Hans
Haacke. Castillos en el aire
Lugar: Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Dirección: C/ Santa Isabel, 52, 28012
Madrid, España
Fecha: Desde el 15 de febrero hasta el 23
de julio de 2012
En
la muestra se pueden ver cerca de 40 obras que abordan las principales
preocupaciones que jalonan la trayectoria del artista alemán,
desde el mercado y los efectos de la globalización hasta las
relaciones entre arte y poder.
A Hans Haacke (Colonia, 1936) se le considera uno de los principales
representantes de la llamada crítica institucional surgida a
finales de los años sesenta. Su trabajo se ha caracterizado por
cuestionar el uso comercial y propagandístico que se le ha dado
al arte y al artista. Su obra, siempre polémica, ácida
y crítica con lo establecido, ha sido censurada en varias ocasiones.
Castillos en el aire es el nuevo proyecto que se presenta de Haacke,
núcleo de la muestra, creado específicamente para la ocasión.
Esta gran instalación ocupa gran parte del espacio expositivo
y de ella forman parte nueve trabajos de otros artistas. Además,
su último trabajo está acompañado por una amplia
selección de obras que abordan las principales preocupaciones
que jalonan su trayectoria (The Invisible Hand of the Market,
2009), hasta las relaciones entre arte y poder (Thank you Payne
Weber, 1979; Global Marketing, 1986-2011 y Helmsboro
Country, 1990) o Der Pralinen Meister, 1981, su famosa
serie sobre el creador del Museum Ludwig de Colonia.
Otros trabajos a destacar de la muestra son aquellos que hacen referencia
a los mecanismos de representación, para los que el artista se
sirve de los gráficos que usa la sociología o el urbanismo.
Estas piezas de investigación, resueltas con simplicidad minimalista
y gran eficacia visual, estudian la relación entre perfiles demográficos
e ideológicos/económicos: Gallery Goers’ Residence
Profile, 1970; Sol Goldman & Alex Dilorenzo, Manhattan Real State
Holdings, 1971. La muestra también reconstruye la obra News
(1969-70), procesando para el visitante noticias sobre los temas de
la exposición en tiempo real materializadas a través de
una impresora.
La exposición se cierra con una serie de obras que aluden a la
crisis actual (Nothing to declare, 1992; Waiting for the End of
History, 1992, y Trickle Up 1992), presentando asimismo
una obra a la que Haacke ha recurrido en numerosas ocasiones a lo largo
de su carrera: Grass Grows (1969-2011), un cúmulo de
tierra donde crece la hierba que funciona como contrapunto orgánico
a los flujos económicos, sociales y políticos en los que
se centra su obra.
Imagen: HAACKE,
Hans, Instalación Trickle up
Retratos
de Lucian Freud
Lugar: National
Portrait Gallery de Londres
Dirección: St Martin's Place, London
WC2H 0HE, Inglaterra
Fecha: Desde el 9 de febrero hasta el 27
de mayo de 2012
Se
trata de la primera retrospectiva que se realiza de este artista desde
su muerte. 130 obras efectuadas a lo largo de seis décadas procedentes
de museos y colecciones privadas de todo el mundo, algunas de las cuales
nunca habían sido expuestas, es lo que puede admirarse en esta
exposición, comisariada por Sarah Howgate.
Sigue un orden cronológico que deja al descubierto la manera
de Lucian Freud de expresar y representar los motivos desde su primera
etapa. Retratos de su círculo cercano, su madre Lucie, su hija
Bella y su segunda mujer, Caroline Brackwood en la habitación
de un hotel de París. Además de amigos y compañeros,
David Hockney, Francis Bacon y el coreógrafo Leigh Bowey, así
como al barón Thyssen-Bornemisza (entre 1983 y 1985), hasta Portrait
of the Hound, obra en la que trabajaba cuando le sorprendió la
muerte.
