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AGENDA DE EXPOSICIONES

Tony Cragg
Lugar:
Museo de Arte Moderno Gran Duque Jean de Luxembourg (Mudam)
Dirección:
3, Park Dräi Eechelen. L-1499 Luxembourg
Fecha:
Desde el 11 de febrero hasta el 3 de septiembre de 2017


Tony Cragg, Forminifera, 1994, Collection Mudam Luxembourg, Acquisition 1996, Apport FOCUNA © Adagp, Paris 2016. Fotografía: Rémi Villaggi.Esta muestra no pretende ser una retrospectiva. Lo puede parecer al mostrar una selección de obras que en su mayoría se han realizado durante los últimos veinte años, pero nada más lejos de la realidad. Lo que se pretende principalmente, es reflejar la diversidad y el dinamismo característicos de la obra de este artista que se distingue por una productividad fuera de lo común.
Aunque Tony Cragg aborda las cuestiones de la forma y la materia escultóricas de una manera que “tradicional”, considera que cualquier material es intrínsecamente portador de sentido, de ideas y de emociones, y que de hecho la escultura es un medio artístico volcado hacia el futuro, cuyo potencial no ha sido plenamente explotado. Desde su punto de vista, el arte se encuentra a medio camino entre el dominio orgánico de la naturaleza y el funcional y optimizado de la producción industrial.
Las obras de Tony Cragg reunidas en el Mudam muestran una gran diversidad, pero a la vez se vinculan entre sí por el lugar que ocupan en el espacio. Un ejemplo de ello son Dining Motions (1982) y Forminifera (1994), las dos piezas de la colección del Mudam, atestiguan, por una parte, la atención que el artista siempre ha prestado a las relaciones entre forma, imagen y materia; y por otra, su interés por las formas orgánicas y los problemas de masa y superficie, problemas de los que también se ocupa, aunque de manera diferente, en otras obras.

Imagen:
Tony Cragg, Forminifera, 1994, Collection Mudam Luxembourg, Acquisition 1996, Apport FOCUNA © Adagp, Paris 2016. Fotografía: Rémi Villaggi.


1900-1950: Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco y las vanguardias
Lugar:
Museo de Arte de Dallas (DMA)
Dirección:
1717 N Harwood St, Dallas, TX 75201, EE. UU.
Fecha:
Desde el 12 de marzo hasta el 16 de julio de 2017


José Clemente Orozco, The “Soldaderas” (Las soldaderas), 1926, oil on canvas, Mexico, INBA, collection Museo de Arte Moderno © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York / SOMAAP, Mexico CitySe trata de más de 200 obras del llamado Renacimiento Artístico Mexicano, pintura, escultura, fotografía, dibujo y documentos cinematográficos.
Representa una de las retrospectivas de arte mexicano más importante de los últimos años. Es un vasto panorama de la modernidad mexicana que va del inicio de la Revolución hasta los años 60 complementado con piezas de artistas contemporáneos.
En la primera sección de la muestra, el público descubrirá cómo la modernidad mexicana se inspiró en la imaginación colectiva y en las tradiciones del siglo XIX.
La segunda sección de la exposición se enfoca en la Revolución como un conflicto armado que implicó la planificación de un nuevo proyecto nacional con un carácter ideológico plasmado en el muralismo con sus máximos representantes: Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.
El tercer apartado de la exhibición permite descubrir toda una selección de artistas y piezas presentadas como opciones a los discursos ideológicos de la época. Ahí se encuentra, por ejemplo, Gerardo Murillo Dr. Atl y Rufino Tamayo
Finalmente, en la cuarta sección se pueden apreciar movimientos de vanguardia en ciudades como Nueva York, Detroit y Los Ángeles derivados de la cohesión entre las culturas mexicana y estadounidense a través de la presencia de mexicanos en la Unión Americana.

Imagen:
José Clemente Orozco, Las soldaderas, 1926, óleo sobre lienzo, Mexico, INBA, collection Museo de Arte Moderno © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York / SOMAAP, Mexico City.


