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AGENDA DE EXPOSICIONES

Hijo del Laocoonte. Alonso Berruguete y la Antigüedad pagana
Lugar:
Museo Nacional de Escultura
Dirección:
C/ Cadenas de San Gregorio - 47011 Valladolid, España.
Fecha:
Desde el 5 de julio hasta el 5 de noviembre de 2017


Alonso Berruguete, Patriarca, 1526-1532, madera policromada, Museo Nacional de Escultura, Valladolid, EspañaEsta exposición explora el “alma pagana” de Alonso Berruguete (1490-1561), su personal amalgama entre el arte cristiano y la sensualidad de la estatuaria clásica.
Siendo joven, entre 1506 y 1518, el primer escultor del Renacimiento español realizó una larga y fructífera estancia en Italia. Convivió, en Florencia y en Roma, con Miguel Ángel, Rafael o Bramante y se contagió de su euforia por los ideales antiguos y de su manera de ver el arte, participando de ese feliz diálogo entre mitos paganos y devociones cristianas que nutrió el Humanismo europeo.
Sarcófagos, ruinas y estatuas encendieron su fantasía. Y, en especial, el poderoso grupo del Laocoonte. La exasperación psíquica, la danza de los cuerpos en el espacio o el virtuosismo anatómico del mármol helenístico inspirarán sus patriarcas bíblicos o sus escenas de lamento ante el sepulcro.
La muestra, por tanto, pretende reflexionar sobre la figura de uno de los artistas esenciales del Renacimiento español en su papel como puente con las novedades que se estaban fraguando en Italia, en la época en que Miguel Ángel había esculpido su David y afrontaba la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina, y cuando acababa de ser descubierto el célebre grupo del Laocoonte.
La exposición reúne alrededor de setenta obras, entre esculturas, pinturas, dibujos y grabados de grandes maestros, muchos de ellos representados en las colecciones del Museo, y otras procedentes de grandes colecciones y museos nacionales y extranjeros (Museo Arqueológico Nacional, Museo Nacional del Prado, Galeria Uffizi en Florencia, etc.), que ayudarán a construir su universo de formas e influencias.
Las obras de Berruguete que se exhiben confirman la imagen del palentino como ejemplo de hombre del Renacimiento. Reconocido fundamentalmente por su faceta escultórica, Berruguete es el artista total que también pinta, dibuja y utiliza recursos arquitectónicos en sus trabajos.


Imagen:
Alonso Berruguete, Patriarca, 1526-1532, madera policromada, Museo Nacional de Escultura, Valladolid, España.


Lo concreto. Fotografía arquitectónica y abstracta de Cristina Kahlo
Lugar:
Museo Diego Rivera y Frida Kahlo
Dirección:
c/ Diego Rivera s/n, Álvaro Obregón, San Angel Inn, 01060 Ciudad de México, México.
Fecha:
Desde el 27 de julio hasta el 29 de octubre de 2017


Cartel de la muestraLa exhibición muestra una síntesis del trabajo de la fotógrafa desde 1996 hasta la fecha. Está compuesta por 89 piezas donde la autora geometriza los espacios que la han cautivado, con el objetivo de mostrar su visión de la fotografía arquitectónica.
Se pueden ver fragmentos de espacios emblemáticos o conocidos, como la Casa Luis Barragán, en la exposición también se pueden ver fotografías de espacios desconocidos, de los cuales puede haber interés por sus formas o en la manera en la que llega o incide la luz en el espacio, aunque como ha dicho la artista: “La arquitectura fue un pretexto para crear imágenes. Para nada pretendo documentar un espacio, por eso cualquier lugar me funciona, desde el espacio más emblemático o el común”.
La gran mayoría de sus obras corresponden a objetos, elementos, formas y composiciones que se consideran dentro del “abstraccionismo fotográfico” con la finalidad de exponer fragmentos no reconocibles a primera vista, que incitan al público a reinterpretar las imágenes.
En los cinco núcleos se pueden apreciar fotografías de México, Estados Unidos, Italia, Alemania, Inglaterra, Suiza, Turquía, Francia y China que resaltan la fotografía de arquitectura y abstracta.
En sus inicios como fotógrafa, Kahlo realizó una amplia documentación fotográfica sobre la discapacidad infantil como el autismo, síndrome de down y parálisis cerebral. Entre sus principales trabajos, se encuentran las imágenes sobre el Centro de Capacitación Musical Mixe en Oaxaca capturadas en 2006.
En los últimos años, la artista se ha interesado por la geometría, los conceptos de viaje y desplazamiento geométrico en exposiciones como Laboratorio de Ficciones (2011) y La Mirada del Viajero (2015).