Imagen: FREUD,
Lucian, Reflection (Autorretrato), 1985, Col. privada, Irlanda
© The Lucian Freud Archive. Foto: cortesia del Archivo Lucian Freud
Akseli
Gallen-Kallela (1865-1931), una pasión finlandesa
Lugar: Museo
de Orsay
Dirección: 62, rue de Lille 75343,
París, Francia
Fecha: Desde el 7 de febrero hasta el 6 de
mayo de 2012
![GALLEN-KALLELA, Akseli, La Defensa de Sampo [Sammon puolustus], 1896, temple sobre lienzo, 122 x 125 cm., Finlandia, Turku, Turku Art Museum, © Turku Art Museum / Photo Kari Lehtinen](museo_orsay_akseli_gallen_kallela.jpg)
El
museo parisino expone el al pintor y decorador Akseli Gallen-Kallela,
con una retrospectiva que aspira a ofrecer una imagen global de su obra.
La muestra se inscribe en el objetivo del Museo de dar a conocer los
artistas extranjeros a los franceses y el arte de finales del siglo
XIX y principios del XXl, época en la que más allá
de París había otros centros artísticos.
La exhibición reúne 90 cuadros y un conjunto de obras
decorativas. Pueden verse paisajes finlandeses de "extremada calidad
pictórica, así como su trabajo sobre los temas y los personajes
del Kevala, poema mitológico fundamental en la construcción
de la identidad nacional finlandesa, plasmado en cuadros como ‘La
Defensa de Sampo’. El artista quería así expresar
la historia de su país y sus vivencias personales como testigo
de episodios claves, como la independencia de Finlandia, lograda en
1917 pese a los intereses de Rusia y Suecia.
La exposición revela entre otros aspectos de la producción
de Gallen-Kallela su pasión por los viajes, que le llevó
a estudiar en París y a pasar temporadas en Italia o Kenia. De
ahí, el carácter ‘cambiante’ de su obra y
sus frecuentes rupturas, palpables, por ejemplo, en la sorprendente
diferencia entre sus obras pintadas en África, que nada tienen
que ver con las de épocas anteriores.
Imagen: GALLEN-KALLELA,
Akseli, La Defensa de Sampo [Sammon puolustus], 1896, temple
sobre lienzo, 122 x 125 cm., Finlandia, Turku, Turku Art Museum, ©
Turku Art Museum / Photo Kari Lehtinen
Encuentros.
Rosa Susaeta
Lugar: Galería
Amador de los Ríos
Dirección: C/ Fernando el Santo, 24,
28010 Madrid, España
Fecha: Desde el 15 de febrero hasta el 1
de marzo de 2012
La
exposición es una concentración de lugares que la autora
conoce muy bien, escenarios distantes entre sí que forman parte
de su vida; Nueva York, Santander, Islas vírgenes, Londres, Madrid
o Bilbao, cada cuadro es el resultado de un desplazamiento.
Con esta muestra Susaeta traza un mapa de colores, formas y texturas,
que configuran esencialmente aquellos parajes urbanos de los que nunca
se despide porque siempre regresa: ‘Vajo para crear’ Pero
también se viaja mientras uno está creando. El acto de
pintar implica deslizarse hasta un punto, llegar a buen puerto. Volver.
El viaje concluye en la superficie del lienzo, allí donde uno
se recompone después de una larga travesía a base de óleo,
acrílico y polvo de mármol, donde se construye la imagen
del recuerdo y se consolida la memoria.
Si hacemos una panorámica de su trabajo, sobresale un guiño
temático hacia la arquitectura y su entorno. Integra las ciudades
queridas, habitadas, familiares, tan presentes como ausentes. Rosa Susaeta
recrea visiones de su universo personal donde la cuestión no
es si va o viene, si está llegando o partiendo, sino que lo relevante
es el encuentro, la reunión. Alcanzar lo añorado. Lo importante
es la meditación que hace del “vínculo” como
condición imprescindible para sostener las distancias y seguir
viajando.
Por eso no es de extrañar que a lo largo de toda su producción,
exista una relación muy profunda con el agua por tratarse no
solo de un elemento formal muy moldeable, sino también por estar
cargado de múltiples significados. Es concebido como un operador
natural de revelación de imágenes y un canal de unión
entre orillas. El agua es un indicador de fronteras, un territorio de
entremedias que conecta dos mundos. La ría de Bilbao, la bahía
de Santander, el río Támesis, el océano Atlántico,
el east river de Nueva York, el agua marca las distancias pero también
las cercanías, conlleva un sentido de continuidad, de fluir,
de movimiento existencial. Adopta por tanto, una doble función;
la de estrechar lazos y la de traer a la memoria reflejos y ambientes.
