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AGENDA DE EXPOSICIONES

La imaginación del desastre (…o qué y cómo hacer con la maldad)
Lugar:
Arte x Arte
Dirección:
c/ Lavalleja 1062, Ciudad de Buenos Aires, Argentina.
Fecha:
Desde el 10 de junio hasta el 9 de septiembre de 2017


Cartel de la muestraLa muestra colectiva de ArtexArte Fundación Alfonso y Luz Castillo comisariada por Jorge Zuzulich y Pablo Orlando, cuenta con la participación de destacados artistas de Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Uruguay, Costa Rica, África y Argentina: Vito Acconci, Luciana Arias, Néstor Baltodano, George Bataille, Marcelo Bordese, Alfonso Castillo, Juan Cuello, Echo & the Bunnymen, Liliana Felipe, Juan Manuel Fiuza, Miguel Harte, Alejandro Kuropatwa Leo Masliah, The Police, Liliana Porter, Alfredo Prior, Carol Reed, Edmundo Rivero, Olivier de Sagazan, Tom Waits y Dolores Zorreguieta, quienes, han sabido representar mediante la fotografía, “el lado izquierdo de la empresa humana, la crueldad agazapada detrás del manto de la civilización, la inclinación hacia eso que el sano juicio considera el mal y que tal vez ha sido, en buena medida, mal entendido.”
Crímenes, sátiras, monstruosidades concretas y deliberadas, abs­tractas y sugeridas, insultos, lamentaciones. En todos los casos y por supuesto, en un registro ficcional. Mostrar el lado izquierdo de la empresa humana, la crueldad agazapada detrás del manto de la civilización, la inclinación hacia eso que el sano juicio considera el mal y que tal vez ha sido, en buena medida, mal entendido. Tal es el objeto de esta muestra: darle cuerpo al malestar pero ya puesto en escena como vía de escape para el descontento. Y exponerlo como una contra-historia de los hombres.

Imagen:
Cartel de la muestra.


Tesoros de la Hispanic Society
Lugar:
Museo Nacional del Prado
Dirección:
11 West 53 Street, Manhattan, Nueva York, EE.UU.
Fecha:
Desde el 4 de abril hasta el 10 de septiembre de 2017


El Museo del Prado, con el patrocinio de la Fundación BBVA, han realizado una exposición donde puede verse más de 200 obras pertenecientes a la Hispanic Society, institución con sede en Nueva York creada para la divulgación y estudio de la cultura española en los Estados Unidos. Es poseedora de la más importante colección de arte hispano fuera de España, con más de 18.000 piezas que abarcan del Paleolítico al siglo XX, y una biblioteca extraordinaria con más de 250.000 manuscritos y 35.000 libros raros, entre los que se incluyen 250 incunables.
La muestra realiza un recorrido cronológico y temático. Piezas arqueológicas, escultura romana, cerámicas, vidrios, muebles, tejidos, metalistería, arte islámico y medieval, obras del Siglo de Oro, arte colonial y del siglo XIX latinoamericano y pintura hispana de los siglos XIX y XX se muestran en un recorrido donde la pintura española, con obras tan relevantes como La Duquesa de Alba de Goya o Gaspar de Guzmán, Conde-Duque de Olivares de Velázquez, entabla un fascinante diálogo con las colecciones del Prado.
Muchas de las obras que se presentan no se habían hecho públicas hasta ahora o permanecían inéditas, como los relicarios de santa Marta y santa María Magdalena de Juan de Juni, o el grupo de madera policromada, vidrio y metal titulado las Postrimerías del Hombre, atribuido al ecuatoriano Manuel Chili, Caspicara; y otras, se han recuperado recientemente como el extraordinario Mapa de Tequaltiche, que se creía perdido. Sin embargo, y por encima del valor individual de cada obra, la contemplación de este conjunto excepcional contextualiza la magnitud de una riquísima historia de más de tres milenios de cultura hispánica en la Península Ibérica, América y Filipinas, la calidad de una colección que ningún otro museo fuera de España puede igualar, y la pasión de un coleccionista que puso todos sus recursos y conocimientos al servicio de la idea de crear un museo español en América.

Imagen:
VELÁZQUEZ, Diego. Retrato de niña, (ca. 1638-44), óleo sobre lienzo, 51,5 x 41 cm., Nueva York, The Hispanic Society of America.


