias de la conciencia política que Picasso parecía mantener de los conflictos que lo rodeaban, como la Guerra de los Balcanes, cuyas noticias en los periódicos conformaron varios de sus "collages" en 1912.
En 1944 se adhirió al Partido Comunista, convencido de que había sido este quien con más méritos combatió el fascismo en la Segunda Guerra Mundial. A partir de entonces, numerosas asociaciones y movimientos pacifistas reclamaron su presencia en congresos y conferencias, que en muchos casos iban acompañadas de carteles y postales creados por él. Es por ello por lo que su arte quedó asociado a las principales campañas por la paz de la segunda mitad del siglo XX.
Cierra la retrospectiva un lienzo de 1972, meses antes de su muerte, en la que los expertos creen ver un niño que recibe el testigo de Picasso, autorretratado como mosquetero, figura inspirada por Velázquez y Rembrandt con la que él solía pintarse.


Imagen:
Cartel de la muestra.


Prada Poole: La arquitectura perecedera de las pompas de jabón
Lugar:
Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC)
Dirección:
Camino de los Descubrimientos, s/n. Sevilla, España.
Fecha:
Desde el 29 de marzo hasta el 1 de septiembre de 2019


nterior de la Pista de Patinaje sobre Hielo de Sevilla (Hielotrón), 1975La muestra, comisariada por Antonio Cobo y coproducida por el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) y el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), exhibe el trabajo del arquitecto José Miguel de Prada Poole, ganador del Premio Nacional de Arquitectura en 1975. Cree que la arquitectura debe tener fecha de caducidad. Defiende lo efímero, lo perecedero, "lo que no deja huella". Fue protagonista de dos de los acontecimientos artísticos más importantes del arte español de la segunda mitad del siglo XX: el Centro de Cálculo y los Encuentros de Pamplona.
La exposición presenta los grandes temas de la obra del arquitecto a través de los proyectos neumáticos que configuran el periodo (1968-1973), entre los que se incluye el “Hielotrón “(la pista de patinaje sobre hielo de Sevilla), mientras que el resto de materias y proyectos se irán vinculando a estos, abarcando un periodo más amplio, desde sus primeros proyectos académicos (1962) hasta algunas de sus propuestas más recientes como el proyecto para la 3D City de 2005.


Imagen:
Interior de la Pista de Patinaje sobre Hielo de Sevilla (Hielotrón), 1975.


Sunday. Carsten Höller
Lugar:
Museo Tamayo
Dirección:
Av. Paseo de la Reforma 51, Bosque de Chapultepec, Bosque de Chapultepec I Secc, México.
Fecha:
Desde el 29 de marzo hasta el 30 de junio de 2019


Seven Sliding Doors, 2014. Vista de instalación: Burning Down the House, 10va. Bienal de Gwangju , Gwangju, Corea del Sur (2014). Cortesía del artista © Carsten Höller. Foto: Attilio MaranzanoSe trata de la primera exposición monográfica del artista Carsten Ho¨ller (Bruselas, Be´lgica, 1961) en México. Esta muestra tiene como objetivo exhibir los ejes centrales de d el trabajo de este reconocido artista contemporáneo, quien se ha establecido como uno de los más influyentes e innovadores de la escena del arte internacional actual gracias a sus obras interactivas de gran escala y a la producción de piezas de carácter inmersivo que buscan generar una experiencia colectiva entre el público, así como establecer conexiones directas entre las obras y la audiencia. Por su formación científica, el particular trabajo artístico de Ho¨ller tiene evocaciones a las prácticas de experimentar y el museo mismo se convierte siempre en una especie de laboratorio.
Esta muestra conjunta y resume temas que son fundamentales en su trabajo y gira en torno a dos argumentos principales: la toma de decisiones y la percepción a través de la idea de las alucinaciones. Para Carsten Ho¨ller la experiencia como noción general humana se da a partir de la suma de la experimentación y la percepción; con ello cuestiona constantemente la importancia de la noción del espacio y la forma. A partir de esta premisa, la exposición busca jugar con la percepción general que el público tiene del Museo Tamayo, como edificio y como museo, permitiendo al visitante determinar su recorrido por la exposición y por el espacio mismo, sin saber necesariamente hacia dónde se dirige.