Rosa Susaeta nos invita a recorrer atmósferas urbanas que condensan
la experiencia, reducen la distancia y constituyen vínculos.
Su paleta es un mapa de destinos posibles, un mundo biográfico
surtido de colores, formas y texturas. Sabiendo que el auténtico
viaje es la vida, la artista se transporta para regresar al lienzo.
Para volver a encontrar su paisaje.
Imagen: SUSAETA,
Rosa, Y allá en el horizonte, óleo sobre lienzo,
100x100 cm..
DUAL-ES
Tàpies frente a Tàpies
Lugar: Museo
de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA)
Dirección: Plaza de Santa María,
3, Alicante, España
Fecha: Desde el 26 de enero hasta el 15 de
abril de 2012
Un
total de 20 obras forman la exposición que trata de mostrar las
obras más recientes de Tàpies. Sus exposiciones en museos
suelen realizarse para poner en valor la trayectoria y evolución
del artista, pero con esta muestra no solo se quiere resaltar la fuerza
y energía de su obra, lo más contemporáneo, lo
más innovador de sus más recientes creaciones, sino mostrar
obras que recogen la persistencia de los temas a través del tiempo
ofreciendo diferentes visiones entre el Tàpies de ayer y hoy.
Se exhiben los últimos trabajos: el más joven de todos
los Tàpies.
Esta exposición muestra las últimas obras procedentes
de algunos de los museos más importantes de España, como
Patio Herreriano, ARTIUM, o IVAM, de su propia fundación, de
importantes colecciones privadas, así como obras recientemente
realizadas por el autor que proceden de su propio estudio y que generosamente
Antoni Tàpies cede para esta muestra.
Imagen: Cartel
de la exposición DUAL-ES Tàpies frente a Tàpies.
Andy
Warhol. Portraits
Lugar: Ibercaja
Patio de la Infanta
Dirección: San Ignacio de Loyola,
16, Zaragoza, España
Fecha: Desde el 26 de enero hasta el 22 de
abril de 2012
La
exposición compuesta por 99 piezas, ofrece un recorrido por la
vida y obra del máximo exponente del Pop Art, desde su infancia
hasta su muerte en 1987, desde la primera fotografía que se conserva
del artista, cuando tenía tres años, hasta sus últimas
obras, creadas meses antes de que falleciera. Este conjunto artístico
pertenece al Andy Warhol Museum de Pittsburg y son pinturas, impresiones,
dibujos y fotografías que permiten comprender la evolución
artística de uno de los creadores más transgresores y
transformadores de conceptos del siglo XX.
Se articula en cinco décadas, desde los años 40 hasta
los 80. Se introduce con una serie de diez fotografías familiares
de los años 30 que ponen de manifiesto la infancia y la juventud
de Andrew Warhol. Precisamente una fotografía de la actriz que
fue su ídolo en esta época, Shirley Temple, se halla también
entre la colección del álbum familiar. Se trata de una
postal dedicada a Warhol que él siempre conservó.
Los años 40 son los años de formación de Andy Warhol.
A mediados de esta década iba a ser expulsado del Carnegie Institute
of Technologie; sin embargo, los dibujos que el joven artista hacía
fuera del Instituto, le sirvieron para que sus profesores, en concreto
su profesor de dibujo Robert Lepper, adivinaran su valor y volvieran
a admitirlo. Lepper fue inmortalizado por su alumno en una caricatura
de 1948 hecha en grafito sobre papel bond que se puede ver en la exposición.
De esta época, de 1946, es la primera obra de Warhol: una escena
‘Personajes junto a un camión’ en tinta y grafito
sobre papel Manila que recuerda el negocio de su hermano.
En los años 50 se trasladó a Nueva York y se abrió
camino con éxito en la publicidad. Sus figurines de moda aparecieron
en las páginas de Glamour, Harper’s Bazaar y del New York
Times. De esta década, la exposición muestra obras con
tintes de anilina, técnicas de línea manchada, figurines
y otros trabajos de Warhol publicista y dibujante comercial que por
primera vez salen del Museo. También de 1950 es su primer autorretrato.