Imagen:
Cartel de la muestra.


La imaginación del desastre (…o qué y cómo hacer con la maldad)
Lugar:
Arte x Arte
Dirección:
c/ Lavalleja 1062, Ciudad de Buenos Aires, Argentina.
Fecha:
Desde el 10 de junio hasta el 9 de septiembre de 2017


Cartel de la muestraLa muestra colectiva de ArtexArte Fundación Alfonso y Luz Castillo comisariada por Jorge Zuzulich y Pablo Orlando, cuenta con la participación de destacados artistas de Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Uruguay, Costa Rica, África y Argentina: Vito Acconci, Luciana Arias, Néstor Baltodano, George Bataille, Marcelo Bordese, Alfonso Castillo, Juan Cuello, Echo & the Bunnymen, Liliana Felipe, Juan Manuel Fiuza, Miguel Harte, Alejandro Kuropatwa Leo Masliah, The Police, Liliana Porter, Alfredo Prior, Carol Reed, Edmundo Rivero, Olivier de Sagazan, Tom Waits y Dolores Zorreguieta, quienes, han sabido representar mediante la fotografía, “el lado izquierdo de la empresa humana, la crueldad agazapada detrás del manto de la civilización, la inclinación hacia eso que el sano juicio considera el mal y que tal vez ha sido, en buena medida, mal entendido.”
Crímenes, sátiras, monstruosidades concretas y deliberadas, abs­tractas y sugeridas, insultos, lamentaciones. En todos los casos y por supuesto, en un registro ficcional. Mostrar el lado izquierdo de la empresa humana, la crueldad agazapada detrás del manto de la civilización, la inclinación hacia eso que el sano juicio considera el mal y que tal vez ha sido, en buena medida, mal entendido. Tal es el objeto de esta muestra: darle cuerpo al malestar pero ya puesto en escena como vía de escape para el descontento. Y exponerlo como una contra-historia de los hombres.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Tesoros de la Hispanic Society
Lugar:
Museo Nacional del Prado
Dirección:
11 West 53 Street, Manhattan, Nueva York, EE.UU.
Fecha:
Desde el 4 de abril hasta el 10 de septiembre de 2017


El Museo del Prado, con el patrocinio de la Fundación BBVA, han realizado una exposición donde puede verse más de 200 obras pertenecientes a la Hispanic Society, institución con sede en Nueva York creada para la divulgación y estudio de la cultura española en los Estados Unidos. Es poseedora de la más importante colección de arte hispano fuera de España, con más de 18.000 piezas que abarcan del Paleolítico al siglo XX, y una biblioteca extraordinaria con más de 250.000 manuscritos y 35.000 libros raros, entre los que se incluyen 250 incunables.
La muestra realiza un recorrido cronológico y temático. Piezas arqueológicas, escultura romana, cerámicas, vidrios, muebles, tejidos, metalistería, arte islámico y medieval, obras del Siglo de Oro, arte colonial y del siglo XIX latinoamericano y pintura hispana de los siglos XIX y XX se muestran en un recorrido donde la pintura española, con obras tan relevantes como La Duquesa de Alba de Goya o Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares de Velázquez, entabla un fascinante diálogo con las colecciones del Prado.
Muchas de las obras que se presentan no se habían hecho públicas hasta ahora o permanecían inéditas, como los relicarios de santa Marta y santa María Magdalena de Juan de Juni, o el grupo de madera policromada, vidrio y metal titulado las Postrimerías del Hombre, atribuido al ecuatoriano Manuel Chili, Caspicara; y otras, se han recuperado recientemente como el extraordinario Mapa de Tequaltiche, que se creía perdido. Sin embargo, y por encima del valor individual de cada obra, la contemplación de este conjunto excepcional contextualiza la magnitud de una riquísima historia de más de tres milenios de cultura hispánica en la Península Ibérica, América y Filipinas, la calidad de una colección que ningún otro museo fuera de España puede igualar, y la pasión de un coleccionista que puso todos sus recursos y conocimientos al servicio de la idea de crear un museo español en América.