Obras de arte impresas en el París de 1900: de la élite a la calle
Lugar:
Museo van Gogh
Dirección:
Museumplein 6, 1071 DJ Amsterdam, Países Bajos
Fecha:
Desde el 3 de marzo hasta el 11 de junio de 2017


Henri de Toulouse-Lautre,Moulin Rouge, La Goulue, poster for the Dance Hall Le Moulin Rouge, c. 1891Se trata de una exposición compuesta por carteles publicitarios de varios artistas que poblaron las calles de París a finales del siglo XIX y de ilustraciones realizadas para coleccionistas privados de la alta burguesía de la época. Se dice que la publicidad refleja los gustos de los consumidores de cada época, y a juzgar por los carteles seleccionados para esta muestra, el París de hace 120 años era la meca del cabaré y las salas de música en directo.
Los carteles del París de finales del siglo XIX utilizaban colores vivos e imágenes llamativas para atraer la atención de los transeúntes, invitándoles a asistir a lugares tan diferentes como salas de conciertos o clínicas veterinarias, o incitándoles a consumir licores y colonias. Uno de los anuncios publicitarios es el famoso cabaré "Le chat noir" (El gato negro), el cartel representa un gato negro de largos bigotes que, sentado, se gira para mirar al espectador de forma desafiante, una obra diseñada por Steinlen que simboliza el espíritu libre del arte de la época y el carácter provocador del cabaret. Otro de los carteles de la exposición es el diseñado por Toulouse-Lautrec, que da a conocer un espectáculo de cancán del "Moulin Rouge" y retrata a una bailarina con una falda larga que se mueve por el escenario mientras, al fondo, una silueta de hombres y mujeres la observan.
La muestra también nos enseña obras de arte impresas menos conocidas, el de las ilustraciones destinadas al selecto público de los coleccionistas privados. Muchas de ellas no se colgaban en la pared, sino que se almacenaban en grandes carpetas y eran admiradas por sus propietarios en la intimidad de su casa. A diferencia de los carteles publicitarios, estas litografías y aguafuertes prescindían del texto escrito y podían convertirse en series con una temática común.

Imagen:
Henri de Toulouse-Lautre,Moulin Rouge, La Goulue, cartel para la Dance Hall Le Moulin Rouge, c. 1891.


De Zurbarán a Rothko. Colección Alicia Koplowitz - Grupo Omega capital
Lugar:
Museo Jacquemart-André
Dirección:
158 Boulevard Haussmann, 75008 Paris, Francia
Fecha:
Desde el 3 de marzo hasta el 10 de julio de 2017


Henri de Toulouse-Lautrec , La lectora, © Colección Alicia Koplowitz - Grupo Omega capitalLa muestra, compuesta por 52 obras maestras, pertenece a la Colección Alicia Koplowitz - Grupo Omega capital . En ella pueden verse maestros antiguos y modernos, que se codean en un diálogo apasionante a través de los siglos: esculturas antiguas y pinturas de Zurbarán, Tiepolo, Canaletto, Guardi , Goya, Toulouse-Lautrec, Gauguin, Van Gogh ,Picasso, Van Dongen, Modigliani, Schiele, de Staël, Freud, Rothko o Barceló, así como esculturas de Giacometti, Richer y burgués.
Arranca con Goya, Zurbarán y Canaletto, pero lo que parecía una previsible colección aristocrática de maestros españoles e italianos se termina desviando hacia la modernidad pictórica. Aparece una naturaleza muerta de Van Gogh. Una modelo de Toulouse Lautrec que no es prostituta ni cabaretera, sino una simple lectora. Un lienzo de Schiele donde la modelo está vestida. Una obra de Tàpies, más delicada que iconoclasta. Y otra de Lucien Freud, en la que el pintor evita mostrar la decrepitud carnal. El recorrido termina con una pequeña araña de Louise Bourgeois que, más que una madre depredadora, da la sensación contraria. La vanguardia que le gusta a Koplowitz parece más serena que desgarradora. No es casual que no tenga nada de pop art. Prefiere a clásicos modernos como Richard Serra, Cy Twombly o Anish Kapoor.

Imagen:
Henri de Toulouse-Lautrec, La lectora, © Colección Alicia Koplowitz - Grupo Omega capital.