Es en la parte de la exposición dedicada a los años 60
donde se puede admirar al Andy Warhol más conocido. Sus primeros
retratos los hizo a partir de fotos de revistas. A principios de esta
década, Warhol poseía ya una extensa colección
de fotografías publicitarias de estrellas de cine como Marilyn
Monroe, Elizabeth Taylor, Greta Garbo y Kim Novak, y un gran número
de revistas para fans y tabloides. A Warhol, que no reconocía
la existencia de la muerte, le conmovió especialmente la de Marilyn
Monroe en 1962 y decidió pintar retratos de la actriz. A partir
del recorte de una toma publicitaria de la película ‘Niágara’,
pintó grandes lienzos con los que acuñó definitivamente
la imagen de la actriz como icono americano y se ganó su propio
lugar en la historia del arte. Un año después, el asesinato
de Robert Kennedy le impactó de igual modo e inmortalizó
a su viuda, quien fue también uno de sus ídolos. Con las
fotos de la célebre Jackie, algunas de antes y otras de después
del suceso de Dallas, pintó la que se consideraba una de sus
mejores obras de los años sesenta: ‘Aquella fue la semana’.
Si hasta esta fecha obtenía sus modelos de revistas; desde 1963,
Warhol comenzó a crear a partir de fotografías de fotomatón
que imitaban los fotogramas de una película. Utilizando este
método inmortalizó a artistas y a amigos como Edie Sedgwick,
Susan Bottomly y Gerard Malanga. Warhol transformaba las imágenes
en serigrafías.
También en los 60 Warhol produjo cientos de ‘Screen Tests’
(retratos en película de un personaje al que pedía que
posara dos minutos y medio mientras él filmaba. La película
resultante se proyectaba a velocidad más lenta y se convertía
en un ‘Screen Test’ de cuatro minutos de duración).
A comienzos de los 60, Andy Warhol comenzó a pintar retratos
por encargo, generalmente a coleccionistas de arte con gran poder adquisitivo,
lo que se convirtió en su principal fuente de ingresos. Sin embargo,
en 1968 y tras ser víctima de un intento de asesinato que estuvo
a punto de costarle la vida, Warhol dejó de pintar.
El gerente de sus negocios, Fred Huges, lo convenció para que
pintara retratos de los «ricos y famosos». En los 70 cambió
la técnica del fotomatón por la Polaroid, que consideraba
mucho más práctica. Le interesaban, además, los
contrastes de claroscuros que ofrecían las fotos hechas con está
máquina de revelado instantáneo, los cuales reducían
las imperfecciones y arrugas. El retrato de Ives Saint Laurent, quien
lo introdujo en la sociedad parisina; Liza Minelli o Arnold Schwarzenagger
son el resultado de esta nueva técnica.
De los años 80, la exposición muestra entre otros retratos
los de Prince; Dolly Parton; Sylvester Stallone; Jane Fonda; Marisa
Berenson; Alfred Hitchcock; Mao Tse Tung, omnipresente en la obra de
Warhol (llegó a producir más de dos mil retratos de Mao
en pequeños y grandes formatos); Sonia Rykiel; Carolina Herrera;
la modelo Apollonia von Ravenstein; Robert Mapplethorpe, con quien Warhol
nunca tuvo buena sintonía; Jean Michel Basquiat, colaborador
de Warhol en los ochenta; Tennessee Williams, o Truman Capote, el gran
ídolo de su juventud y de su madurez. La lista continúa
con una larga relación de personajes relevantes, de miembros
de la alta sociedad, de hombres y mujeres de negocios, o de gente común
que, a través de los relatos de Warhol, se convirtieron en estrellas.
La muestra incluye también un carpeta de mitos: Howdy Doody,
(de su infancia) y Drácula.
No obstante, de toda su producción, la representación
de su propia imagen, es quizá la más extendida y reconocida
por el público junto a sus latas y a las caras de sus mitos.
El precursor del Pop Art extendió también su arte a otras
disciplinas: fue escultor, director de cine, escritor, productor musical
y editor (fundó la revista ‘Interview’).
Imagen: WARHOL,
Andy, Autorretrato, 1978.
