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AGENDA DE EXPOSICIONES

Un Viaje de Mil Millas / Journey of a Thousand Miles
Lugar:
Centro de Arte Contemporáneo de Quito
Dirección:
Montevideo y Luis Dávila, Montevideo, Quito, Ecuador.
Fecha:
Desde el 17 de agosto de 2019 hasta el 2 de febrero de 2020


Un Viaje de Mil Millas / Journey of a Thousand MilesLa exposición, comisariada por Hilde Teerlinck & Eduardo Carrera R., muestra una selección de 13 video-instalaciones que forman parte del Programa de Comisiones y Premios de la Fundación Han Nefkens. Destaca el trabajo de once artistas contemporáneos de diferentes procedencias: Corea del Sur, Georgia, Vietnam, Ecuador, Perú, Brasil, Kenia, Turquía y un trio artístico proveniente de Irán / Estados Unidos.
Los artistas, Jungju An (Corea del Sur), Adrián Balseca (Ecuador), Vajiko Chachkhiani (Georgia), Cyrus Kabiru (Kenia), Heecheon Kim (Corea del Sur), Dinh Q. Lê (Vietnam), Phuong Linh Linh (Vietnam), Gabriel Mascaro (Brasil), Arash Nassiri (Irán), Erkan Ozgen (Turquía), Maya Watanabe (Perú), Ramin Haerizadeh, Rokni Haerizadeh y Hesam Rahmanian (Irán / Estados Unidos), construyen una línea de pensamiento que aborda problemáticas relativas a los conceptos de migración, violencia, memoria, medio ambiente, y tecnología, y examinan maneras complejas en las que las nociones sobre identidad, subjetividad y territorio, abordadas desde la producción de video arte, funcionan como instrumentos para una inclinación orgánica hacia otras formas de crear universos simbólicos y narrativas otras. Las obras seleccionadas proporcionan así una visión cultural desde distintas geografías y nos permiten comprender con claridad las formas en las que se emplea la producción de arte contemporáneo para expresar actitudes, posicionamientos políticos, experiencias y poéticas relacionadas a las formas de ser y estar en el mundo.


Imagen:
Un Viaje de Mil Millas / Journey of a Thousand Miles..


Escenarios visionarios. José Hernández y Francisco Nieva
Lugar:
Galería Leandro Navarro
Dirección:
c/ Amor de Dios, 1, Madrid, España.
Fecha:
Desde el 12 de septiembre hasta el 20 de octubre de 2019


La Reina Pies de Nube. Francisco NievaTestamento inútil. José HernándezUna exposición dedicada a dos figuras imprescindibles de la cultura española del siglo XX: el pintor José Hernández y el literato y dibujante Francisco Nieva. La muestra, reúne un total de 14 dibujos de Nieva,-doce fechados en los años setenta y dos en los años ochenta; y 14 pinturas al óleo de Hernández, en un arco de tiempo que transcurre desde 1964 al 2004.
José Hernández y Francisco Nieva mantuvieron una sólida relación amistosa y profesional a lo largo de los años. Su primer trabajo conjunto fue en “Danzón de exequias”, un espectáculo ideado por jóvenes estudiantes de Arte Dramático que supuso un auténtico revulsivo en los últimos años de la dictadura franquista.
Tras dos décadas de amistad, el propio Nieva propuso a Hernández como escenógrafo en la preparación de su obra “Pelo de tormenta”, cuyo estreno en el Teatro María Guerrero (1997) fue un éxito rotundo de público y crítica. Después, los dos artistas volverían a colaborar en diversos proyectos, como las óperas “La vida breve” de Manuel de Falla, y “La señorita Cristina” de Luis de Pablo, ambas estrenadas en el Teatro Real en 1997 y 2001, y “Tórtolas, crepúsculo y… telón”, una obra dirigida por Nieva que, presentada en el Teatro Valle-Inclán en 2010, se convertiría en su última colaboración.
Ahora, las visiones artísticas de Francisco Nieva y José Hernández vuelven a confluir en la Galería Leandro Navarro. Un reencuentro póstumo, a modo de homenaje, que por un lado descubre las creaciones plásticas de Nieva, y por otro, permite el análisis y la comparación de dos estilos que, a pesar de sus diferencias, comparten el interés hacia mundos visionarios y carentes de toda lógica; espacios habitados por seres imposibles en los que la única norma supone la capacidad de sorprender al espectador.


Imagen:
Francisco Nieva, La Reina Pies de Nube y José Hernández, Testamento inútil.