Bruce Conner. Es todo cierto
Lugar:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Dirección:
Calle de Santa Isabel, 52, 28012 Madrid, España
Fecha:
Desde el 21 de febrero hasta el 22 de mayo de 2017


CONNER,  Bruce,  Child, cera, nailon, metal, bramante y trona de madera, 88 x 43’2 x 41’9 cm.,1959, MOMA, donación de Philip JohnsonSe trata de la primera retrospectiva en Europa de Bruce Conner (McPherson, Kansas, 1933-San Francisco, 2008), uno de los artistas más importantes de la escena underground estadounidense de la segunda mitad del siglo XX, y abarca toda su carrera reuniendo cerca de 250 obras realizadas en distintos medios: cine y vídeo, pintura, assemblage, dibujo, grabado, collage, tapiz, fotografía, fotograma, arte conceptual y performance.
La exposición, distribuida según criterios cronológicos y apartados temáticos, muestra cómo Conner, con una fluidez que hoy es un rasgo distintivo del arte contemporáneo, ya trabajaba simultánea o secuencialmente en diversos medios y creaba obras híbridas.
Esta muestra, organizada por The San Francisco Museum of Modern Art en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, permite entender la riqueza del trabajo de Conner a través de sus obras más influyentes pero también otras menos conocidas, como sus pinturas de los años cincuenta. También se presentan por primera vez en varias décadas ciertas obras que han tenido un azaroso historial expositivo o que apenas se han mostrado, como el assemblage restaurado CHILD (1959), y Looking Glass (1964), y trabajos que creó en los últimos años de su vida, después de "retirarse" oficialmente como artista.
Para la ocasión se han reunido piezas procedentes de museos de todo el mundo, como The San Francisco Museum of Modern Art, The Museum of Modern Art de Nueva York, Walker Art Center de Mineápolis, Museum of Contemporary Art de San Diego o Centre Pompidou de París así como de diversas colecciones privadas.

Imagen:
CONNER, Bruce, Child, cera, nailon, metal, bramante y trona de madera, 88 x 43’2 x 41’9 cm.,1959, MOMA, donación de Philip Johnson.


Peter Hujar. A la Velocidad de la Vida
Lugar:
Sala Fundación MAPFRE Casa Garriga i Nogués
Dirección:
Diputació, 250. 08007 Barcelona, España
Fecha:
Desde el 27 de enero hasta el 30 de abril de 2017


HUJAR, Peter, 'Gary in Contortion' (1979). Gelatina de plata. The Morgan Library & Museum, The Peter Hujar Collection. Adquirida gracias a The Charina Endowment Fund, 2013.108:1.78. © The Peter Hujar Archive, LLC. Cortesía Pace/MacGill Gallery, Nueva York, y Fraenkel Gallery, San FranciscoSe trata de la primera retrospectiva del artista en España. La muestra pone de manifiesto la amplitud, la profundidad y la singularidad de su obra. La muestra está compuesta por 160 fotografías, está organizada teniendo en cuenta las preferencias del artista. En lugar de mostrar las fotografías por secciones optaba en presentarlas en yuxtaposiciones enérgicas, sorprendentes y, a veces desconcertantes.
Los retratos de Peter Hujar (Trenton, 1934 - Nueva York, 1987) ejercieron una influencia clave y transformadora en la fotografía de la segunda mitad del siglo XX. Su trayectoria, que estuvo marcada por su evolución personal más que por éxitos palpables, se desarrolló durante las décadas de los años 1950, 1960 y 1970, coincidiendo con un Nueva York que era escenario de los primeros movimientos de liberación homosexual y de los estragos causados por el sida, en la década de 1980.
La utilización del blanco y negro, junto con un estilo definido por la sencillez, hace que sus fotografías resulten profundamente evocadoras y conmovedoras. A través de su cámara, Hujar profundiza en el que es su principal interés: generar una atmósfera de intimidad que le permita establecer una relación directa con el retratado y adentrarse en su verdadera naturaleza.
La exposición ha sido organizada por Fundación MAPFRE y The Morgan Library & Museum, Nueva York. Su itinerancia ha sido posibles gracias a Terra Foundation for American Art. Tras su paso por Barcelona hasta el 30 de abril, se podrá visitar en verano en el Fotomuseum de La Haya y en enero de 2018 en The Morgan Library & Museum de Nueva York, institución colaboradora del proyecto y prestador mayoritario de las obras.