DELIMITATIONS
- An Exhibition of Contemporary Spanish Art
Lugar: Herzliya
Museum of Contemporary art
Dirección: 4 Ha'banim St., Herzliya
46379, Israel
Fecha: Desde el 21 de enero hasta el 25 de
mayo de 2012
Se
trata de la primera exposición que un museo de Israel dedica
exclusivamente a la obra de artistas españoles que forman parte
de la vanguardia del arte contemporáneo. Este proyecto, titulado
Delimitations, cuenta con la participación de artistas de la
talla de Carlos Bunga, Gerardo Custance, Ángela de la Cruz, Dora
García, Carlos Irijalba, Cristina Lucas, Mateo Maté, Fran
Meana e Isabel Rocamora.
Las pinturas, instalaciones, obras en video y fotografías creadas
por estos artistas comparten en todos los casos una preocupación
por los procesos de delimitación y por la creación de
diversos tipos de fronteras. Exploran los límites entre naciones,
entre formas de comportamiento aceptadas y no aceptadas, entre entornos
creados por el hombre, artificiales, y la naturaleza, entre diferentes
períodos históricos y entre el arte, la filosofía
y la vida.
La selección de obras incluidas en esta exposición refleja
un interés por la definición de la identidad nacional;
por cuestiones relacionadas con el lenguaje, la cultura, la inmigración
y la historia política; por el papel del ejército en la
vida diaria; y por la contribución del individuo a la aparición
de movimientos sociales populares y la conformación de su entorno
vital.
Estas preocupaciones, que son un aspecto central de la experiencia vital
en España, tienen un amplio eco en el contexto israelí
y pueden relacionarse con las manifestaciones masivas sin precedentes
que han irrumpido recientemente tanto en Tel Aviv como Madrid y en otras
partes del mundo. Al mismo tiempo, los artistas participantes invitan
a los visitantes a contemplar una serie de conceptos teóricos,
filosóficos y estéticos en torno a los cuales gira la
producción del arte contemporáneo.
Imagen: DE
LA CRUZ, Angela, Larger than Life, 2004, óleo y acrílico
sobre lienzo..
Guercino
(1591-1666). Capolavore di Cento e Roma
Lugar: Palacio
Barberini de Roma
Dirección: Via Barberini, 00184, Roma,
Italia
Fecha: Desde el 16 de diciembre de 2011 hasta
el 29 de abril de 2012
Se
trata de una exposición que reúne 36 obras maestras (17
de ellas prestadas por la Pinacoteca de Cento) del prolífico
pintor Francesco Barbieri, conocido como Guercino. A través de
las cuales es posible recorrer la dilatada carrera de este artista que
comenzó a pintar siendo un niño, que no dejó de
hacerlo hasta su muerte a los 75 años y que durante en sus más
de 60 años de actividad se convirtió en el más
prolífico de todos los artistas del barroco italiano.
La muestra no es sólo un homenaje a Guercino, sino también
al britanico Sir Denis Mahon, el coleccionista e historiador del arte
responsable de haber popularizado entre el gran público a los
genios del barroco italiano -desde Caravaggio a Guido Reni, pasando
por Guercino- quienes, hasta que él no los puso en valor a penas
unos pocos los conocían.
La exposición de Guercino marca además la reapertura de
salas de exposición, monumentales estancias del Palacio Barberini,
que durante décadas habían albergado el Círculo
de Oficiales del Ejército. Esas salas, que en total ocupan una
superficie de unos 1.000 metros cuadrados, marcan el fin de la larga
restauración del Palacio Barberini.
Imagen: GUERCINO
(Giovanni Francesco Barbieri), Ecce Homo, 1644, óleo
sobre lienzo, 65,5 x 53,5 cm. Roma, Galleria Corsini.
Cintia
Massafra
Lugar: Espacio
Orienta
Dirección: c/ Sanclemente 15 1º,
Zaragoza, España
Fecha: Desde el 26 de enero hasta el 18 de
marzo de 2012
Espacio
Orienta de la mano de Somos ARTe abre una nueva ventana al Arte con
una exposición de la polifacética e inclasificable artista
Cintia Massafra.