Calder. Gouaches
Lugar:
Galería Elvira González
Dirección:
C/ Hermanos Álvarez Quintero, 1, Madrid, España.
Fecha:
Desde el 12 de septiembre hasta el 22 de noviembre de 2019


Alexander Calder Sin título, Gouache y tinta, Calder Foundation, New YorkLa exposición reúne una selección de gouaches sobre papel del artista estadounidense A. Calder, gran parte de ellos expuestos por primera vez en público.
Aunque más conocido por sus mobiles, estabiles y esculturas monumentales, A. Calder (1898 – 1976) se traslada a Nueva York en 1923 para estudiar arte y formarse como pintor. Sus primeros óleos abstractos fueron realizadas años después, tras una visita al estudio de Piet Mondrian en Octubre de 1930. Calder quedó profundamente impresionado por los cuadros que vió en el estudio y el concepto del espacio, el movimiento y el color en los cuadros de Mondrian, escribiendo poco después que aquella visita “le produjo un shock tal que activó las cosas….”
Calder comienza a familiarizarse con la técnica del gouache en los años treinta, pero fue a mediados de los cuarenta cuando este medio se convirtió en un elemento clave de su práctica. Como explicaba Jean Lipman en su conocida publicación sobre el artista, “este tipo de acuarela opaca respondía mejor a su particular temperamento que la acuarela normal -demasiado traslúcida- y que el óleo -demasiado lento-“. Calder abandonó paulatinamente su trabajo en óleo para centrase en esta técnica, que “encajaba a la perfección con su espíritu vivaz rápido y de expresión espontánea”
En los años cincuenta Calder vive ocho meses en Aix-en-Provence, Francia, donde ocupa dos casas diferentes. En cada una, Calder montó estudios provisionales, a los que llamaría gouacherie, dedicados a su trabajo con gouache, medio que le capturó y continuó cultivando a lo largo de toda su vida. “Había hecho gouaches antes, pero aquí me estaba concentrando casi exclusivamente en ellos”, escribió en su autobiografía; “estaba desarrollando algo nuevo”.
Esta exposición profundiza en la particular visión de Alexander Calder, que fue alegre, dinámica y colorida, pero también rigurosa y transgresora. Por la rapidez que le permitían, los gouaches nos dejan comprender su canal creativo más espontáneo. Estas obras a menudo inspiraron y respondieron a su producción escultórica y a obras a gran escala.


Imagen:
Alexander Calder Sin título, gouache y tinta, Calder Foundation, New York.


Mercedes Lara. Habitando el proceso
Lugar:
Galería Lucía Mendoza
Dirección:
C/ Bárbara de Braganza, 10, Madrid, España.
Fecha:
Desde el 12 de septiembre hasta el 9 de noviembre de 2019


Mercedes Lara. Golfo Pérsico, 2019. Fieltro cosido y pan de oro. 102 x 320 cm.La muestra se articula a partir de dos ideas clave en la trayectoria de la artista: el tiempo y el espacio.
Desde la práctica contemporánea, la obra de Lara constituye una respuesta a sus inquietudes personales y es a la vez metáfora de una reocupación colectiva: nuestra forma de ocupar el espacio y el tiempo, de habitar procesos marcados por el cambio continuo, el ritmo ajustado, el movimiento constante. La luz, el color, las formas o el mestizaje de elementos y materiales configuran así un estilo artístico que se enfrenta desde lo artesanal y multidisciplinar al paso del tiempo y la expansión en el espacio.
Con motivo de la exposición, se ha editado además un catálogo escrito por el crítico de arte Fernando Castro Flórez, para el que "las fascinantes estancias habitadas por las luminosas obras de Mercedes Lara son un auténtico regalo que nos hace recordar que la poesía es lo que nos (hace) falta, pero, sobre todo, los animan a asumir la condición mutante de nuestra identidad, gozando de reflejos tan inquietantes cuanto familiares. Este proceso da cuenta de lo que somos" .


Imagen:
Mercedes Lara. Golfo Pérsico, 2019. Fieltro cosido y pan de oro. 102 x 320 cm.