Imagen:
HUJAR, Peter, 'Gary in Contortion' (1979). Gelatina de plata. The Morgan Library & Museum, The Peter Hujar Collection. Adquirida gracias a The Charina Endowment Fund, 2013.108:1.78. © The Peter Hujar Archive, LLC. Cortesía Pace/MacGill Gallery, Nueva York, y Fraenkel Gallery, San Francisco.


Bethune. La huella solidaria
Lugar:
Centro Cultural Conde Duque
Dirección:
Calle Conde Duque 11, 28015 Madrid, España
Fecha:
Desde el 17 de enero hasta el 2 de abril de 2017


Bethune junto a miembros de su equipo ante la sede del servicio de transfusiones Príncipe de VergaraA través de una serie de fotografías, la exposición ‘La huella solidaria. El legado del doctor Bethune y la ayuda de los voluntarios canadienses a la II República’, traza un recorrido por la vida de Norman Bethune (Gravenhurst, Canadá, 1890- Hebei, China, 1939), médico canadiense que llevó a cabo una gran labor humanitaria durante la Guerra Civil española con las transfusiones de sangre in situ que realizó su unidad, una de las primeras que lo hizo en el mundo.
La exposición, cuya producción corre a cargo del Centro Andaluz de la Fotografía (CAF), traza un recorrido por la vida de Bethune, a través de una serie de fotografías que recogen sus inicios como reputado cirujano en Montreal, su labor sanitaria en España durante la Guerra Civil y su trabajo en China como cirujano de campaña en el frente.

Imagen:
Bethune junto a miembros de su equipo ante la sede del servicio de transfusiones Príncipe de Vergara.


El hallazgo del pasado. Alfonso El Sabio y la Estoria de España
Lugar:
Biblioteca Nacional de España (BNE)
Dirección:
Pº de Recoletos 20-22 28071 Madrid, España
Fecha:
Desde el 31 de enero hasta el 16 de abril de 2017


Crónica xeral galega, Biblioteca Nacional de EspañaLa muestra está compuesta por una selección de piezas manuscritas e impresas ligadas a la labor histórica del monarca Alfonso X, y en particular a una obra de referencia inexcusable para la literatura hispánica medieval: la Estoria de España.
Centrada en el pasado de los pueblos que dominaron la Península desde el principio del mundo hasta la época del propio monarca, en la exposición se pueden ver: sus fuentes, su relación con la General estoria, la existencia de tres versiones del texto, la proliferación de crónicas generales postalfonsíes o las ediciones impresas de la obra. Entre otras piezas, podrán observarse varias de las alrededor de veinte copias de la Estoria que posee la Biblioteca Nacional, y que van del s. XIV al XVIII.
Para la ocasión, se ha preparado asimismo una exposición digital con la que los visitantes podrán acceder a través de sus dispositivos móviles o bien desde su casa. En esta exhibición digital se amplían los contenidos de la muestra presencial con textos, imágenes, audios y actividades relacionadas con la figura y el legado de Alfonso el Sabio, y con la Estoria de España en particular.

Imagen:
Crónica xeral galega, Biblioteca Nacional de España.


Huellas. Humberto Rivas
Lugar:
Arxiu Fotogràfic de Barcelona
Dirección:
Plaça Pons i Clerch, 2 planta 2a, Barcelona, España
Fecha:
Desde el 20 de octubre de 2016 hasta el 8 de abril de 2017


RIVAS, Humberto, Belchite, 1999, Arxiu Fotogràfic de BarcelonaLa muestra está integrada por 53 fotografías realizadas entre 1995 y 2005, que rastrean la geografía buscando escenarios e individuos vinculados a la Guerra Civil. Teruel, Belchite, Corbera d’Ebre, Figueres, Barcelona… Pero también Montserrat, Filo, Encarnación, José María o Eduardo. Imágenes que ponen nombres y caras a unas verdades que indefectiblemente borrará el paso del tiempo.
Tanto si se trata de rostros de personas como de ruinas o fachadas, las fotografías de Humberto Rivas (Buenos Aires, 1937 - Barcelona, 2009) nos despliegan un paisaje esencial compuesto de ausencias y tiempo acumulado. La mirada silenciosa de los individuos y la obsolescencia de los objetos evocan la memoria callada.
El AFB adquirió esta colección de fotografías en el año 2009.
Sus fotografías reivindican la memoria. Son evocadoras, pero no nostálgicas, porque se reafirman en el tiempo histórico. En palabras de Walter Benjamin, cada una “se adueña de un recuerdo tal y como fulgura en el instante de un peligro”.