Making Space: Women Artists and Postwar Abstraction
Lugar:
The Museum of Modern Art (MoMA)
Dirección:
11 West 53 Street, Manhattan, Nueva York, EE.UU.
Fecha:
Desde el 15 de abril hasta el 13 de agosto de 2017


RYAN, Anne. Collage, 353. 1949. Pasted colored papers, cloth, and string on paper, 19 x 17.5 cm., The Museum of Modern Art, New York. Gift of Elizabeth McFaddenLa exhibición la conforma un centenar de obras de cincuenta mujeres artistas internacionales, que pone en valor sus logros entre las décadas de los cincuenta y los sesenta dentro del movimiento abstracto.
La "cultura hipermasculina" que acompañó a esta corriente artística después de la Segunda Guerra Mundial hacía más difícil para las mujeres, a las que se asignaba normas de género específicas, participar. Más aun si, además, estaban casadas con artistas. Ese fue el caso de Lee Krasner, que durante toda su carrera luchó contra la idea de que los fuertes gestos del expresionismo abstracto eran una "heroicidad" de los hombres y solo tras la muerte de su marido, Jackson Pollock, consiguió hacerse con un nombre propio. En "Gaea" (1966) se aprecia cómo Krasner utilizó su cuerpo, su fuerza, para expresarse a través de incisivos brochazos de pintura en tonos rosados, blancos y oscuros. "Quiero que el lienzo respire y esté vivo", explicaba la artista en aquel momento.
Precisamente, el recorrido de la muestra, comienza con un retrato dinámico y colorista del viaducto Shinnecock, en Long Island, obra de la estadounidense Grace Hartigan, una pionera en el género que en los años cincuenta firmó bajo el nombre de George para sortear los prejuicios de género.
Las mujeres que protagonizan la muestra encontraron medios de expresión en los gestos existencialistas, el orden racional de la geometría y el potencial disruptivo de materiales como la tela, pasando por la fotografía o el papel.
Entre las artistas que pueden verse están Bridget Riley con "Current", una vibrante composición de líneas sinuosas en blanco y negro que participó en "The Responsive Wye", una exhibición del MoMa que ayudó a definir el estilo 'op art' en 1965. La uruguaya María Freire o las venezolanas Gego y Elsa Gramcko; la brasileña Gertrudes Altschul; o Anni Albers de la que se exponen varios separadores de habitación tejidos con materiales poco convencionales, como celofán o crin de caballo, y que bebe de la Bauhaus de Alemania, donde dirigió un taller de telas hasta que los nazis lo cerraron en 1933.
Las comisarias señalaron que todas las obras, desde las recién adquiridas hasta las de los años cincuenta y sesenta, forman parte de la colección del MoMA, que tiene el objetivo de ampliar la representación de las mujeres artistas en el museo.

Imagen:
RYAN, Anne. Collage, 353. 1949. Pasted colored papers, cloth, and string on paper, 19 x 17.5 cm., The Museum of Modern Art, New York. Gift of Elizabeth McFadden.


Lewis Baltz
Lugar:
Sala Fundación MAPFRE Bárbara Braganza
Dirección:
c/ Bárbara de Braganza, 13. 28004 Madrid, España
Fecha:
Desde el 7 de abril hasta el 2 de julio de 2017


BALTZ, Lewis, Near Reno no. 11, from Near Reno, 1986Esta es la primera exposición en España dedicada a Baltz y la primera retrospectiva del artista desde su fallecimiento en 2014. Alrededor de 400 piezas componen la exposición que presenta y pone a debate la obra de Lewis Baltz. Desde sus primeras series fotográficas en blanco y negro realizadas en los años 60 y 70 como The Prototypes Works, The Tract Houses o The new Industrial Parks near Irvine, California, hasta la obra en color y la exploración de nuevos lenguajes artísticos de los últimos años con obras como Ronde de Nuit, The Deaths in Newport o Venezia Marguera.
Lewis Baltz (1945- 2014) fue uno de los fotógrafos más importantes de la segunda mitad del siglo XX. Su obra se ha relacionado tradicionalmente con la generación de fotógrafos agrupados en torno a la exposición New Topographics, que cuestionó la idea del paisaje como una imagen bella y existencial, casi sagrada, y lo mostró como un hecho real, como resultado de la casi siempre desafortunada acción del hombre.
Baltz concebía el paisaje como espacio urbanizado, estructurado y poblado, y mostró esas construcciones como una arquitectura muda y prácticamente sin rostro. Para él, el paisaje se convirtió en paisaje-como-propiedad-inmobiliaria, donde el campo y la ciudad valían exactamente lo mismo en términos monetarios, y, al igual que un topógrafo, lo midió paso a paso y lo registró en sus imágenes.
La fotografía fue el instrumento que Baltz utilizó como medio de expresión, como herramienta de investigación y conocimiento, muy en la línea de la filosofía y el arte de los años sesenta y setenta. Por ello, formalmente, Baltz actuó como un fotógrafo profesional de la fotografía directa pero, en cuanto al contenido, fue un artista de pensamiento conceptual y su formación se forjó en el contexto artístico de la época.