Apariencia desnuda: el deseo y el objeto en la obra de Duchamp y Jeff Koons
Lugar:
Museo Jumex
Dirección:
Miguel de Cervantes Saavedra 303 Colonia Granada 11520 Ciudad de México.
Fecha:
Desde el 19 de mayo hasta el 29 de septiembre de 2019


Cartel de la muestraLa exposición, comisariada por Massimiliano Gioni, establece un paralelismo entre las obras de dos de los artistas más influyentes del siglo XX, para abordar conceptos clave sobre los objetos, las mercancías y la relación del artista con la sociedad.
Al poner sus trabajos frente a frente, la exhibición opera como una sala de espejos que refleja, distorsiona y amplifica las semejanzas y diferencias entre los artistas dentro de un complejo “régimen de coincidencias”, para tomar prestada una de las peculiares expresiones de Duchamp.
La muestra propone un sistema de afinidades electivas que consisten en resonancias formales y conceptuales entre los dos artistas, siguiendo lo que Duchamp llamó una “co-intelligence des contraires” (cointeligencia de contrarios), dentro de sus mundos artísticos. Aunque los separan varias décadas, sus universos creativos, distintos pero complementarios, cuestionan de manera similar la función de los objetos y el encanto de las mercancías, ya que ambos artistas desarrollaron sus propias filosofías del deseo y el gusto por lo que al considerar su papel como artistas de manera más amplia propusieron nuevas formas de pensar sobre el arte y el yo.
La exposición ilustra la transición del ready-made al facsímil y describe una “erótica de las cosas”, según teorizaba el historiador del arte David Joselit, que tanto Duchamp como Koons exponen en sus objetos y réplicas hiperrealistas. La adopción de la tecnología como metáfora sexual es otra preocupación que tienen en común, ya que el trabajo de ambos artistas a menudo coquetea con el atractivo sexual de lo inorgánico. El erotismo, el género y el desafío a las normas éticas impuestas también son centrales en su trabajo, en especial en lo que se refiere a los temas sexuales más explícitos que tanto Duchamp como Koons han empleado para delinear las nuevas anatomías del deseo. La tercerización de la mano de obra y la construcción de la identidad del artista como personaje público son otras similitudes recurrentes, y ambas estrategias dan por resultado formas parecidas de desapego y alejamiento, una nueva “belleza de la indiferencia”, como la llamó Duchamp.
Esta muestra se concibe como una caja de música o un ballet mécanique, que enfrenta al espectador con yuxtaposiciones frecuentes entre la miniatura y lo monumental; el original y la copia. Parecida a entrar en una boîte-en-valise, la muestra aborda tanto a los visitantes como a las obras como piezas de un rompecabezas filosófico que envuelve las definiciones del yo, el objeto y el deseo.
Apariencia desnuda presentará más de 70 obras de Marcel Duchamp y de Jeff Koons, entre las que se encuentra la serie completa de ready-mades de 1964 de Duchamp, que incluye Bicycle Wheel, Bottle Rack y Fountain, entre otras; así como una selección de las más reconocidas series de Koons como The New, Banality, Made in Heaven, Celebration, Antiquity y obras como Rabbit, Balloon Dog, Moon, Play-Doh, y Hulk.
La exposición incluye préstamos de mas de 30 colecciones como: Astrup Fearnley Museum, Oslo; The Broad Art Foundation, Los Ángeles; Museu Coleção Berardo, Lisboa; Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea, Roma; The Israel Museum, Jerusalén; Moderna Museet, Estocolmo; Museum of Contemporary Art Chicago; National Gallery of Canada, Ottawa; Pinault Collection; Philadelphia Museum of Art; The Sonnabend Collection, Nueva York y Tate, Londres, entre otros.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Jorge Represa. Mi lugar en cualquier lugar
Lugar:
Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente
Dirección:
Plazuela de las Bellas Artes s/n. Segovia, España.
Fecha:
Desde el 27 de junio de 2019 hasta el 12 de enero de 2020