Fotografía, collage, pintura,... todo lo que se pueda hacer pasa
por las manos de esta creadora nacida en Argentina hace 24 años
y afincada en Zaragoza. En la muestra podrá verse una pequeña
muestra de su enorme capacidad creativa; inagotable, bella, divertida
y llena de pasión.
Para la artista la fotografía, es su forma de conectar con su
interior con el mundo, de reflejar esas cosas para las que no encuentra
palabras, de invitar a mirar con sus ojos. Sus fotografías suelen
ser siempre en sitios alejados y tranquilos, muchas veces antiguos edificios
ahora abandonados. La teoría del caos. Le gusta que haya personas,
buscar en ellos hasta dar con eso que está dentro que muchas
veces nuestro disfraz no nos permite sacar. “Las personas somos
instrumentos musicales, solo que a veces cada uno toca una sinfonía
que el otro no entiende. Busco la armonía, la luz, la serenidad,
mediante la fotografía, que es mi mejor terapia".
Imagen: MASSAFRA,
Cintia, Fotografía.
Ai
Weiwei: New York Photographs 1983-1993
Lugar: Martin
Gropius Bau
Dirección: Niederkirchnerstraße
7 | Ecke Stresemannstr. 110 10963 Berlin, Alemania
Fecha: Desde el 15 de octubre de 2011 hasta
el 18 de marzo de 2012
La
muestra incluye una selección de 220 instantáneas de las
10.000 que componen el archivo del artista. Un conjunto de imágenes
que revela las experiencias personales, pensamientos y actitudes de
Ai Weiwei. Las fotografías tomadas por el artista chino, además
de mostrar su vida, reflejan también la historia, la cultura
y la atmósfera de la ciudad neoyorquina en la década de
1980.
Ai Weiwei es uno de los artistas conceptuales más provocadores
e influyentes de la China actual. Antes de convertirse en un reconocido
artista y activista, Weiwei vivía en un pequeño apartamento
en el East Village. Ya por esa época era miembro destacado de
la comunidad de artistas e intelectuales chinos expatriados que vivía
en este barrio, entonces foco de la floreciente escena de vanguardia.
Durante esa década –de 1983 a 1993–, el artista utilizó
su cámara para documentar su vida, su obra y el ambiente de esos
años. Sus imágenes recogen desde los disturbios en Tompkins
Square Park, a drag queens en Wigstock, así como a conocidos
artistas e intelectuales chinos, tales como cineasta Chen Kaige, el
compositor Tan Dun o el artista Xu Bing. Estas fotografías conforman
una conmovedora y poderosa crónica de la visión artística
de Ai Weiwei, y de la conciencia política que enraizó
durante su estancia en la ciudad.
Imagen: Fotografía
de la exposición ‘New York Photographs 1983-1993’
de Ai Weiwei.
Diego
Rivera: Murales para el MoMa
Lugar: The
Museum of Modern Art
Dirección: 11 West 53 Street New York,
NY 10019, EE.UU.
Fecha: Desde el 13 de noviembre de 2011 hasta
el 14 de mayo de 2012
Esta
exposición reúne algunas de las obras realizadas por Rivera
para la exposición de 1931, que volverán a verse juntas
en este museo por primera vez tras casi 80 años. Junto con los
paneles murales, la muestra incluirá a gran escala otras obras
como dibujos, pequeños bocetos de trabajo, materiales de archivo
relacionados con la comisión y producción de estas obras
y diseños para el famoso mural que Rivera realizó para
el Rockefeller Center y que también produjo mientras trabajaba
en el MoMA.
Centrada específicamente en las obras creadas durante la estancia
del artista en Nueva York, esta exposición tratará de
trazar un retrato sucinto de Rivera como una figura muy cosmopolita
que vivió en Rusia, México y Estados Unidos, y ofrecerá
una renovada mirada a la intersección del arte en decisiones
políticas de la década de 1930.
Del 22 de diciembre de 1931 al 27 de enero de 1932, Diego Rivera fue
el protagonista de la segunda exposición monográfica de
la historia del MoMA de Nueva York (el primero fue Henri Matisse). Para
aquel proyecto, el MoMA llevó a Rivera a Nueva York seis semanas
antes de la inauguración de la muestra y le dio un espacio en
el museo para que el propio autor ingeniara una forma de resolver el
problema de cómo presentar su obra muralista.