Imagen:
BALTZ, Lewis, Near Reno no. 11, from Near Reno, 1986.


Begoña Zubero. Gente del Po
Lugar:
Sala Artegunea en Tabakalera
Dirección:
Plaza de las Cigarreras, 1 20012 Donostia/San Sebastián, España
Fecha:
Desde el 7 de abril hasta el 2 de julio de 2017


Cartel de la muestra "Gente del Po” de Begoña Zubero en la sala Artegunea de San SebastiánSe trata de una propuesta de la fotógrafa Begoña Zubero en la que busca un acercamiento entre personal y documental al paisaje natural y humano en torno al río Po en Italia. La muestra, comisariada por Enrique Martínez Lombó, se compone de 94 fotografías positivadas en soportes variables y pertenecientes a 3 series (Le sponde, Le capanne y Paesaggio industriale), además de un ejemplar de la revista Cinema nº 68, una cabaña, y dos vídeo-instalaciones (Dal Ponte y Pontelagoscuro).
La serie que ahora presenta Zubero es el resultado de sus últimos cuatro años de residencia en Italia. Un proyecto que surgió tras el descubrimiento de la faceta de Michelangelo Antonioni como fotógrafo gracias a las imágenes que acompañan a su artículo Per un film sul fiume Po, publicado en 1939 en la mítica revista Cinema. En él se preguntaba si la manera de regresar a la topografía física y humana del río que había pertenecido al paisaje de su juventud debía ser a través del documental o la ficción. Zubero retoma esta idea por medio de una aproximación fotográfica a los espacios explorados por Antonioni, lo que ha dado como resultado un complejo universo visual en el que el paisaje cobra protagonismo a través de la fotografía, escultura, video e instalación.

Imagen:
Cartel de la muestra "Gente del Po” de Begoña Zubero en la sala Artegunea de San Sebastián.


Sorolla en su paraíso. Álbum fotográfico del pintor
Lugar:
Museo Sorolla
Dirección:
C/ General Martínez Campos, 37 28010, Madrid, España
Fecha:
Desde el 7 de abril hasta el 1 de octubre de 2017


Sorolla trabajando en el cuadro Tipos de Soria, en los altos de la ermita del Mirón, Museo Sorolla [Inv. 80144], fotografía de Aurelio Rioja de PabloLa exposición pretende ofrecer un retrato fotográfico de Joaquín Sorolla y de su universo creativo y personal. La muestra bucea en la vida del valenciano, tanto en la esfera personal como en la profesional.
Dada su condición de gran artista, Sorolla fue siempre objetivo de los fotógrafos, algunos de ellos miembros de su círculo familiar y afectivo, como Antonio García, Christian Franzen, Campúa, Gertrude Kasëbier o González Ragel, que le retrataron en plena faena, en los ámbitos familiares y en los lances más relevantes de su vida.
Comisariada por el fotohistoriador Publio López Mondéjar, Sorolla en su paraíso se nutre del archivo fotográfico del museo, la Fototeca de Castilla y León, la Biblioteca Nacional, el Archivo General de la Administración, el Archivo Fotográfico de la Diputación de Valencia, Televisión Española, la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos... Asimismo, se han consultado diversos archivos de fotógrafos (Alfonso, Marín, Christian Franzen, Pelai Mas, Antonio García, Boldún, Káulak, Venancio Gombau y González Ragel) y decenas de colecciones particulares.
Dividida en siete secciones (Juventud, Familia, El pintor en el estudio, Madurez, Amigos y Clientes, Sorolla a plena luz y Últimos días), la muestra reúne 61 copias digitales realizadas en el taller de Castro Prieto a partir de originales de distintas colecciones, 13 copias de época, tres óleos de la colección del museo y originales de prensa. En ella aparecen algunos de los grandes fotógrafos norteamericanos de su tiempo: W.A. Cooper, Williams M. Hollinger, Harris and Ewing, Gertrude Käsebier o Sebastian Cruset, con quien trabó amistad tras los viajes a EEUU con motivo de sus exposiciones en 1909.
Además las fotografías reunidas también ofrecen una visión de la evolución del retrato de los últimos años del siglo XIX y principios del XX, con técnicas tan diversas como la albúmina con ese tono sepia tan característico, o el nitrato de plata.