Homeless, East Village, New York City, EE.UU. 2016. Archivo digital. © Jorge RepresaLa muestra reúne un total de 76 fotografías que se articulan a partir de una columna vertebral, una suerte de “Diario Visual”, que comienza en el año 2004 con Valsaín, Segovia, como principal testigo, y que supone un cambio fundamental en su carrera. Durante un año y medio Jorge Represa emprende su viaje, íntimo y personal, hacia un tipo de fotografía que se nutre del “alma” del lugar y del momento vivido. Observa la realidad, la interioriza y la captura en un ejercicio de depuración. Comienza el relato de su propia vida a través de fotografías donde nos muestra a su familia, el paisaje que le rodea, la fauna que la habita. En los últimos años se ha centrado en retratar el esplendor del paisaje de Cantabria a través de unas fotografías sugestivas y líricas en las que la frondosa vegetación o el bravío mar, entran en pugna con el desierto castellano. Estas imágenes no pretenden una descripción real del paisaje, por lo que están ejecutadas en una clave subjetiva que las sitúa en el límite de lo real.
Su formación, autodidacta, se debe al estudio en profundidad de los grandes fotógrafos de la historia como Edward Weston, Weegee, Larry Towell, Cartier Bresson, Winogrand, etc. De ellos aprende el lenguaje fotográfico, los recursos compositivos y, sobre todo, lo que se ha convertido en su principal motor creativo: la búsqueda de la esencia.
Lisette Model decía: “hay que fotografiar con las tripas”, es decir, desde el sentimiento y la pasión, y esto es lo que vemos en las fotografías realizadas por Represa a partir de 2008, cuando comienza a viajar y “retratar” ciudades de una manera poco convencional, alejado de tópicos y típicas imágenes. Se preocupa en buscar la fisonomía escondida, el alma, aquello que late en el interior de grandes y pequeñas urbes y que se proyecta, de forma natural, en sus habitantes. Esta interpretación poética nos permite un análisis descontextualizado de ciudades como Venecia, Roma, Nueva York, Londres, La Habana o Buenos Aires, lo que nos lleva a mostrar las instantáneas de estas ciudades de forma conjunta, como si de una secuencia se tratara, primando el conjunto frente a la individualidad.
A la manera de los fotógrafos de los que aprendió, y con la cámara como único equipaje, deambula por las calles, como un habitante más, intentado pasar desapercibido, sin alterar el orden y el ritmo habitual de las personas que, sin pretenderlo, se convierten en los protagonistas de la escena.
Lo que interesa es buscar la singularidad dentro de la cotidianidad, transforma la realidad en fantasía, y nos revela una refinada imagen construida desde la belleza. Su contemplación no solo enriquece la vista, sino también el pensamiento.
Cerrando la muestra, un guiño a la que fue la actividad habitual del artista entre finales de los 80 y 2004: el retrato de famosos. Mostramos una selección pequeña en la que personajes procedentes del mundo del cine, la música, la danza, o la literatura.

Imagen:
Homeless, East Village, New York City, EE.UU. 2016. Archivo digital. © Jorge Represa.


Picasso. Le Chant des morts y el género de la vánitas
Lugar:
Fundación Picasso, Museo Casa Natal
Dirección:
Plaza de la Merced, 15. Málaga, España.
Fecha:
Desde el 4 de julio hasta el 13 de octubre de 2019


Le chant des morts, páginas 2 y 3, 407 x 307 cm., enero de 1946-marzo de 1948, aguafuerte en rojo y litografías en rojo y negro sobre planchas de zinc, 403 x 252 mm. Todas las obras de Pablo Picasso y todas las imágenes, cortesía de la Fundación Museo Casa Natal de MálagaLa muestra propone un recorrido por las ilustraciones realizadas por Picasso para el libro de poemas Le Chant des morts (El Canto de los muertos) de Pierre Reverdy en relación con otras obras antiguas y contemporáneas que ahondan en el concepto tradicional de la vánitas. A lo largo de la historia y en la cultura occidental existe un componente moralista y pesimista que plasmó sus consejos y enseñanzas en el género llamado vanitas adoptando la advertencia bíblica que se resumía en la cita en latín vanitas vanitatum et omnia vanitas (vanidad de vanidades y todo es vanidad).
Esa corriente de pensamiento y creación artística renació en los momentos de mayores calamidades colectivas, como la epidemia de la Peste Negra en la Edad Media; la Guerra de los 30 años, coincidiendo con el Barroco; la Guerra de la Independencia, coincidiendo con los inicios del Romanticismo; o la Segunda Guerra Mundial, coincidiendo con las vanguardias. Es ahí, entonces, cuando el poeta francés Pierre Reverdy escribe entre 1945 y 1948 en la abadía benedictina de Solesmes, a la que se retiró en 1926, 43 poemas lúgubres que buscaban devolver la voz y el alma a los difuntos.
Picasso ilustró aquel libro con 125 litografías en rojo, que a la vez querían ser un alfabeto imaginario y un despliegue de huesos recorriendo las páginas. Esta exposición recorre ese espíritu desde el siglo XV al siglo XXI, con obras de la Biblioteca Nacional de España seleccionadas por el comisario Carlos Alberdi, y de los fondos de la Fundación Picasso Museo Casa Natal, contando con la colaboración de la Obra Social La Caixa.