Imagen:
RIVAS, Humberto, Belchite, 1999, Arxiu Fotogràfic de Barcelona.


Mujeres surrealistas y su relación con Barcelona
Lugar:
Galería Mayoral
Dirección:
Consell de Cent 286, Barcelona, España
Fecha:
Desde el 13 de enero hasta el 1 de abril de 2017


KAHLO, Frida, Autorretrato como genitales, 1944.La muestra compuesta por 28 obras entre pinturas, dibujos y fragmentos de vídeos, reúne obras de Valentine Hugo (1887-1968), Maruja Mallo (1902-1995), Lee Miller (1907-1977), Frida Kahlo (1907-1954), Dora Maar (1907-1997), Remedios Varo (1908-1963), Ángeles Santos (1911-2013) y Leonora Carrington (1917-2011). Nacidas entre finales del siglo XIX y comienzos del XX, las ocho se entregaron a la indagación surrealista y han sido reivindicadas en las últimas décadas como creadoras clave del movimiento. Comisariada por Victoria Combalía, la exposición pretende contribuir a "corregir la injusticia histórica" cometida contra las mujeres surrealistas, generalmente consideradas solo por su condición de parejas, modelos o amigas de otros pintores reconocido. Aquí las mujeres son presentadas por su "condición plena" de grandes creadoras, aunque los propios organizadores se ven en la necesidad de aclarar o destacar las relaciones sentimentales de la mitad de ellas con hombres del grupo surrealista parisino. Josep Bartolí, el amante de Kahlo, la llamaba Mara, abreviación íntima de Maravillosa.
Los vínculos con Cataluña son directos o indirectos. Ejemplos como Frida Kahlo de a que se expone un dibujo nunca antes visto en público, ‘Autorretrato como genital’ (1944), quizá inspirado en la relación de la mexicana con el pintor catalán Josep Bartolí, al que conoció en Nueva York. De la catalana Santos se exponen el óleo onirista ‘Alma que huye de un sueño’ y un dibujo preparatorio de una de sus obras más conocidas, ‘Un mundo’, propiedad del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. O Dora Maar, una de las modelos más habituales de Picasso, de la que se muestran fotos que hizo en Barcelona en 1933, entre ellas ‘Femmes et trois enfants devant les baraques en planches au Somorrostro’ (Mujeres y tres niños delante de las barracas de madera del Somorrostro).

Imagen:
KAHLO, Frida, Autorretrato como genitales, 1944.


Luces, sombras, reflexiones
Lugar:
Fundación Beyeler de Basilea
Dirección:
Baselstrasse 101, 4125 Basel, Suiza
Fecha:
Desde el 21 de enero hasta el 28 de mayo de 2017


