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El fragmento de la historia que se representa en el cuadro pertenece a 'Las Metamorfosis' de Ovidio. Un tema mitológico, lo que nos lleva directamente a la Academia. Guido Reni, pintor italiano de origen boloñés, hacia los veinte años de edad, decide separarse de su anterior maestro, el flamenco Denis Calvaert, y entrar en la Academia de los hermanos Carracci, que habían inaugurado en 1582, la llamada Accademia del Naturale (la futura Accademia degli Incamminati). Los académicos poseían un mayor repertorio de imágenes. En la academia enseñaban mitología a los pintores, por lo que estos conocían la fábula grecorromana. Estas enseñanzas debieron ser muy buenas, en lo que se refiere a la presente obra, porque el autor ha captado muy acertadamente el espíritu y la forma de una historia clásica, como se verá a continuación. En la escena aparece una figura femenina agachada recogiendo una manzana, que representa a Atalanta, la más veloz de todos los mortales, y un muchacho que acaba de lanzar dicha manzana, Hipomenes. Atalanta, era hija de un rey de la arcadia, Yaso. Su padre sólo deseaba tener hijos por lo que cuando nació la abandonó. Atalanta fue amamantada por una osa y recogida posteriormente por unos cazadores que la criaron y educaron.
Ya por simple curiosidad, poco después de su boda ambos esposos penetraron en un santuario consagrado a Zeus, según una versión, o a Cibeles según otra, y se libraron a una serie de caricias apasionadas, insultando al dios. Por lo que marido y mujer fueron transformados en leones, que la diosa Cibeles unció a su carro.
2- La verosimilitud en armonía con los requisitos de belleza. La búsqueda de la belleza ideal.
Este ideal se intenta plasmar tal y como se había expresado en la época clásica grecorromana y después en el Renacimiento. Esto da como resultado en la obra la imagen de una naturaleza a la antigua, si queremos, idealizada pero también esencial, universalmente inteligible; y su reconstrucción visual, aunque parcial, ideal y matemáticamente exacta. Para hacer un poco más ameno este análisis, y cambiar el esquema típico enumerativo, que más o menos he seguido, voy a continuar trabajando sobre un texto, que dice así:
El hecho de considerar al arte la representación de la naturaleza limpia de toda fealdad y de toda vulgaridad, hace que Reni utilice una iluminación irracional, distribuye los focos de luz donde mejor le conviene, para darle, sobre todo a la figura, esa claridad, dignidad y grandeza, propias del clasicismo. Las formas son cerradas y dibujisticas, están conformadas por el dibujo, es decir, por la línea. Al contemplar una obra de Guido Reni se percibe claramente que el artista se fundamenta en la distancia, el orden y el dibujo. Ese mismo principio racionalizador se puede aplicar también a la composición, vertebrada en su totalidad por un riguroso esquema geométrico, como se verá más adelante. Todo gira en torno a un único bloque, centrado en la búsqueda de la perfección. La perfección en la belleza, en la medida, en el tema, etc. No hay lugar para la interpretación, todo está guiado por la razón, y la razón se vale de unas pautas, unas reglas materiales para aplicar a la obra, y esas normas de realización, que dan confianza al autor, se adquieren en la Academia. De ahí la importancia de los Carracci. Tanto
los Carracci como Caravaggio, parten de una oposición radical
al manierismo y una renovada atención a la naturaleza. Los Carracci
querían basar su pintura en el estudio En lo que concierne de esto a Reni no será tanto el estilo como la finalidad, esa búsqueda del ideal, lo que perdurará en él, tras su paso por la Academia. Guido Reni, il dolce Guido, asumirá del eclecticismo de los Carracci nada más que la parte quieta, sentimental, dulzona; del estilo heroico de Miguel Ángel no asimiló casi nada, por no decir nada; del brillante colorido veneciano muy poco, y lo único que conservó fue la fineza y elegancia de Rafael, algo de Julio Romano y lo que añadió de Corregio