Imagen:
Seven Sliding Doors, 2014. Vista de instalación: Burning Down the House, 10va. Bienal de Gwangju , Gwangju, Corea del Sur (2014). Cortesía del artista © Carsten Höller. Foto: Attilio Maranzano.


Miki Leal. Mariposas y cocodrilos. Ensayo para una pieza camp
Lugar:
CAB de Burgos
Dirección:
c/ Saldaña s/n • 09003 Burgos, España.
Fecha:
Del 8 de febrero al 26 de mayo de 2019


Miki Leal, Dandy´en RomaEl proyecto expositivo que Miki Leal (Sevilla, 1974) presenta, revisita y reúne sus últimos trabajos a partir de la lectura, en clave pictórica, de la ciudad de Roma y de su pasado clásico.
Leal reflexiona sobre el propio acto de pintar, sobre la disputa entre actos y gestos, sobre el combate entre la representación de la cultura y sus símbolos con frecuencia velados, solo accesibles para unos cuantos iniciados. Un pugilato que el artista acota en un terreno de juego cerrado, de normas precisas y movimientos calculados, un “sport”, como refería la literatura de principios del siglo XX, deudor del dandismo en los duelos que se libran a cada lado de la pista. El tenis como metáfora vital y como recurso formal.
El título de la exposición alude al tenis y a sus variantes estilísticas, tal y como fuera definido por el influyente crítico de cine francés Serge Daney. Daney, que simultaneaba su pasión cinéfila con escritos y crítica del tenis, trazó una sutil metáfora de la creación, del arte y del juego en su obra L’amateur de tennis. Solo hay dos formas de encarar la partida (y la vida, y el arte): desde la red (las mariposas) o desde el fondo (los cocodrilos).


Imagen:
Miki Leal, Dandy´en Roma.


Frida Kahlo: Las apariencias pueden engañar
Lugar:
Brooklyn Museum
Dirección:
200 Eastern Parkway, Brooklyn, NY 11238 EE.UU.
Fecha:
Desde el 8 de febrero hasta el 12 de mayo de 2019


Corsé de escayola decorado por Frida Kahlo, Museo Frida Kahlo©La exposición, que incluye una selección de prendas de Tehuana y joyas con las que la pintora mexicana construyó su personalidad pública, es la muestra más grande dedicada a Frida en los últimos diez años en Estados Unidos.
Ropa, joyería contemporánea y pre-colonial, y algunos de los muchos corsés y prótesis pintados a mano que la artista usó durante su vida, y que se habían almacenado en la Casa Azul, la residencia de Kahlo y Rivera en la Ciudad de México, se pueden admirar en el museo neoyorquino.
En total son diez pinturas las protagonistas, entre ellas "Autorretrato con collar" (1933), "Autorretrato con trenza" (1941) o"Diego en mi mente" (1943). Además, de fotografías personales de la colección Jacques y Natasha Gelman. Asimismo, pueden verseretratos de su infancia hechos por su padre, el reconocido fotógrafo de la revolución Guillermo Kahlo.
La exposición incluye, además objetos de arte de Mesoamérica que yacen en el recinto de Brooklyn. De ese modo, se abordará la identidad cultural como base de la obra de la artista. Es decir, la influencia en su producción a partir del entorno, la historia, sus relaciones e incluso su discapacidad.


Imagen:
Corsé de escayola decorado por Frida Kahlo, Museo Frida Kahlo©.

 



...y además


Fotografías de Alberto Martí
Desde el 9 de febrero hasta el 5 de mayo de 2019
https://www.spainculture.us


Joan Miró. Nacimiento del Mundo
Desde el 24 de febrero hasta el 15 de junio de 2019
https://www.moma.org


Sueño autosuficiente. José Dávila
Desde el 2 de mayo hasta el 23 de junio de 2019
http://www.chopo.unam.mx


Nancy Spero: Paper Mirror
Desde el 31 de marzo hasta el 23 de junio de 2019
https://www.moma.org



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