Algunas de las obras que pueden verse en estas salas son: un aguafuerte español anónimo fechado en 1454 con un título rotundo y revelador, La muerte asaeteando al género humano; Apocalipsis cum figuris y El caballero, la muerte y el diablo, xilografía y buril fechados entre 1511 y 1531de Alberto Durero; Entierro de Cristo de Il Parmigianino, El descendimiento a la luz de la antorcha de Rembrandt; El agarrotado de Goya; El ahorcado de Mariano Fortuny; Poems 7 de Tàpies; Torquemada de Manolo Millares, además de aguafuertes y serigrafías de Brinkmann, José Hernández, Javier de Juan y Miguel Villarino.
Estos trazos, entre letras de un nuevo alfabeto y una suerte de huesos que recorren las páginas del poemario, se muestran en conexión con otra veintena de grabados, seis de ellos del propio Picasso. Burdel. Charlatanas, con loro, Celestina y retrato de Degas, realizado en Mougins en 1971, Jarrón negro con calavera, fechado en 1946, La mesa con pescados, El bogavante, Naturaleza muerta con florero y Figura son sus otros títulos, todos ellos de finales de los años 40.

Imagen:
Le chant des morts, páginas 2 y 3, 407 x 307 cm., enero de 1946-marzo de 1948, aguafuerte en rojo y litografías en rojo y negro sobre planchas de zinc, 403 x 252 mm. Todas las obras de Pablo Picasso y todas las imágenes, cortesía de la Fundación Museo Casa Natal de Málaga.


Max Ernst: Historia natural
Lugar:
Museo Carmen Thyssen Málaga
Dirección:
C/Compañía nº 10. 29008. Málaga, España.
Fecha:
Desde el 14 de junio hasta el 13 de octubre de 2019


Max Ernst, Los rayos adolescentes, 1926. Lámina XXIV de la serie Historia natural. Colección José María Jiménez-Alfaro © Max Ernst, VEGAP, Málaga, 2019La muestra está compuesta por las 34 estampas recogidas en el portfolio ‘Historia natural’ de Max Ernst (1926), publicado por la galerista Jeanne Bucher en París. Un ejemplo extraordinario de la técnica del frottage, inventada por Ernst en el verano de 1925 y que en su exploración 'más allá de la pintura', como el propio artista la definió, le permitió componer dibujos de manera azarosa e inesperada al frotar un lápiz sobre un papel dispuesto sobre materiales con texturas diversas. Las imágenes resultantes, fortuitas y sorprendentes, convertían al artista, decía Ernst, ya no en creador, sino en mero observador del resultado obtenido de manera automática, invocando así la forma de creación inconsciente e irracional defendida por el movimiento surrealista.
Con esta exposición, que cuenta con la colaboración de la Fundación Juan March y el patrocinio de Fundación Cajasol, el público tendrá la oportunidad de aproximarse al surrealismo de los años 20 a través de unas obras que, aplicando la citada técnica del frottage sobre diversas superficies (tablones de un suelo de madera, cordeles, malla metálica, papel arrugado, corteza de pan, etc.), muestran imágenes con la falsa apariencia de ilustraciones de un tratado científico. El trabajo de Ernst sobre las sorprendentes texturas obtenidas de manera automática transforma el resultado en objetos, criaturas y paisajes extraños y fantásticos, fruto del subconsciente y no la razón, convirtiendo el libro en un inquietante repertorio de especies surrealistas, en la frontera entre la realidad y la imaginación
Se realizaron trescientos ejemplares de la tirada original, los dibujos originales de Ernst se reprodujeron con un proceso fotomecánico, la fototipia, el más utilizado hasta los años 30 del siglo XX, para su edición en un libro prologado por el escultor Jean Arp.


Imagen:
Max Ernst, Los rayos adolescentes, 1926. Lámina XXIV de la serie Historia natural. Colección José María Jiménez-Alfaro © Max Ernst, VEGAP, Málaga, 2019.

 



...y además



Maria Lai. Tenendo per mano il sole
Desde el 19 de junio de 2019 hasta el 12 de enero de 2020
https://www.maxxi.art


Max de Esteban. 20 Red Lights
Desde el 28 de junio hasta el 29 de septiembre de 2019
http://cgac.xunta.gal


Theater of Operations. The Gulf Wars 1991–2011
Desde el 3 de noviembre de 2019 hasta el 1 de marzo de 2020
https://www.moma.org



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