Imagen:
VELÁZQUEZ, Diego. Retrato de niña, (ca. 1638-44), óleo sobre lienzo, 51,5 x 41 cm., Nueva York, The Hispanic Society of America.


Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction
Lugar:
The Museum of Modern Art (MoMA)
Dirección:
11 West 53 Street, Manhattan, Nueva York, EE.UU.
Fecha:
Desde el 15 de abril hasta el 13 de agosto de 2017


RYAN, Anne. Collage, 353. 1949. Pasted colored papers, cloth, and string on paper, 19 x 17.5 cm., The Museum of Modern Art, New York. Gift of Elizabeth McFaddenLa exhibición la conforma un centenar de obras de cincuenta mujeres artistas internacionales, que pone en valor sus logros entre las décadas de los cincuenta y los sesenta dentro del movimiento abstracto.
La "cultura hipermasculina" que acompañó a esta corriente artística después de la Segunda Guerra Mundial hacía más difícil para las mujeres, a las que se asignaba normas de género específicas, participar. Más aun si, además, estaban casadas con artistas. Ese fue el caso de Lee Krasner, que durante toda su carrera luchó contra la idea de que los fuertes gestos del expresionismo abstracto eran una "heroicidad" de los hombres y solo tras la muerte de su marido, Jackson Pollock, consiguió hacerse con un nombre propio. En "Gaea" (1966) se aprecia cómo Krasner utilizó su cuerpo, su fuerza, para expresarse a través de incisivos brochazos de pintura en tonos rosados, blancos y oscuros. "Quiero que el lienzo respire y esté vivo", explicaba la artista en aquel momento.
Precisamente, el recorrido de la muestra, comienza con un retrato dinámico y colorista del viaducto Shinnecock, en Long Island, obra de la estadounidense Grace Hartigan, una pionera en el género que en los años cincuenta firmó bajo el nombre de George para sortear los prejuicios de género.
Las mujeres que protagonizan la muestra encontraron medios de expresión en los gestos existencialistas, el orden racional de la geometría y el potencial disruptivo de materiales como la tela, pasando por la fotografía o el papel.
Entre las artistas que pueden verse están Bridget Riley con "Current", una vibrante composición de líneas sinuosas en blanco y negro que participó en "The Responsive Wye", una exhibición del MoMa que ayudó a definir el estilo 'op art' en 1965. La uruguaya María Freire o las venezolanas Gego y Elsa Gramcko; la brasileña Gertrudes Altschul; o Anni Albers de la que se exponen varios separadores de habitación tejidos con materiales poco convencionales, como celofán o crin de caballo, y que bebe de la Bauhaus de Alemania, donde dirigió un taller de telas hasta que los nazis lo cerraron en 1933.
Las comisarias señalaron que todas las obras, desde las recién adquiridas hasta las de los años cincuenta y sesenta, forman parte de la colección del MoMA, que tiene el objetivo de ampliar la representación de las mujeres artistas en el museo.

Imagen:
RYAN, Anne. Collage, 353. 1949. Pasted colored papers, cloth, and string on paper, 19 x 17.5 cm., The Museum of Modern Art, New York. Gift of Elizabeth McFadden.


Sorolla en su paraíso. Álbum fotográfico del pintor
Lugar:
Museo Sorolla
Dirección:
C/ General Martínez Campos, 37 28010, Madrid, España
Fecha:
Desde el 7 de abril hasta el 1 de octubre de 2017