3- La reconstrucción visual de la naturaleza de una forma ideal y matemáticamente exacta. Como hemos apuntado más arriba, esa búsqueda de la belleza ideal llevará a la aplicación en la obra de principios geométricos y matemáticos, tales como la proporción áurea, que afectaran a la composición de la obra. Los artistas siempre han buscado un formato ideal sobre el cual trabajar, así como las proporciones ideales para ese formato. Este método para establecer una buena proporción se desarrolló a partir del descubrimiento de la sección Áurea, resultado del ampliamente difundido interés por la geometría y el arte clásico en el Renacimiento. Entre los esquemas compositivos más usados está la llamada sección áurea o proporción divina. Formulada de manera rigurosa por Luca Pacioli en su obra La divina proporción, era ya conocida de antiguo. Fue definida por Euclides como "división de un segmento en su media y extrema razón". El número de oro o número phi (1,61803), ha sido usado por Guido Reni para la distribución en el lienzo de las dos figuras. Cabeza, pies, brazos, manos, etc., están dispuestas en el lienzo en el punto exacto marcado por está regla matemática. Pero incluso las medidas del cuadro, su anchura y altura, responden a un principio matemático siendo el rectángulo empleado raíz cuadrada de 2. Es evidente que esta obra posee un riguroso esquema geométrico. Aquí las dos figuras en actitudes de correr se inscriben en una geometría abstracta formada por diagonales, para mostrar como los movimientos físicos, igual que los morales, tienen también limites marcados por una norma de antemano. Otro ejemplo más del dominio de la razón frente al sentimiento, del control, la regla, frente a la espontaneidad, en esa búsqueda del ideal. Un tiempo lejano en el que la labor del artista, estaba sujeta a un fuerte componente intelectual, unido a una gran destreza artística. Como he dicho, un tiempo muy lejano.
Índice Iconográfico
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Nº. 1,
noviembre de 2004
Análisis
de la obra de Hipomenes y Atalanta, de Guido Reni
Pasaron
los años y Atalanta, fue advertida por un oráculo que
no debía aceptar ningún amante. Ella entonces anunció
que sólo se casaría con aquel que la derrotara en una
carrera. Un reto con una trágica contrapartida, quien se atreviera
a desafiarla y perdiera, moriría. A pesar del aviso y de la casi
segura derrota, era tal su belleza, que de esta manera perecieron varios
pretendientes. Uno tras otro la fueron retando y pagaron el fracaso
con su vida, hasta llegar a Hipomenes. El protagonista de la escena
pintado por Reni, a diferencia de los demás, pidió sabiamente
la ayuda de la diosa Venus, para que así el amor pudiera triunfar.
La diosa dio al pretendiente tres manzanas de oro y su bendición,
estas manzanas procedían según algunos autores de un santuario
de la diosa en Chipre y según otros, del Jardín de la
Hespérides.
Y
éste es el momento de la historia que Guido Reni elige. Hipomenes
acaba de lanzar a un lado la segunda manzanay Atalanta se desvía
de la carrera para recogerla. Tiene ya una manzana pero no puede resistirse
a la otra. Hipomenes aún guarda en su mano izquierda la tercera
manzana. Al final hace lo mismo que con las anteriores y gana la carrera.
La
tendencia clasicista se procuró la perfección de las formas
y de los sentimientos,rechazando lo vulgar en beneficio de lo trascendente,
buscando la belleza ideal.
De
las palabras de Marietti se pueden sacar varias claves del estilo de
Reni, dice de él que es uno de los pintores más agradables.
Si se hubiera declinado más por la vertiente naturalista que
desarrolló Caravaggio, por ejemplo, jamás se le aplicaría
el termino agradable, muchos otros tal vez si, pero no agradable que
alude a lo bello y delicado. Esto implica, en primer lugar, que hay
una interpretación de la naturaleza, es más, se
puede decir que Reni eligió como fundamento de su pintura el
culto a la belleza y a la gracia, lo que lleva necesariamente a una
interpretación de la naturaleza.
de la naturaleza y en las lecciones de aquellos maestros que más
se hubieran acercado a la perfección. Apostaron por la renovación
y el reencuentro con los viejos ideales. Trazando un arco sobre la pintura
manierista, los Carracci aspiraron a convertirse en los herederos del
espíritu creador de los grandes maestros del Renacimiento. Y
al igual que buscaron la conciliación entre el respeto a la naturaleza
y el que se debe a las reglas, también se acercarían sin
prejuicios exclusivistas, a los dos grandes polos de la pintura italiana
del Quinientos. Rechazaron la vieja dicotomía Roma/Venecia (diseño/color)
y buscaron aprovechar, integrándolas en sus obras, tanto las
lecciones de Miguel Ángel y Rafael como las de Tiziano, Veronés
o Correggio.