Imagen:
Sorolla trabajando en el cuadro Tipos de Soria, en los altos de la ermita del Mirón, Museo Sorolla [Inv. 80144], fotografía de Aurelio Rioja de Pablo.


Bellini y los bellinianos
Lugar:
Palacio Sarcinelli de Conegliano
Dirección:
Via XX Settembre, Conegliano Civita Tre Venezie, Italia
Fecha:
Desde el 25 de febrero hasta el 18 de junio de 2017


Marco Bello, Circuncidado, temple sobre tabla 60’5x85 cm., Rovigo, Galería de la Academia ConcordiCon un año de retraso, por motivos burocráticos, con respecto a la celebración del V centenario de su muerte, se exponen una treintena de obras de Giovanni Bellini, entre las cuales figuran vírgenes bellinianas y pinturas religiosas de gran formato, firmadas por autores poco conocidos como Marco Bello, Domenico Capriolo y Jacopo de Valenza y de artistas célebres como Tiziano y Tintoretto.
La exposición desvela el método de trabajo del maestro Giovanni Bellini, y cómo funcionaba su taller.
La verdadera revolución pictórica de Bellini fueron sus pequeños cuadros, de apenas 83 x 62 centímetros de vírgenes con niños en actitud tierna y cariñosa. Esto se convirtió en un fenómeno pictórico de masas y tuvo un gran éxito comercial, y para satisfacer la gran demanda tuvo que recurrir a sus aprendices. Fue así como nació la producción en serie en el taller de Bellini. Abundan los ejemplos de artistas presentes en la muestra que copiaron a Bellini, siguiendo las huellas de sus dibujos. Emblemático es el cuadro símbolo de la exposición, firmado por Marco Bello: retrata la circuncisión de un bebé poco agraciado y desproporcionado. En la escena hay dos mujeres, cuyas líneas delicadas contrastan con los de los cuatro personajes masculinos. Sin duda, Bello calcó las mujeres y el resto es obra suya. Estaba muy por debajo del maestro, por eso firmó siempre como aprendiz de Giovanni Bellini.
Pero su influencia no se quedó sólo en artistas italianos, también llegó a maestros alemanes y flamencos como Mabuse y Mostaert e incluso a Albrecht Dürer.

Imagen:
Marco Bello, Circuncidado, temple sobre tabla 60’5x85 cm., Rovigo, Galería de la Academia Concordi.


Tony Cragg
Lugar:
Museo de Arte Moderno Gran Duque Jean de Luxembourg (Mudam)
Dirección:
3, Park Dräi Eechelen. L-1499 Luxembourg
Fecha:
Desde el 11 de febrero hasta el 3 de septiembre de 2017


Tony Cragg, Forminifera, 1994, Collection Mudam Luxembourg, Acquisition 1996, Apport FOCUNA © Adagp, Paris 2016. Fotografía: Rémi Villaggi.Esta muestra no pretende ser una retrospectiva. Lo puede parecer al mostrar una selección de obras que en su mayoría se han realizado durante los últimos veinte años, pero nada más lejos de la realidad. Lo que se pretende principalmente, es reflejar la diversidad y el dinamismo característicos de la obra de este artista que se distingue por una productividad fuera de lo común.
Aunque Tony Cragg aborda las cuestiones de la forma y la materia escultóricas de una manera que “tradicional”, considera que cualquier material es intrínsecamente portador de sentido, de ideas y de emociones, y que de hecho la escultura es un medio artístico volcado hacia el futuro, cuyo potencial no ha sido plenamente explotado. Desde su punto de vista, el arte se encuentra a medio camino entre el dominio orgánico de la naturaleza y el funcional y optimizado de la producción industrial.
Las obras de Tony Cragg reunidas en el Mudam muestran una gran diversidad, pero a la vez se vinculan entre sí por el lugar que ocupan en el espacio. Un ejemplo de ello son Dining Motions (1982) y Forminifera (1994), las dos piezas de la colección del Mudam, atestiguan, por una parte, la atención que el artista siempre ha prestado a las relaciones entre forma, imagen y materia; y por otra, su interés por las formas orgánicas y los problemas de masa y superficie, problemas de los que también se ocupa, aunque de manera diferente, en otras obras.

Imagen:
Tony Cragg, Forminifera, 1994, Collection Mudam Luxembourg, Acquisition 1996, Apport FOCUNA © Adagp, Paris 2016. Fotografía: Rémi Villaggi.