Sorolla trabajando en el cuadro Tipos de Soria, en los altos de la ermita del Mirón, Museo Sorolla [Inv. 80144], fotografía de Aurelio Rioja de PabloLa exposición pretende ofrecer un retrato fotográfico de Joaquín Sorolla y de su universo creativo y personal. La muestra bucea en la vida del valenciano, tanto en la esfera personal como en la profesional.
Dada su condición de gran artista, Sorolla fue siempre objetivo de los fotógrafos, algunos de ellos miembros de su círculo familiar y afectivo, como Antonio García, Christian Franzen, Campúa, Gertrude Kasëbier o González Ragel, que le retrataron en plena faena, en los ámbitos familiares y en los lances más relevantes de su vida.
Comisariada por el fotohistoriador Publio López Mondéjar, Sorolla en su paraíso se nutre del archivo fotográfico del museo, la Fototeca de Castilla y León, la Biblioteca Nacional, el Archivo General de la Administración, el Archivo Fotográfico de la Diputación de Valencia, Televisión Española, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos... Asimismo, se han consultado diversos archivos de fotógrafos (Alfonso, Marín, Christian Franzen, Pelai Mas, Antonio García, Boldún, Káulak, Venancio Gombau y González Ragel) y decenas de colecciones particulares.
Dividida en siete secciones (Juventud, Familia, El pintor en el estudio, Madurez, Amigos y Clientes, Sorolla a plena luz y Últimos días), la muestra reúne 61 copias digitales realizadas en el taller de Castro Prieto a partir de originales de distintas colecciones, 13 copias de época, tres óleos de la colección del museo y originales de prensa. En ella aparecen algunos de los grandes fotógrafos norteamericanos de su tiempo: W.A. Cooper, Williams M. Hollinger, Harris and Ewing, Gertrude Käsebier o Sebastian Cruset, con quien trabó amistad tras los viajes a EEUU con motivo de sus exposiciones en 1909.
Además las fotografías reunidas también ofrecen una visión de la evolución del retrato de los últimos años del siglo XIX y principios del XX, con técnicas tan diversas como la albúmina con ese tono sepia tan característico, o el nitrato de plata.

Imagen:
Sorolla trabajando en el cuadro Tipos de Soria, en los altos de la ermita del Mirón, Museo Sorolla [Inv. 80144], fotografía de Aurelio Rioja de Pablo.


Tony Cragg
Lugar:
Museo de Arte Moderno Gran Duque Jean de Luxembourg (Mudam)
Dirección:
3, Park Dräi Eechelen. L-1499 Luxembourg
Fecha:
Desde el 11 de febrero hasta el 3 de septiembre de 2017


Tony Cragg, Forminifera, 1994, Collection Mudam Luxembourg, Acquisition 1996, Apport FOCUNA © Adagp, Paris 2016. Fotografía: Rémi Villaggi.Esta muestra no pretende ser una retrospectiva. Lo puede parecer al mostrar una selección de obras que en su mayoría se han realizado durante los últimos veinte años, pero nada más lejos de la realidad. Lo que se pretende principalmente, es reflejar la diversidad y el dinamismo característicos de la obra de este artista que se distingue por una productividad fuera de lo común.
Aunque Tony Cragg aborda las cuestiones de la forma y la materia escultóricas de una manera que “tradicional”, considera que cualquier material es intrínsecamente portador de sentido, de ideas y de emociones, y que de hecho la escultura es un medio artístico volcado hacia el futuro, cuyo potencial no ha sido plenamente explotado. Desde su punto de vista, el arte se encuentra a medio camino entre el dominio orgánico de la naturaleza y el funcional y optimizado de la producción industrial.
Las obras de Tony Cragg reunidas en el Mudam muestran una gran diversidad, pero a la vez se vinculan entre sí por el lugar que ocupan en el espacio. Un ejemplo de ello son Dining Motions (1982) y Forminifera (1994), las dos piezas de la colección del Mudam, atestiguan, por una parte, la atención que el artista siempre ha prestado a las relaciones entre forma, imagen y materia; y por otra, su interés por las formas orgánicas y los problemas de masa y superficie, problemas de los que también se ocupa, aunque de manera diferente, en otras obras.

Imagen:
Tony Cragg, Forminifera, 1994, Collection Mudam Luxembourg, Acquisition 1996, Apport FOCUNA © Adagp, Paris 2016. Fotografía: Rémi Villaggi.



...y además


Anarchéologie
Desde el 15 de junio hasta el 11 de septiembre de 2017
https://www.centrepompidou.fr


Antoni Tàpies. Objectes
Desde el 7 de de febrero hasta el 25 de septiembre de 2017
http://www.fundaciotapies.org


António Olaio - Cleaning up the Vacuum
Desde el 17 junio hasta el 16 de septiembre de 2017
http://galeriafernandosantos.com

Fragmentos: algumas obras na Coleção de Serralves
Desde el 30 de junio hasta el 2 de octubre de 2017
https://www.serralves.pt

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