Rivera trabajó todo el día con dos ayudantes y produjo
cinco ‘murales portátiles’, grandes bloques de yeso
pintados al fresco, cal apagada y madera, con imágenes procedentes
de la tradición mexicana y con temas de la revolución
y la desigualdad de clase. Tras la inauguración y la gran expectación
que produjo esta exposición, Rivera decidió añadir
tres murales, pero en este caso con temas inspirados en Nueva York,
con personajes e imágenes monumentales de la clase trabajadora
urbana y la estratificación social de la ciudad durante la Gran
Depresión. Los ocho murales se exhibieron durante toda la exposición.
El primero de estos paneles, el líder agrario Zapata, es un icono
en la colección del museo.
Imagen: RIVERA,
Diego, Agrarian Leader Zapata, 1931. Fresco, 238.1 x 188 cm.,
The Museum of Modern Art. Abby Aldrich Rockefeller Fund
Joan
Miró: La escalera de la evasión
Lugar: Fundación
Joan Miró, de Barcelona
Dirección: Parc Montjuïc, s/n,
08038 Barcelona, España
Fecha: Desde el 16 de octubre de 2011 hasta
el 18 de marzo de 2012
La
muestra, compuesta por 176 obras, pone de manifiesto el compromiso político
del artista a lo largo de su vida. Los lazos que Miró mantiene
con su tierra son incuestionables, así lo demuestran las obras
que se podrán ver en la exposición, que van desde los
paisajes de Mont-roig, como por ejemplo La masía (1921-1922),
que perteneció a Ernest Hemingway, amigo de Miró, la magistral
secuencia Cabeza de payés catalán (1924-1925),
hasta la serie escultórica de Sus Majestades (1974)
realizada a partir de herramientas provenientes del mundo rural. Las
tensiones que llevaron a la Guerra Civil española (1936-1939)
provocaron las protestas más explícitas de Miró
en obras como la serie de Pinturas salvajes (1934-1936), o
la Naturaleza muerta con zapatón (1937). Exiliado en
París, Miró diseña por el Gobierno de la República
Aidez l'Espagne y El Segador (Payés catalán
en rebelión) (1937), ubicado en el Pabellón Español
de la República, muy cerca del Guernica de Picasso.
Respuestas más íntimas y perturbadoras se manifiestan
en obras como las Constelaciones, serie desarrollada entre
1940 y 1941, justo después de estallar la Segunda Guerra Mundial.
Durante el régimen franquista, Miró trabajó en
España en una especie de exilio interior, mientras en el extranjero
se ganaba una reputación como representante de la abstracción
de posguerra.
La exposición también muestra obras clave de esta época,
entre las que destaca el tríptico La esperanza del condenado
a muerte (1974). Ya fuera oscureciendo o incluso quemando sus trabajos,
como es el caso de Mayo un mil novecientos sesenta y ocho (1.968
hasta 1,973 mil) y la serie de Telas quemaduras (1974), Miró
supo captar la atmósfera de revuelta de finales de los años
sesenta y hacer de testigo del ambiente político con explosiones
de pintura, como en el tríptico de los Fuegos artificiales
(1974), expresándose siempre de manera radical y pionera.
Imagen: MIRÓ,
Joan, Naturaleza muerta con zapatón, 1937, óleo
sobre lienzo, 81'3 x 116'8 cm., MOMA, Nueva York.
...y además
Joan
Miró. La escalera de la evasión
Desde el 16 de octubre de 2011 hasta el 18 de marzo de 2012
http://fundaciomiro-bcn.org
Las
miniaturas en el Museo del Prado
Desde el 11 de octubre de 2011 hasta el 26 de febrero de 2012
http://www.museodelprado.es
Retrospectiva
de Cindy Sherman
Desde el 26 de febrero hasta el 11 de junio de 2012
http://www.moma.org
Infinite
Jest. Caricature and Satire from Leonardo to Levine
Desde el 13 de septiembre de 2011 hasta el 4 de marzo de 2012
http://www.metmuseum.org
Antoni
Muntadas. Entre/Between
Desde el 23 de noviembre de 2011 hasta el 26 de marzo de 2012
http:/www.museoreinasofia.es
AGENDA
DE EXPOSICIONES