1900-1950: Diego Rivera, Frida Kahlo, José Clemente Orozco y las vanguardias
Lugar:
Museo de Arte de Dallas (DMA)
Dirección:
1717 N Harwood St, Dallas, TX 75201, EE. UU.
Fecha:
Desde el 12 de marzo hasta el 16 de julio de 2017


José Clemente Orozco, The “Soldaderas” (Las soldaderas), 1926, oil on canvas, Mexico, INBA, collection Museo de Arte Moderno © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York / SOMAAP, Mexico CitySe trata de más de 200 obras del llamado Renacimiento Artístico Mexicano, pintura, escultura, fotografía, dibujo y documentos cinematográficos.
Representa una de las retrospectivas de arte mexicano más importante de los últimos años. Es un vasto panorama de la modernidad mexicana que va del inicio de la Revolución hasta los años 60 complementado con piezas de artistas contemporáneos.
En la primera sección de la muestra, el público descubrirá cómo la modernidad mexicana se inspiró en la imaginación colectiva y en las tradiciones del siglo XIX.
La segunda sección de la exposición se enfoca en la Revolución como un conflicto armado que implicó la planificación de un nuevo proyecto nacional con un carácter ideológico plasmado en el muralismo con sus máximos representantes: Diego Rivera, José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros.
El tercer apartado de la exhibición permite descubrir toda una selección de artistas y piezas presentadas como opciones a los discursos ideológicos de la época. Ahí se encuentra, por ejemplo, Gerardo Murillo Dr. Atl y Rufino Tamayo
Finalmente, en la cuarta sección se pueden apreciar movimientos de vanguardia en ciudades como Nueva York, Detroit y Los Ángeles derivados de la cohesión entre las culturas mexicana y estadounidense a través de la presencia de mexicanos en la Unión Americana.

Imagen:
José Clemente Orozco, Las soldaderas, 1926, óleo sobre lienzo, Mexico, INBA, collection Museo de Arte Moderno © 2017 Artists Rights Society (ARS), New York / SOMAAP, Mexico City.


De Zurbarán a Rothko. Colección Alicia Koplowitz - Grupo Omega capital
Lugar:
Museo Jacquemart-André
Dirección:
158 Boulevard Haussmann, 75008 Paris, Francia
Fecha:
Desde el 3 de marzo hasta el 10 de julio de 2017


Henri de Toulouse-Lautrec , La lectora, © Colección Alicia Koplowitz - Grupo Omega capitalLa muestra, compuesta por 52 obras maestras, pertenece a la Colección Alicia Koplowitz - Grupo Omega capital . En ella pueden verse maestros antiguos y modernos, que se codean en un diálogo apasionante a través de los siglos: esculturas antiguas y pinturas de Zurbarán, Tiepolo, Canaletto, Guardi , Goya, Toulouse-Lautrec, Gauguin, Van Gogh ,Picasso, Van Dongen, Modigliani, Schiele, de Staël, Freud, Rothko o Barceló, así como esculturas de Giacometti, Richer y burgués.
Arranca con Goya, Zurbarán y Canaletto, pero lo que parecía una previsible colección aristocrática de maestros españoles e italianos se termina desviando hacia la modernidad pictórica. Aparece una naturaleza muerta de Van Gogh. Una modelo de Toulouse Lautrec que no es prostituta ni cabaretera, sino una simple lectora. Un lienzo de Schiele donde la modelo está vestida. Una obra de Tàpies, más delicada que iconoclasta. Y otra de Lucien Freud, en la que el pintor evita mostrar la decrepitud carnal. El recorrido termina con una pequeña araña de Louise Bourgeois que, más que una madre depredadora, da la sensación contraria. La vanguardia que le gusta a Koplowitz parece más serena que desgarradora. No es casual que no tenga nada de pop art. Prefiere a clásicos modernos como Richard Serra, Cy Twombly o Anish Kapoor.

Imagen:
Henri de Toulouse-Lautrec, La lectora, © Colección Alicia Koplowitz - Grupo Omega capital.



...y además


Mutations-Créations / Ross Lovegrove
Desde el 12 de abril hasta el 3 de julio de 2017
https://www.centrepompidou.fr


Antoni Tàpies. Objectes
Desde el 7 de de febrero hasta el 25 de septiembre de 2017
http://www.fundaciotapies.org


Rodin : the centennial exhibition
Desde el 22 marzo hasta el 22 de julio de 2017
http://www.grandpalais.fr

Watkins, El Paisaje de EEUU en la Colección de Soralla
Desde el 28 de abril hasta el 20 de julio de 2017
http://www.casamerica.es

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