Cartel de la muestraSe trata de una muestra de Claude Monet (1840-1926), centrada en las obras de entre 1880 y principios del siglo XX, que recoge los pasos que dio el pintor francés para acercarse a lo que una vez dijo que era el fin último de su arte "pintar la belleza del aire que envuelve a los puentes, a los ríos, a los barcos", una hazaña que él mismo calificó de "nada menos que imposible".
Con 62 obras, ordenadas en salas temáticas, la exposición revela una fase de reorientación que emprendió el maestro de la luz y el color después de la muerte de su primera mujer, Camille Doncieux. Esta etapa de transición le llevará a dejar de ser tan solo el pionero del impresionismo, para elaborar un arte más personal.
Así, en la exposición aparecen lienzos que captan la luz que baña los paisajes mediterráneos, las sombras que empañan los acantilados de la costa atlántica, la Catedral de Rouen y la neblina que cubre Londres con tal densidad que no permite distinguir la imagen del reflejo.
También pueden verse "En novérgienne", cedida por el Musée d'Orsay de París, donde tres jóvenes vestidas de blanco pasean en barca por el río parisino; la bruma del amanecer en "Matinée sur la Seine" del Art Instituto de Chicago, y los acantilados "Pointers de rochers à Port-Domois", del Cincinatti Art Museum.
La muestra también expone la etapa más tardía de Monet con cuatro obras de la serie "Nymphéas" (Nenúfares), que el artista pintó aislado en su casa de Giverny, en el norte de Francia, a partir de principios del siglo XX y hasta su muerte.
Las obras maestras expuestas son propiedad de la fundación suiza y de algunas de las instituciones culturales más destacadas de todo el mundo como el Metropolitan Art Museum de Nueva York o el museo Pola de Japón.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Picasso y Rivera: Conversaciones a través del tiempo
Lugar:
Museo de Arte de Los Ángeles (LACMA)
Dirección:
905 Wilshire Blvd, Los Angeles, CA 90036, EE. UU.
Fecha:
Desde el 7 de diciembre de 2016 hasta el 7 de mayo de 2017


RIVERA, Diego, Marinero almorzando, 1914. Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, Guanajuato. PICASSO, Pablo, L'etudiant au journal, 1913-14. The Metropolitan Museum of Art150 piezas entre pintura, escultura, grabado y dibujo, realizadas por dos de los más grandes creadores artísticos del siglo pasado integran esta muestra. La muestra busca demostrar como ambos artistas viajaron hasta sus raíces para buscar la subversión y reinventar la realidad. Por ello, se incluyen además docenas de antiguos objetos greco-romanos, ibéricos y aztecas, con los que se pretende mostrar cómo sus propuestas creativas bebieron de las formas, los mitos y las obras artísticas de la antigüedad. Inspiración y sensibilidad mediterránea, en el caso de Picasso, y precolombina e indigenista en el de Rivera.
Los cinco bloques temáticos de la muestra buscan ahondar en los momentos de interacción y divergencia entre los dos artistas, coincidieron, entre 1908 y 1916, en su adscripción al cubismo parisino, estilo que terminaría por ser el causante de la ruptura de relaciones. En este capítulo se exponen cuadros de Picasso como “Estudiante leyendo el diario” (1913) y “Marinero almorzando” (1914), primeros apuntes experimentales de un período crítico. Después de viajar a Italia decidieron 'regresar al orden' Tras la I Guerra Mundial y en otro movimiento casi paralelo, y abrazaron una "revalorización de la tradición clásica", que el primero expresó en sus reinterpretaciones de temas mitológicos grecorromanos y etruscos, mientras que el mexicano volvió la vista al indigenismo. De Picasso se exhibe “Tres Mujeres en la primavera” (1921) y de Rivera, “Día de las flores” (1925), uno de sus más conocidos óleos.
Dos de las galerías están dedicadas en exclusiva a cada uno de los artistas. Rivera y el arte precolombino muestra cómo el artista mexicano abandona definitivamente la abstracción para emplearse en la "figuración didáctica", con referencias a las antiguas civilizaciones mexicanas. La galería dedicada a Picasso y la mitología explora cómo el artista cimentó el arte del siglo XX a través de la experimentación formal con los temas del pasado, creando imágenes personales y universales asentadas en una sensibilidad mediterránea.

Imagen:
RIVERA, Diego, Marinero almorzando, 1914. Museo Casa Estudio Diego Rivera y Frida Kahlo, Guanajuato
PICASSO, Pablo, L'etudiant au journal, 1913-14. The Metropolitan Museum of Art.



...y además

Autogestión
Desde el 16 de febrero hasta el 21 de mayo de 2017
http://www.fmirobcn.org


Cabello/Carceller .Borrador para una exposición sin título (cap. II)
Desde el 20 enero hasta el 7 de mayo de 2017
http://www.ca2m.org


Picasso. Mano erudita, ojo salvaje
Desde el 14 de de diciembre de 2016 hasta el 5 de marzo de 2017
http://www.ccplm.cl

Enrique Metinides
Desde el 9 de febrero hasta el 24 de marzo de 2017
https://www.michaelhoppengallery.com

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